فرهنگ و آموزش

چاپ صفحه

تاریخ ژاپن به عنوان چنین شکلی فقط در پایان قرن پنجم شروع به شکل گیری می کند. اشیای نسبتا کمی که قدمت آنها به قرون گذشته (دوره باستانی) می رسد، کشف شده است، اگرچه برخی از یافته های بدست آمده در حفاری ها یا در حین کار ساخت و ساز نشان دهنده استعداد هنری قابل توجهی است.

دوره باستانی.قدیمی ترین آثار هنر ژاپنی ظروف سفالی از نوع جومون ( قالب بندی بند ناف ) . این نام از تزئین سطح با نقش های مارپیچی از بند ناف پیچیده شده در اطراف چوب هایی است که صنعتگر برای ساختن ظرف استفاده می کرد. شاید در ابتدا صنعتگران به طور تصادفی چاپ های بافته شده را کشف کردند، اما سپس شروع به استفاده عمدی از آنها کردند. گاهی اوقات فرهای گلی بند ناف مانند روی سطح چسبانده می شد و جلوه تزئینی پیچیده تری ایجاد می کرد که تقریباً یک تسکین بود. اولین مجسمه ژاپنی در فرهنگ جومون بوجود آمد. دوگو (به معنای "تصویر گلی") از یک شخص یا حیوان احتمالاً دارای اهمیت مذهبی است. تصاویر مردم، عمدتاً زنان، بسیار شبیه به الهه های گلی سایر فرهنگ های بدوی است.

تاریخ گذاری رادیوکربن نشان می دهد که برخی از یافته های فرهنگ جومون ممکن است به 6-5 هزار سال قبل از میلاد برگردد، اما قدمت آنقدر زود به طور کلی پذیرفته نشده است. البته چنین ظروفی در مدت زمان طولانی ساخته می شدند و اگرچه هنوز نمی توان قدمت دقیقی را تعیین کرد، اما سه دوره قابل تشخیص است. قدیمی ترین نمونه ها دارای پایه نوک تیز و تقریباً بدون تزئین هستند، به جز آثاری از ابزار سفالگری. ظروف دوره‌ی میانی دارای تزیینات غنی‌تر بوده و گاه با عناصر قالب‌بندی شده، جلوه‌ای از حجم را ایجاد می‌کنند. شکل ظروف دوره سوم بسیار متنوع است، اما تزئینات دوباره صاف و مهار می شود.

در حدود قرن دوم. قبل از میلاد مسیح. سرامیک Jomon جای خود را به سرامیک Yayoi داد که با فرم های برازنده، سادگی طراحی و کیفیت فنی بالا مشخص می شود. تکه ظرف نازک تر شد و زیور کمتر تجملی شد. این نوع تا قرن سوم رواج داشت. آگهی

از نظر هنری، شاید بهترین آثار دوره اولیه حنیوا، استوانه های گلی مربوط به قرن سوم تا پنجم باشد. آگهی از آثار بارز این دوران می توان به تپه ها یا تپه های عظیم، سازه های دفن امپراتوران و اشراف قدرتمند اشاره کرد. آنها اغلب از نظر اندازه بسیار بزرگ هستند و گواه قدرت و ثروت خانواده امپراتوری و درباریان هستند. ساخت چنین سازه ای برای امپراتور نینتوکوتنو (حدود 395427 میلادی) 40 سال به طول انجامید. بارزترین ویژگی این تپه ها، استوانه های سفالی حنیوا بود که آنها را مانند حصاری احاطه کرده بود. معمولاً این استوانه‌ها کاملاً ساده بودند، اما گاهی اوقات با مجسمه‌های انسانی تزئین می‌شدند و کمتر با مجسمه‌های اسب، خانه یا خروس تزئین می‌شدند. هدف آنها دو چیز بود: جلوگیری از فرسایش توده های عظیم زمین و تامین مایحتاج متوفی که در زندگی زمینی از آنها استفاده می کرد. به طور طبیعی، سیلندرها به یکباره در مقادیر زیادی تولید می شدند. تنوع مضامین، حالات چهره و ژست های فیگورهایی که آنها را تزئین می کند تا حد زیادی نتیجه بداهه پردازی استاد است. علیرغم این واقعیت که آنها آثار صنعتگران هستند تا نقاشان و مجسمه سازان، اما به عنوان یک هنر ژاپنی از اهمیت بالایی برخوردار هستند. ساختمان‌ها، اسب‌های پوشیده شده، خانم‌های نخست‌وزیر و جنگجویان تصویر جالبی از زندگی نظامی ژاپن فئودال اولیه ارائه می‌دهند. این امکان وجود دارد که نمونه های اولیه این سیلندرها در چین ظاهر شوند، جایی که آیتم های مختلفآنها را مستقیماً در دفن می گذاشتند، اما نحوه اجرا و روش استفاده از حنیوا متعلق به سنت محلی است.

دوره باستانی اغلب به عنوان زمانی عاری از آثار با سطح هنری بالا، زمان تسلط بر چیزهایی که عمدتاً ارزش باستان شناسی و قوم شناسی دارند، دیده می شود. با این حال، باید به خاطر داشت که آثار این فرهنگ اولیه به عنوان یک کل از حیات و حیات زیادی برخوردار بودند، زیرا اشکال آنها به عنوان ویژگی های ملی خاص هنر ژاپن در دوره های بعدی باقی ماندند و به حیات خود ادامه دادند.

دوره آسوکا(552710 م). معرفی بودیسم در اواسط قرن ششم. تغییرات چشمگیری در شیوه زندگی و تفکر ژاپنی ها ایجاد کرد و انگیزه ای برای توسعه هنر این دوره و دوره های بعدی شد. ورود بودیسم از چین از طریق کره به طور سنتی به سال 552 پس از میلاد مسیح مربوط می شود، اما احتمالاً قبلاً شناخته شده بود. در سال‌های اولیه، بودیسم با مخالفت‌های سیاسی، با مخالفت مذهب ملی شینتو مواجه شد، اما تنها چند دهه بعد این آیین جدید تأیید رسمی دریافت کرد و سرانجام تأسیس شد. بودیسم در سالهای اولیه ورودش به ژاپن یک دین نسبتاً ساده با تعداد کمی از خدایان بود که به تصاویر نیاز داشت، اما پس از حدود صد سال قدرت یافت و پانتئون به شدت رشد کرد.

در این دوره معابدی تأسیس شد که نه تنها در خدمت تبلیغ ایمان بودند، بلکه مراکز هنری و آموزشی بودند. صومعه-معبد در Horyuji یکی از مهم ترین برای مطالعه هنر اولیه بودایی است. در میان گنجینه های دیگر، مجسمه سه گانه بزرگ سیاکا نرای (623 پس از میلاد) وجود دارد. این اثر توری بوسی، اولین مجسمه‌ساز بزرگ ژاپنی که برای ما شناخته شده است، یک تصویر برنزی تلطیف‌شده شبیه به گروه‌های مشابه در معابد غار بزرگ چین است. ژست شاکی نشسته (رونویسی ژاپنی کلمه «شاکیامونی»، بودای تاریخی) و دو چهره ای که در دو طرف او ایستاده اند، کاملاً جلویی است. فرم‌های پیکره انسان با چین‌های متقارن سنگین لباس‌هایی که به صورت طرح‌واره طراحی شده‌اند پنهان شده‌اند و در چهره‌های کشیده صاف می‌توان خود جذبی و تفکر رویایی را احساس کرد. مجسمه این اولین دوره بودایی بر اساس سبک و نمونه های اولیه پنجاه سال قبل از سرزمین اصلی است. وفادارانه از سنت چینی پیروی می کند که از طریق کره به ژاپن آمده است.

برخی از مهم ترین مجسمه های این زمان از برنز ساخته می شدند، اما از چوب نیز استفاده می شد. دو مجسمه چوبی معروف، مجسمه های الهه کنن هستند: یومدونو کانن و کودارا کانن، هر دو در هوریوجی. آنها با لبخندهای باستانی و عبارات رویایی خود شیء پرستشی جذاب تری نسبت به سه گانه شاکی هستند. اگرچه فیگورهای کانن دارای چینش شماتیک و متقارن چین های لباس هستند، اما سبک تر و پر حرکت هستند. چهره های بلند و باریک بر معنویت چهره ها، مهربانی انتزاعی آن ها، دور از همه دغدغه های دنیوی، اما حساس به دعای دردمندان تأکید می کنند. مجسمه ساز تا حدودی به خطوط شکل کودارا کانن که توسط چین های لباس پنهان شده بود، توجه کرد و بر خلاف شبح دندانه دار یومدونو، حرکت هم شکل و هم پارچه به عمق هدایت می شود. در نمایه، Kudara Kannon یک طرح کلی S شکل برازنده دارد.

تنها نمونه بازمانده از نقاشی که ایده‌ای از سبک اوایل قرن هفتم به دست می‌دهد، نقاشی تاماموشی زوشی، "محبت بالدار" است. این زیارتگاه مینیاتوری نام خود را از بال‌های سوسک رنگین کمانی که در یک قاب فلزی سوراخ‌دار قرار گرفته‌اند، گرفته است. بعدها با ترکیبات مذهبی و فیگورهای شخصیت های فردی که با لاک رنگی ساخته شده بودند تزئین شد. مانند مجسمه های این دوره، برخی از تصاویر آزادی طراحی زیادی را نشان می دهند.

دوره نارا(710784). در سال 710 پایتخت به نارا منتقل شد، شهر جدیدی که از چانگان پایتخت چین الگوبرداری شده بود. خیابان های وسیع، کاخ های بزرگ و معابد بودایی متعدد وجود داشت. نه تنها بودیسم در تمام جنبه های آن، بلکه کل زندگی فرهنگی و سیاسی چین به عنوان الگویی برای پیروی تلقی می شد. شاید هیچ کشور دیگری در فرهنگ خود بیش از این احساس ناکافی نداشته باشد و یا تا این حد مستعد تأثیرات خارجی نباشد. علما و زائران آزادانه بین ژاپن و سرزمین اصلی رفت و آمد می‌کردند و زندگی دولتی و کاخ‌ها از سلسله تانگ چین الگوبرداری شد. با این حال، باید به یاد داشته باشیم که ژاپنی ها با وجود تقلید از نمونه های تانگ چین، به ویژه در هنر، با درک تأثیر و سبک آن، تقریباً همیشه فرم های خارجی را با فرم های خود تطبیق می دادند.

در مجسمه سازی، جلوه و تقارن دقیق دوره قبلی آسوکا جای خود را به فرم های آزادتر داد. توسعه ایده ها در مورد خدایان، افزایش مهارت فنی و آزادی استفاده از مواد به هنرمندان این امکان را می دهد که تصاویر مذهبی صمیمی و قابل دسترس تری خلق کنند. تأسیس فرقه های بودایی جدید پانتئون را گسترش داد و حتی قدیسان و بنیانگذاران بودیسم را نیز در بر گرفت. علاوه بر مجسمه های برنزی، تعداد زیادی آثار ساخته شده از چوب، خشت و لاک شناخته شده است. سنگ کمیاب بود و تقریباً هرگز برای مجسمه سازی استفاده نمی شد. لاک خشک مخصوصاً محبوب بود، شاید به این دلیل که علیرغم پیچیدگی فرآیند تهیه ترکیب، آثار ساخته شده از آن نسبت به لاک های چوبی چشمگیرتر به نظر می رسید و از محصولات سفالی که ساخت آن آسان تر بود، قوی تر بود. شکل‌های لاکی بر روی پایه‌های چوبی یا سفالی شکل می‌گرفتند که سپس برداشته می‌شد، یا روی تقویت‌کننده‌های چوبی یا سیمی. سبک و بادوام بودند علیرغم این واقعیت که این تکنیک مقداری استحکام در ژست ها را دیکته می کرد، آزادی زیادی در به تصویر کشیدن چهره ها مجاز بود، که تا حدی به توسعه چیزی که می توان آن را مجسمه پرتره نامید کمک کرد. به تصویر کشیدن چهره خدا مطابق با الزامات شدید قوانین بودایی انجام می شد، اما محبوبیت و حتی خدایی شدن برخی از بنیانگذاران و مبلغان ایمان فرصت های بسیار خوبی را برای انتقال شباهت پرتره فراهم کرد. این شباهت را می توان در مجسمه ساخته شده از لاک خشک پدرسالار چینی Genjin، مورد احترام در ژاپن، واقع در معبد Toshodaiji مشاهده کرد. جنجین هنگامی که در سال 753 به ژاپن رسید نابینا بود و چشمان بی‌بینا و حالت روشن فکری درونی او به زیبایی توسط مجسمه‌ساز ناشناس تسخیر شده است. این گرایش واقع گرایانه به وضوح در مجسمه چوبی واعظ کویا، که توسط مجسمه ساز کوشو در قرن 13-14 ایجاد شد، بیان شد. واعظ لباس گدای سرگردان با عصا، گونگ و پتک پوشیده است و از دهان نیمه بازش پیکرهای کوچک بودا بیرون می آید. مجسمه ساز که از تصویر راهب آوازخوان راضی نبود، تلاش کرد تا معنای درونی کلمات خود را بیان کند.

تصاویر بودا از دوره نارا نیز با رئالیسم بزرگ متمایز می شود. این معابد که برای تعداد روزافزونی از معابد ساخته شده‌اند، به‌اندازه پیشینیان خود سرد و محفوظ نیستند، زیبایی و نجابت بیشتری دارند و با عنایت بیشتری نسبت به مردمی که آنها را می‌پرستند مورد خطاب قرار می‌گیرند.

نقاشی های بسیار کمی از این زمان باقی مانده است. طرح چند رنگ روی کاغذ زندگی گذشته و حال بودا را به تصویر می کشد. این یکی از معدود نمونه های باستانی emakimono یا نقاشی طوماری است. طومارها به آرامی از راست به چپ باز می‌شدند و بیننده فقط می‌توانست از آن قسمتی از تصویر لذت ببرد که بین دستانی که طومار را باز می‌کردند، لذت برد. برخلاف طومارهای بعدی که بخشی از متن با یک تصویر توضیحی متناوب می شد، تصاویر مستقیماً بالای متن قرار گرفتند. در این قدیمی‌ترین نمونه‌های باقی‌مانده از نقاشی طومار، چهره‌های طرح‌ریزی شده در برابر منظره‌ای به سختی مشخص شده‌اند، با شخصیت مرکزی، در این مورد شاکا، در صحنه‌های مختلف ظاهر می‌شود.

هیان اولیه(784897). در سال 784 پایتخت به طور موقت به ناگائوکا منتقل شد، تا حدی برای جلوگیری از تسلط روحانیون بودایی نارا. در سال 794 برای مدت طولانی تری به هیان (کیوتو کنونی) نقل مکان کرد. اواخر قرن هشتم و نهم دوره ای بود که ژاپن با انطباق با ویژگی های خود، بسیاری از نوآوری های خارجی را با موفقیت جذب کرد. دین بودایی نیز با آداب و رسوم و آداب توسعه یافته خود، دوران تغییر، ظهور فرقه های جدید بودیسم باطنی را تجربه کرد. از این میان، تأثیرگذارترین فرقه‌های Tendai و Shingon بودند که از هند سرچشمه گرفتند، به چین رسیدند و از آنجا توسط دو دانشمند که پس از شاگردی طولانی به کشور خود بازگشتند، به ژاپن آورده شدند. فرقه شینگون ("کلمات واقعی") به ویژه در دربار محبوب بود و به سرعت موقعیت غالب را به دست آورد. صومعه های اصلی آن در کوه کویا در نزدیکی کیوتو قرار داشت. مانند دیگر مراکز مهم بودایی، آنها به مخزن مجموعه های عظیم هنری تبدیل شدند.

مجسمه قرن نهم بیشتر چوبی بود تصاویر خدایان با شدت و عظمت غیر قابل دسترس متمایز می شدند که با وقار ظاهر و انبوه آنها تأکید می شد. پارچه‌ها به طرز ماهرانه‌ای بر اساس الگوهای استاندارد بریده می‌شدند و روسری‌ها به صورت موجی قرار می‌گرفتند. شکل ایستاده شاکی از معبد موروجی نمونه ای از این سبک است. برای این و تصاویر مشابه قرن نهم. با کنده کاری های سفت و سخت با چین های عمیق تر، واضح تر و جزئیات دیگر مشخص می شود.

افزایش تعداد خدایان مشکلات بزرگی را برای هنرمندان ایجاد کرد. در ماندالاهای پیچیده و نقشه مانند (نقوش هندسی با معانی جادویی)، خدایان در یک سلسله مراتب در اطراف بودای مرکزی قرار گرفتند که خود تنها یکی از مظاهر امر مطلق بود. در این زمان، شیوه جدیدی از به تصویر کشیدن چهره های خدایان نگهبان احاطه شده توسط شعله های آتش، ظاهری وحشتناک، اما از نظر طبیعت مفید، ظاهر شد. این خدایان به طور نامتقارن قرار داشتند و در حالت های متحرک، با ویژگی های چهره مهیب، به شدت از ایمان در برابر خطرات احتمالی دفاع می کردند.

هیان میانی و پسین یا دوره فوجیوارا(8981185). انتقال پایتخت به هیان که با هدف طفره رفتن از خواسته های دشوار روحانیت صورت گرفت، باعث تغییراتی در نظام سیاسی نیز شد. اشراف یک نیروی مسلط بودند و نماینده ترین نمایندگان آن خانواده فوجیوارا بودند. دوره 10-12 قرن. اغلب با این نام همراه است. دوره ای از قدرت ویژه زمانی آغاز شد که به امپراتورهای واقعی "توصیه اکید" شد که امور ایالتی را برای انجام کارهای دلپذیرتر شعر و نقاشی کنار بگذارند. امپراتور تا زمانی که به سن بلوغ رسید، توسط یک نایب السلطنه سخت گیر، که معمولاً از خانواده فوجیوارا بود، رهبری می شد. عصر تجمل و دستاوردهای چشمگیر در ادبیات، خوشنویسی و هنر بود. کسالت و احساسی در سراسر وجود داشت که به ندرت به عمق می رسید، اما در کل جذاب بود. پیچیدگی ظریف و گریز در هنر این زمان منعکس شد. حتی پیروان آیین بودا به دنبال راه های آسان تری بودند و پرستش بودای آسمانی، آمیدا، محبوبیت خاصی پیدا کرد. ایده هایی در مورد شفقت و فیض نجات آمیدا بودا عمیقاً در نقاشی و مجسمه سازی این دوره منعکس شد. انبوه و محدودیت مجسمه های قرن نهم. در قرن 10-11. جای خود را به سعادت و جذابیت داد. خدایان به صورت رویایی، متفکرانه آرام به تصویر کشیده می شوند، کنده کاری عمیق تر می شود، سطح رنگارنگ تر می شود، با بافتی بسیار توسعه یافته. مهمترین آثار این دوره متعلق به جوچو مجسمه ساز است.

آثار هنرمندان نیز ویژگی‌های نرم‌تری پیدا کردند که یادآور نقاشی‌های روی پارچه بود و حتی خدایان وحشتناک و مدافعان ایمان کمتر ترسناک شدند. سوتراها (متون بودایی) با طلا و نقره بر روی کاغذ آبی تیره نوشته شده بودند، خط زیبای متن اغلب با تصویر کوچکی همراه بود. محبوب‌ترین رشته‌های بودیسم و ​​خدایان مرتبط با آن، منعکس‌کننده ترجیحات اشراف و دور شدن تدریجی از آرمان‌های سخت‌گیرانه بودیسم اولیه است.

فضای این زمان و آثار او تا حدی با قطع روابط رسمی با چین در سال 894 مرتبط است. بودیسم در چین در این زمان تحت تعقیب قرار گرفت و دادگاه فاسد تانگ در وضعیت انحطاط قرار داشت. وجود جزیره ای منزوی که به دنبال این جدایی بود، ژاپنی ها را تشویق کرد که به فرهنگ خود روی آورند و سبک ژاپنی جدید و ناب تر را توسعه دهند. در واقع، نقاشی سکولار قرن 10-12. هم از نظر تکنیک و هم در ترکیب بندی و موضوعات تقریباً کاملاً ژاپنی بود. ویژگی متمایز این طومارهای ژاپنی که یاماتو-e نامیده می شود، غالب بودن موضوعات انجی (منشا، تاریخ) بود. در حالی که طومارهای چینی اغلب طبیعت وسیع و شگفت‌انگیزی، چشم‌اندازهای کوه‌ها، نهرها، صخره‌ها و درختان و مردم را به تصویر می‌کشیدند، اما در طومارهای روایی ژاپنی، نکته اصلی در نقاشی و متن شخص بود. منظره فقط نقش پس‌زمینه‌ای را ایفا می‌کرد که تابع شخصیت یا افراد اصلی بود. بسیاری از طومارها وقایع نگاری دستی از زندگی واعظان معروف بودایی یا شخصیت های تاریخی، سفرها و لشکرکشی های آنها بود. برخی دیگر از قسمت های عاشقانه از زندگی اشراف و درباریان گفتند.

سبک ظاهراً متمایز کتیبه‌های اولیه از طرح‌های جوهری ساده بر روی صفحات دفترچه‌های بودایی آمده است. اینها نقاشی‌های ماهرانه‌ای هستند که رفتار انسان را از طریق تصاویر حیوانات به تصویر می‌کشند: میمونی با لباس رهبانی که قورباغه‌ای باد کرده را می‌پرستد، رقابت بین خرگوش‌ها، میمون‌ها و قورباغه‌ها. این طومارها و سایر طومارهای متاخر هیان به عنوان پایه ای برای طومارهای روایی پیچیده تر از سبک توسعه یافته قرن 13-14 بود.

دوره کاماکورا(11851392). اواخر قرن دوازدهم تغییرات اساسی در زندگی سیاسی و مذهبی ژاپن و البته هنر آن ایجاد کرد. ظرافت و زیبایی شناسی دربار کیوتو در قالب یک حکومت جدید، خشن و شجاعانه شوگونات کاماکورا جایگزین شد یا به سنت حکومت "ویژه" "اضافه شد". اگرچه پایتخت اسماً کیوتو باقی ماند، شوگون میناموتو نو یوریتومو (11471199) مقر خود را در شهر کاماکورا تأسیس کرد و تنها در 25 سال یک سیستم سفت و سخت از دیکتاتوری نظامی و فئودالیسم ایجاد کرد. آیین بودا، که چنان پیچیده و تشریفاتی شده بود که برای مردم عادی چندان قابل درک نبود، نیز دستخوش تغییرات عمده ای شد که نوید حمایت از هنر را نمی داد. فرقه یودو (سرزمین پاک)، نوعی احترام به آمیدا بودا، تحت رهبری هونن شونین (11331212)، سلسله مراتب بوداها و خدایان را اصلاح کرد و به همه کسانی که به سادگی به آمیدا ایمان داشتند، امید نجات داد. این آموزه در مورد بهشتی که به راحتی قابل دستیابی است بعدها توسط راهبی دیگر به نام شینران (11731262)، بنیانگذار فرقه شین، ساده شد، که تشخیص داد که اغماض آمیدا آنقدر زیاد است که نیازی به انجام اعمال مذهبی نیست، کافی است به سادگی عبارت "Namu Amida Butsu" را تکرار کنید (کلمه اول به معنای "اطاعت کردن" است؛ دو کلمه دوم "Buddha Amida" هستند). این روش ساده برای نجات روح بسیار جذاب بود و اکنون میلیون ها نفر از آن استفاده می کنند. یک نسل بعد، واعظ مبارز نیچیرن (1222-1282)، که این فرقه به نام او نامگذاری شده است، این شکل ساده شده دین را کنار گذاشت. پیروان او به لوتوس سوترا احترام می گذاشتند که نوید نجات فوری و بی قید و شرط را نمی داد. موعظه های او اغلب موضوعات سیاسی را مورد توجه قرار می داد، و اعتقادات و اصلاحات پیشنهادی او در کلیسا و دولت برای طبقه جدید نظامی در کاماکورا جذاب بود. سرانجام، فلسفه ذن که در اوایل قرن هشتم ظهور کرد، در این دوره نقش مهمی را در اندیشه بودایی بازی کرد. ذن بر اهمیت مراقبه و تحقیر هر تصویری که ممکن است مانع از تلاش انسان برای اتحاد با خدا شود، تأکید کرد.

بنابراین، این زمانی بود که اندیشه مذهبی تعداد آثار نقاشی و مجسمه سازی را که قبلاً برای فرقه ضروری بود محدود می کرد. با این وجود، برخی از بهترین آثار هنر ژاپنی در دوره کاماکورا خلق شدند. انگیزه، عشق ذاتی ژاپنی ها به هنر بود، اما کلید راه حل در نگرش مردم به عقاید جدید نهفته است، نه در تعصبات به این شکل. در واقع، خود آثار دلیل خلق آنها را نشان می دهند، زیرا بسیاری از این مجسمه ها و نقاشی های سرشار از زندگی و انرژی پرتره هستند. اگرچه فلسفه ذن ممکن است اشیاء مذهبی معمولی را مانعی در راه روشنگری بداند، سنت تکریم معلمان کاملاً قابل قبول بود. یک پرتره به خودی خود نمی تواند مورد عبادت باشد. این نگرش نسبت به پرتره نه تنها ویژگی بودیسم ذن بود: بسیاری از وزرای فرقه سرزمین پاک تقریباً مانند خدایان بودایی مورد احترام بودند. به لطف پرتره، یک فرم معماری جدید حتی ظاهر شد: mieido یا کلیسای پرتره. توسعه سریع رئالیسم کاملاً مطابق با روح زمان بود.

اگرچه پرتره‌های زیبای کشیش‌ها در واقع تصاویری از افراد خاص بود، اما اغلب نقاشی‌هایی بود که بنیان‌گذاران چینی بودیسم را به تصویر می‌کشیدند. آنها در حال موعظه، دهان باز، دستانشان در حال اشاره به تصویر کشیده شدند. گاهی اوقات راهبان دلسوز به تصویر کشیده می شدند که سفری دشوار برای شکوه ایمان داشتند.

یکی از محبوب ترین موضوعات رایگو (ورود مورد نظر) بود که بودا آمیدا را با همراهانش در حال فرود آمدن بر روی ابر برای نجات روح یک مؤمن در بستر مرگ و انتقال آن به بهشت ​​نشان می داد. رنگ‌های چنین تصاویری اغلب با استفاده از طلا تقویت می‌شد و خطوط مواج، شنل‌های روان و ابرهای در حال چرخش حس حرکت را به نزول بودا می‌داد.

Unkei که در نیمه دوم قرن 12 و اوایل قرن 13 فعال بود، نویسنده نوآوری بود که کنده کاری روی چوب را تسهیل کرد، که ماده مورد علاقه مجسمه سازان در دوره کاماکورا باقی ماند. قبلاً استاد با اندازه و شکل کنده یا چوبی که شکل از آن بریده شده بود محدود می شد. بازوها و عناصر لباس به طور جداگانه اعمال می شدند، اما قطعه تمام شده اغلب شبیه شکل استوانه ای اصلی بود. در روش جدید، ده‌ها قطعه کوچک با دقت در کنار هم قرار می‌گرفتند تا یک هرم توخالی را تشکیل دهند، که سپس کارآموزان می‌توانستند تقریباً شکلی از آن بتراشند. مجسمه ساز مواد انعطاف پذیرتر و توانایی ایجاد فرم های پیچیده تر را در اختیار داشت. نگهبانان عضلانی معبد و خدایان در شنل‌ها و لباس‌های روان زنده‌تر به نظر می‌رسیدند، همچنین به این دلیل که کریستال یا شیشه در حدقه چشم آنها فرو می‌رفت. مجسمه ها شروع به تزئین با برنز طلایی کردند. با خشک شدن چوب، سبک‌تر می‌شوند و کمتر ترک می‌خورند. مجسمه چوبی فوق الذکر کویا شونین، توسط کوشو، پسر انکی، بالاترین دستاورد رئالیسم دوران کاماکورا را در مجسمه سازی پرتره نشان می دهد. در واقع، مجسمه سازی در این زمان به اوج پیشرفت خود رسید و متعاقباً دیگر چنین جایگاه برجسته ای در هنر نداشت.

نقاشی سکولار نیز روح زمان را منعکس می کرد. طومارهای روایی اواخر دوره هیان، با رنگ‌های محدود و خطوط برازنده، درباره گریزهای عاشقانه شاهزاده جنجی یا سرگرمی‌های زنان گوشه‌نشین دربار حکایت می‌کرد. اکنون، هنرمندان عصر کاماکورا، با رنگ‌های روشن و ضربه‌های قلم‌موی پرانرژی، نبردهای قبیله‌های متخاصم، کاخ‌هایی که در شعله‌های آتش فرو رفته بودند و مردم وحشت‌زده در حال فرار از نیروهای مهاجم را به تصویر می‌کشند. حتی زمانی که تاریخ دینی بر روی طومار آشکار می شد، این تصویر به اندازه ای نماد نبود، بلکه ثبت تاریخی سفرهای مردان مقدس و معجزاتی بود که انجام می دادند. در طراحی این صحنه ها می توان عشق فزاینده به طبیعت و تحسین مناظر بومی را تشخیص داد.

دوره موروماچی یا آشیکاگا(13921568). در سال 1392، پس از بیش از 50 سال نزاع، سومین شوگان از خانواده آشیکاگا، یوشیمیتسو (1358-1408)، کشور را دوباره متحد کرد. مقر حکومت دوباره به پایتخت اسمی کیوتو تبدیل شد، جایی که شوگان آشیکاگا قصرهای خود را در محله موروماچی ساختند. (این دوره گاهی موروماچی یا آشیکاگا نامیده می شود.) زمان جنگ به بسیاری از معابد و مخازن هنر ژاپنی که همراه با گنجینه های واقع در آنجا سوزانده شده بودند، رحم نکردند. کشور به طرز وحشیانه ای ویران شد و حتی صلح نیز تسکین چندانی را به همراه نداشت ، زیرا قبیله های متخاصم با دستیابی به موفقیت ، به میل خود لطف کردند. به نظر می رسد که وضعیت برای توسعه هنر بسیار نامطلوب بود، اما در واقع شوگان های آشیکاگا از آن حمایت کردند، به ویژه در قرن های 15-16، زمانی که نقاشی شکوفا شد.

مهم‌ترین پدیده هنری این زمان، نقاشی‌های تک رنگ با جوهر شاعرانه بود که توسط ذن بودیسم تشویق می‌شد و تحت تأثیر نمونه‌های چینی سلسله‌های سونگ و یوان بود. در طول سلسله مینگ (1368-1644)، تماس ها با چین تجدید شد و یوشیمیتسو، مجموعه دار و حامی هنرها، جمع آوری و مطالعه نقاشی های چینی را تشویق کرد. الگو و نقطه شروعی برای هنرمندان با استعدادی شد که مناظر، پرندگان، گلها، تصاویر روحانیون و حکیمان را با قلم موهای سبک و روان نقاشی می کردند. نقاشی ژاپنی این زمان با صرفه جویی در خط مشخص می شود. به نظر می رسد هنرمند ماهیت طرح تصویر شده را استخراج می کند و به بیننده اجازه می دهد آن را با جزئیات پر کند. انتقال جوهر خاکستری و سیاه براق در این نقاشی ها بسیار نزدیک به فلسفه ذن است که مطمئناً الهام بخش نویسندگان آنها بوده است. اگرچه این عقیده تحت حکومت نظامی کاماکورا به نفوذ قابل توجهی دست یافت، اما در قرن 15 و 16، زمانی که صومعه‌های ذن متعدد به وجود آمد، به سرعت گسترش یافت. که عمدتاً ایده «رستگاری خود» را موعظه می کرد، نجات را به بودا ربط نمی داد، بلکه برای دستیابی به یک «روشنگری» شهودی ناگهانی که او را با امر مطلق متحد می کند، بیشتر بر انضباط نفس شدید فرد تکیه داشت. استفاده مقرون به صرفه اما جسورانه از جوهر و ترکیب نامتقارن، که در آن بخش‌های بدون رنگ کاغذ نقش مهمی در تصویرسازی مناظر ایده‌آل، حکیمان و دانشمندان ایفا می‌کرد، با این فلسفه سازگار بود.

یکی از مشهورترین شارحان سومی ای، سبکی از نقاشی با جوهر تک رنگ، سشو (1420-1506)، کشیش ذن بود که زندگی طولانی و پربارش باعث احترام طولانی مدت او شد. در پایان عمر، او شروع به استفاده از سبک هابوکو (جوهر سریع) کرد، که بر خلاف سبک بالغ، که نیاز به ضربه‌های روشن و اقتصادی داشت، سنت نقاشی تک رنگ را تقریباً به انتزاع رساند.

همین دوره نشان دهنده فعالیت خانواده هنرمندان کانو و توسعه سبک آنهاست. از نظر انتخاب موضوعات و استفاده از جوهر به زبان چینی نزدیک بود اما از لحاظ بیانی ژاپنی باقی ماند. کانو، با حمایت شوگونات، به مدرسه "رسمی" یا سبک هنری نقاشی تبدیل شد و تا قرن نوزدهم شکوفا شد.

سنت ساده لوحانه یاماتو در آثار مکتب توسا، دومین جنبش مهم نقاشی ژاپنی، ادامه یافت. در واقع، در این زمان هر دو مدرسه، کانو و توسا، از نزدیک به هم مرتبط بودند، آنها با علاقه به زندگی مدرن متحد شدند. موتونوبو کانو (1476-1559)، یکی از هنرمندان برجسته این دوره، نه تنها دخترش را به عقد هنرمند معروف توسا درآورد، بلکه به شیوه او نقاشی می‌کرد.

در قرن 15-16. فقط چند اثر مجسمه سازی قابل توجه ظاهر شد. با این حال، باید توجه داشت که توسعه درام نو، با انواع حالات و احساسات آن، زمینه جدیدی از فعالیت را برای مجسمه سازان باز کرد - آنها ماسک هایی را برای بازیگران حک کردند. در درام کلاسیک ژاپنی که توسط اشراف و برای اشراف اجرا می شد، بازیگران (یک یا چند نفر) ماسک می زدند. آنها طیف وسیعی از احساسات را از ترس، اضطراب و سردرگمی تا شادی محدود را منتقل کردند. برخی از نقاب ها به قدری زیبا حکاکی شده بودند که کوچکترین چرخش سر بازیگر باعث تغییرات ظریف در بیان احساسات می شد. نمونه‌های قابل توجهی از این ماسک‌ها سال‌ها در خانواده‌هایی که برای اعضای آن ساخته می‌شد نگهداری می‌شد.

دوره مومویاما(15681615). در سال 1593، دیکتاتور نظامی بزرگ هیدیوشی، قلعه خود را بر روی مومویاما، «تپه هلو» بنا کرد و به این نام، دوره 47 ساله از سقوط شوگونات آشیکاگا تا تأسیس توکوگاوا یا ادو در سال 1615 به طور کلی بود. این زمان تسلط یک طبقه نظامی کاملاً جدید بود که ثروت فراوان آن به شکوفایی هنر کمک کرد. قلعه‌های چشمگیر با سالن‌های وسیع تماشاگران و راهروهای طولانی در اواخر قرن شانزدهم مد شدند. و خواستار تزیینات متناسب با عظمت آنها شد. زمان مردمان سختگیر و شجاع بود و حامیان جدید، بر خلاف اشراف قبلی، علاقه خاصی به فعالیت های فکری یا ظرافت های صنعتگری نداشتند. خوشبختانه نسل جدید هنرمندان کاملاً با حامیان خود سازگار بودند. در این دوره، صفحه های فوق العاده و پانل های متحرک در رنگ های زرشکی روشن، زمردی، سبز، بنفش و آبی ظاهر شد. چنین رنگ‌ها و اشکال تزیینی، غالباً روی زمینه طلایی یا نقره‌ای، برای صد سال بسیار محبوب بودند و سازندگان آنها به درستی «دکوراتورهای بزرگ» نامیده می‌شدند. به لطف ذائقه ظریف ژاپنی، سبک مجلل به ابتذال تبدیل نشد و حتی زمانی که خویشتن داری و دست کم گرفتن جای خود را به زیاده روی تجملات و تزئینی داد، ژاپنی ها موفق شدند ظرافت را حفظ کنند.

ایتوکو کانو (15431590)، یکی از اولین هنرمندان بزرگ این دوره، به سبک کانو و توسا کار کرد و ایده های ترسیم اولی را گسترش داد و آنها را با غنای رنگ های دومی ترکیب کرد. اگرچه تنها چند اثر باقی مانده است که با اطمینان می توان آنها را به ایتوکو نسبت داد، اما او را یکی از بنیانگذاران سبک مومویاما می دانند و بیشتر هنرمندان این دوره از شاگردان او بوده و یا تحت تأثیر او بوده اند.

دوره ادو یا توکوگاوا(16151867). دوره طولانی صلحی که به دنبال ژاپن تازه متحد شده بود، یا زمان توکوگاوا، پس از نام خانوادگی حاکم، یا ادو (توکیوی امروزی) نامیده می شود، زیرا در سال 1603 این شهر به مرکز جدید قدرت تبدیل شد. دو ژنرال معروف دوره کوتاه مومویاما، اودا نوبوناگا (15341582) و تویوتومی هیده یوشی (15361598)، با اقدام نظامی و دیپلماسی، سرانجام توانستند قبایل قدرتمند و روحانیون مبارز را آشتی دهند. با مرگ هیده یوشی در سال 1598، قدرت به ایه یاسو توکوگاوا (1542-1616) رسید که فعالیت های مشترک آغاز شده را تکمیل کرد. نبرد سرنوشت ساز سکیگاهارا در سال 1600 موقعیت ایه یاسو را تقویت کرد؛ سقوط قلعه اوسکا در سال 1615 با فروپاشی نهایی خانه هیده یوشی و استقرار حکومت تقسیم ناپذیر شوگونات توکوگاوا همراه بود.

سلطنت صلح آمیز توکوگاوا 15 نسل به طول انجامید و تنها در قرن 19 پایان یافت. این دوره عمدتاً یک دوره سیاست "درهای بسته" بود. فرمان 1640 خارجی ها را از ورود به ژاپن منع کرد و ژاپنی ها نمی توانستند به خارج از کشور سفر کنند. تنها ارتباط تجاری و فرهنگی با هلندی ها و چینی ها از طریق بندر ناکازاکی بود. مانند سایر دوره‌های انزوا، در پایان قرن هفدهم، احساسات ملی افزایش یافت و ظهور کرد. به اصطلاح مکتب ژانر نقاشی و حکاکی.

پایتخت به سرعت در حال رشد ادو نه تنها به مرکز زندگی سیاسی و تجاری امپراتوری جزیره، بلکه به مرکز هنر و صنایع دستی تبدیل شد. الزام به حضور دایمیوها، اربابان فئودال استانی، برای قسمت معینی از هر سال در پایتخت، نیاز به ساختمان‌های جدید از جمله کاخ‌ها و در نتیجه هنرمندانی برای تزئین آنها را ایجاد می‌کرد. در همان زمان، طبقه نوظهور بازرگانان ثروتمند اما غیر اشرافی، حمایت های جدید و اغلب غیرحرفه ای را برای هنرمندان فراهم کردند.

هنر اوایل دوره ادو تا حدودی به سبک مومویاما ادامه داده و توسعه می دهد و تمایلات آن را به سمت تجمل و شکوه تقویت می کند. غنای تصاویر عجیب و غریب و چند رنگی که از دوره قبل به ارث رسیده است همچنان در حال توسعه است. این سبک تزئینی در ربع آخر قرن هفدهم به اوج خود رسید. در به اصطلاح دوران جنروکو دوره توکوگاوا (16881703). در هنر تزیینی ژاپنی، از نظر زیاده‌روی و غنای رنگ و نقوش تزئینی در نقاشی، پارچه‌ها، لاک‌ها و جزئیات هنری - ویژگی‌های سبک زندگی مجلل - مشابهی ندارد.

از آنجایی که ما در مورد یک دوره نسبتاً متأخر تاریخ صحبت می کنیم، جای تعجب نیست که نام بسیاری از هنرمندان و آثار آنها حفظ شده است. در اینجا می توان تنها چند مورد از برجسته ترین آنها را نام برد. نمایندگان مکتب تزئینی که در دوره های مومویاما و ادو زندگی و کار می کردند عبارتند از هونامی کوتسو (1558-1637) و نونومورا سوتاتسو (متوفی 1643). کار آنها حس قابل توجهی از طراحی، ترکیب و رنگ را نشان می دهد. کوتسو، سرامیک دان با استعداد و هنرمند لاکی، به خاطر زیبایی خط خود شهرت داشت. آنها به همراه سوتاتسو اشعاری را روی طومارها خلق کردند که در آن زمان مد بود. در این ترکیب از ادبیات، خوشنویسی و نقاشی، تصاویر تصاویر ساده ای نبودند: آنها حالتی را مطابق با درک متن ایجاد یا پیشنهاد می کردند. Ogata Korin (16581716) یکی از وارثان سبک تزئینی بود و به همراه برادر کوچکترش Ogata Kenzan (16631743) تکنیک آن را به کمال رساند. کنزان که بیشتر به عنوان یک سرامیست شناخته می شود تا یک هنرمند، ظروفی را با طرح های برادر بزرگتر معروف خود شلیک می کند. احیای این مدرسه در آغاز قرن نوزدهم. توسط شاعر و هنرمند Sakai Hoitsu (1761-1828) آخرین موج از سبک تزئینی بود. طومارها و صفحه‌های زیبای هوریتسو حس طراحی کورین را با علاقه به طبیعت ذاتی در طبیعت‌گرایی مکتب مارویاما، که در غنای رنگ‌ها و نقوش تزئینی مشخصه دوره پیشین، که با شکوه و ظرافت قلم‌زنی تعدیل شده بود، تلفیق کرد.

در کنار سبک تزئینی چند کروم، نقاشی مرکب سنتی مکتب کانو همچنان محبوب بود. در سال 1622، کانو تانیو (16021674) نقاش درباری در شوگان منصوب شد و به ادو احضار شد. با انتصاب او به این سمت و تأسیس مکتب نقاشی کانو در ادو، در کوبیکیتو، یک دوره نیم قرنی رهبری هنری این سنت آغاز شد که خانواده کانو را به جایگاه برجسته ای بازگرداند و آثار دوره ادو مهم ترین دوره در نقاشی کانو است. با وجود محبوبیت پرده های رنگ آمیزی شده با طلا و رنگ های روشن ایجاد شده توسط "دکوراتورهای بزرگ" و رقبا، تانیو، به لطف استعداد و موقعیت رسمی خود، توانست نقاشی مدرسه احیا شده کانو را در میان اشراف محبوب کند. به ویژگی های سنتی مکتب کانو، تانیو قدرت و سادگی را بر اساس یک خط شکسته سفت و سخت و چیدمان متفکرانه عناصر ترکیبی روی یک سطح آزاد بزرگ اضافه کرد.

یک جهت جدید، که ویژگی اصلی آن علاقه به طبیعت بود، در پایان قرن 18 شروع به غلبه کرد. مارویاما اوکیو (17331795)، رئیس مدرسه جدید، دهقان بود، سپس روحانی و سرانجام هنرمند شد. دو مطالعه اول نه شادی و نه موفقیت را برای او به ارمغان آورد، اما به عنوان یک هنرمند به ارتفاعات زیادی رسید و بنیانگذار مکتب واقع گرایانه مارویاما به حساب می آید. او نزد استاد مدرسه کانو، ایشیدا یوتی (متوفی حدود 1785) تحصیل کرد. او بر اساس حکاکی های وارداتی هلندی، تکنیک غربی تصویرسازی پرسپکتیو را آموخت و گاهی اوقات به سادگی از این حکاکی ها کپی می کرد. او همچنین سبک های چینی را از سلسله های سونگ و یوان، از جمله سبک ظریف و واقع گرایانه چن ژوان (1235-1290) و شن نانپینگ مطالعه کرد. دومی در آغاز قرن 18 در ناکازاکی زندگی می کرد. اوکیو آثار زیادی از زندگی ساخت و مشاهدات علمی او مبنایی برای درک طبیعتی بود که مکتب مارویاما بر آن بنا شده بود.

علاوه بر علاقه به طبیعت گرایی در قرن هجدهم. تأثیر سنت هنری چینی تجدید شد. نمایندگان این گرایش به سمت مکتب تصویری هنرمندان-دانشمندان دوران مینگ (1368-1644) و چینگ (1644-1912) گرایش پیدا کردند، اگرچه احتمالاً ایده های آنها در مورد وضعیت مدرن هنر در چین محدود بود. هنر این مکتب ژاپنی بوجینگا (هنر افراد تحصیل کرده) نام داشت. یکی از تأثیرگذارترین اساتیدی که در سبک بوجینگا کار می کرد، ایکنو تایگا (1723-1776) هنرمند و خوشنویس مشهور بود. سبک بالغ او با خطوط ضخیم کانتور پر از سکته‌های سبک پر از رنگ‌های روشن و جوهر مشخص می‌شود. او همچنین با خطوط پهن و آزاد جوهر سیاه نقاشی می‌کرد و تنه‌های بامبو را که در باد و باران خم شده بودند، به تصویر می‌کشید. او با خطوط کوتاه و منحنی، به جلوه ای حکاکی مانند در به تصویر کشیدن کوه های مه آلود بر فراز دریاچه ای احاطه شده توسط جنگل دست یافت.

قرن 17 یکی دیگر از جنبش های هنری قابل توجه دوره ادو متولد شد. اینها به اصطلاح ukiyo-e (تصاویر یک جهان در حال تغییر) هستند - صحنه های ژانری که توسط و برای مردم عادی ایجاد شده اند. اوکیوهای اولیه در پایتخت قدیمی کیوتو ظاهر شدند و عمدتاً زیبا بودند. اما مرکز تولید آنها به زودی به ادو منتقل شد و توجه صنعتگران به حکاکی روی چوب معطوف شد. ارتباط نزدیک چاپ های چوبی با ukiyo-e منجر به این تصور غلط شده است که چاپ های چوبی کشف این دوره بوده است. در واقع در قرن یازدهم به وجود آمد. چنین تصاویر اولیه ماهیت نذری داشتند و بنیان‌گذاران بودیسم و ​​خدایان را به تصویر می‌کشیدند و در دوره کاماکورا، برخی از طومارهای روایی از بلوک‌های حکاکی شده بازتولید می‌شدند. با این حال، هنر حکاکی در دوره از اواسط قرن 17 تا 19 محبوبیت خاصی پیدا کرد.

موضوعات پرینت های ukiyo-e زنان زیبای محله های شاد، بازیگران مورد علاقه و صحنه هایی از درام بودند. اوایل، به اصطلاح حکاکی های ابتدایی به رنگ سیاه و با خطوط مواج ریتمیک قوی اجرا می شدند و با طرح های ساده مشخص می شدند. گاهی اوقات آنها را با رنگ قرمز نارنجی به نام tan-e (نقاشی قرمز روشن) با نشانه هایی از زرد خردلی و سبز رنگ می کردند. برخی از هنرمندان «ابتدایی» از نقاشی دستی به نام urushu-e (نقاشی لاکی) استفاده می کردند که در آن نواحی تیره با افزودن چسب افزایش یافته و روشن می شد. چاپ چند رنگ اولیه که در سال 1741 یا 1742 ظاهر شد، benizuri-e (چاپ تمشکی) نامیده می شد و معمولاً از سه رنگ استفاده می کرد: رز قرمز، سبز و گاهی اوقات زرد. چاپ های واقعاً چند رنگ، با استفاده از کل پالت و به نام nishiki-e (تصاویر بروکات)، در سال 1765 ظاهر شدند.

علاوه بر خلق آثار چاپی، بسیاری از حکاکی‌ها کتاب‌ها را به تصویر می‌کشیدند و با تولید تصاویر وابسته به عشق شهوانی در کتاب‌ها و طومارها، درآمد کسب کردند. باید در نظر داشت که حکاکی ukiyo-e از سه نوع فعالیت تشکیل می شد: این کار نقشه کش بود که نامش چاپ بود، منبت کار و چاپگر.

بنیانگذار سنت خلق چاپ های ukiyo-e هیشیکاوا مورونوبو (حدود 1625-1694) در نظر گرفته می شود. دیگر هنرمندان «ابتدایی» این جنبش عبارتند از کیوماسو (1694-1716) و گروه کایگتسودو (جامعه عجیبی از هنرمندان که وجودشان نامشخص است) و همچنین اوکومورا ماسانوبو (1764-1686).

هنرمندان انتقالی که چاپ بنزوری را خلق کردند عبارتند از: ایشیکاوا تویونوبو (17111785)، توری کییوهیرو (حدود 17511760 فعال)، و توری کیومیتسو (17351785).

آثار سوزوکی هارونوبو (1725-1770) عصر حکاکی چند کروم را آغاز کرد. پر از رنگ‌های ملایم و تقریباً خنثی، پر از خانم‌های برازنده و عاشقان شجاع، پرینت‌های هارونوبو موفقیت بزرگی بود. کاتسوکاوا شونشو (17261792)، توری کیناگا (17521815) و کیتاگاوا اوتامارو (17531806) تقریباً در همان زمان با او کار کردند. هر یک از آنها در توسعه این ژانر سهیم بودند. استادان حکاکی هایی را که زیبایی های برازنده و بازیگران مشهور را به تصویر می کشیدند به کمال رساندند. در طول چند ماه در سال 17941795، توسوسای ساراکو مرموز پرتره های بسیار قدرتمند و بی رحمانه ای از بازیگران آن روز خلق کرد.

در دهه های اول قرن نوزدهم. این ژانر به بلوغ رسیده بود و رو به افول بود. کاتسوشیکا هوکوسای (1760-1849) و آندو هیروشیگه (1797-1858) بزرگترین استادان این دوره هستند که آثارشان افول هنر حکاکی در قرن نوزدهم را به هم مرتبط می کند. و احیای جدید آن در آغاز قرن بیستم. هر دو عمدتاً نقاشان منظره بودند که وقایع زندگی مدرن را در حکاکی های خود ثبت می کردند. تسلط درخشان بر تکنیک‌های منبت‌کاران و چاپخانه‌ها این امکان را فراهم می‌آورد که در حکاکی خطوط عجیب و غریب و کوچک‌ترین سایه‌های غروب خورشید یا مه طلوع در سپیده‌دم منتقل شود.

مرمت میجی و دوره مدرن.اغلب اتفاق می افتد که هنر باستانی یک قوم خاص از نظر نام، تاریخ و آثار باقی مانده ضعیف است، بنابراین هر گونه قضاوتی فقط با احتیاط و مشروط بسیار انجام می شود. با این حال، قضاوت در مورد هنر معاصر کمتر دشوار نیست، زیرا ما از دیدگاه تاریخی برای ارزیابی درست مقیاس هر جنبش یا هنرمند و آثار او محروم هستیم. مطالعه هنر ژاپن نیز از این قاعده مستثنی نیست و بیشترین کاری که می توان انجام داد ارائه نمایی از هنر معاصر و نتیجه گیری اولیه آزمایشی است.

در نیمه دوم قرن نوزدهم. بنادر ژاپن برای تجارت بازگشایی شدند و تغییرات عمده ای در صحنه سیاسی رخ داد. در سال 1868، شوگونات لغو شد و حکومت امپراتور میجی احیا شد. پایتخت رسمی و اقامتگاه امپراتور به ادو منتقل شد و خود شهر به توکیو (پایتخت شرقی) معروف شد.

همانطور که در گذشته اتفاق افتاده بود، پایان انزوای ملی علاقه زیادی به دستاوردهای سایر ملل ایجاد کرد. در این زمان ژاپنی ها جهشی عظیم در زمینه علم و فناوری انجام دادند. از نظر هنری، آغاز دوران میجی (1868-1912) نشان دهنده پذیرش همه چیز غربی از جمله فناوری است. با این حال، این غیرت زیاد دوام نیاورد و دوره‌ای از همگون‌سازی را به دنبال داشت، ظهور اشکال جدیدی که بازگشت به سنت‌های خود و روندهای جدید غربی را ترکیب می‌کرد.

از میان هنرمندان، کانو هوگای (1828-1888)، شیمومورا کانزان (1873-1916)، تاکوچی سیهو (1864-1924) و تومیکا تسایی (1836-1942) شهرت یافتند. سه نفر اول به سبک سنتی و موضوع ژاپنی پایبند بودند، اگرچه سعی کردند از نظر خلق و خو و تکنیک اصلی باشند. برای مثال سیهو در فضای آرام و محافظه کار کیوتو کار می کرد. آثار اولیه او به سبک ناتورالیستی مارویاما خلق شدند، اما بعداً او سفرهای زیادی به چین کرد و عمیقاً تحت تأثیر نقاشی با جوهر چینی قرار گرفت. سفرهای او به موزه ها و مراکز هنری برجسته در اروپا نیز اثری بر آثار او بر جای گذاشت. از تمام هنرمندان برجسته این زمان، تنها یک Tomioka Tessai به توسعه یک سبک جدید نزدیک شد. آثار پرانرژی و قدرتمند او خطوط خشن، پیچ خورده، ناهموار و لکه هایی از جوهر سیاه را با نواحی ظریف رنگی ترکیب می کند. در سال‌های بعد، برخی از نقاشان جوان در جایی موفق شدند که پدربزرگ‌هایشان شکست خورده بودند. اولین تلاش‌ها برای کار با این ماده غیرمعمول یادآور بوم‌های پاریسی بود و با ارزش ویژه یا ویژگی‌های خاص ژاپنی متمایز نشدند. با این حال، اکنون آثاری با جذابیت استثنایی ساخته می‌شوند که در آن‌ها حس رنگ و متانت ژاپنی از طریق مضامین انتزاعی می‌درخشد. هنرمندان دیگر با کار با جوهر طبیعی و سنتی تر و گاه با استفاده از خوشنویسی به عنوان موتیف اولیه، آثار انتزاعی پرانرژی را در مشکی درخشان با سایه های خاکستری خلق می کنند.

مانند دوره ادو، در قرن 19 و 20. مجسمه محبوب نبود. اما حتی در این زمینه، نمایندگان نسل مدرن که در آمریکا و اروپا تحصیل کردند، بسیار موفق عمل کردند. مجسمه‌های کوچک برنزی، به شکل انتزاعی و با نام‌های عجیب، حس خط و رنگ ژاپنی را نشان می‌دهند که در استفاده از پتینه‌های سبز ملایم یا قهوه‌ای گرم مشهود است. کنده کاری چوب نشان دهنده عشق ژاپنی ها به بافت مواد است.

Sosaku hanga، "چاپ خلاقانه" ژاپنی، تنها در دهه اول قرن بیستم ظاهر شد، اما به عنوان یک جنبش هنری خاص، تمام حوزه های دیگر هنر مدرن را تحت الشعاع قرار داد. این چاپ بلوک چوبی مدرن، به طور دقیق، جانشین چاپ بلوک چوبی قدیمی ukiyo-e نیست. آنها در سبک، موضوعات و روش های خلقت متفاوت هستند. هنرمندانی که بسیاری از آنها به شدت تحت تأثیر نقاشی غربی بودند، به اهمیت میراث هنری خود پی بردند و در چوب ماده ای مناسب برای بیان ایده آل های خلاقانه خود یافتند. استادان هانگا نه تنها نقاشی می کنند، بلکه تصاویر را روی بلوک های چوبی حک می کنند و خودشان چاپ می کنند. اگرچه بالاترین دستاوردها در این فرم هنری مربوط به کارهای چوبی است، اما از تمام تکنیک های مدرن حکاکی غربی استفاده می شود. آزمایش با برگ ها، رشته ها و "اشیاء یافت شده" گاهی اوقات می تواند جلوه های بافت سطحی منحصر به فردی ایجاد کند. در ابتدا، استادان این جنبش مجبور شدند به دنبال شناسایی باشند: از این گذشته، حتی بهترین دستاوردهای مکتب ukiyo-e توسط هنرمندان روشنفکر با جمعیت بی سواد مرتبط بود و هنر پلبی در نظر گرفته می شد. هنرمندانی مانند اونچی کوشیرو، هیراتسوکا یونیچی و مائکاوا سنپان برای بازگرداندن احترام به چاپ و تثبیت آن به عنوان شاخه ای شایسته از هنرهای زیبا تلاش زیادی کردند. آنها هنرمندان جوان بسیاری را به گروه خود جذب کردند و اکنون تعداد آنها به صدها رسیده است. از جمله استادان این نسل که در ژاپن و غرب به رسمیت رسیدند می توان به آزچی اومتارو، موناکاتا شیکو، یاماگوچی ژن و سایتو کیوشی اشاره کرد. اینها استادانی هستند که نوآوری و استعداد غیرقابل انکار آنها جایگاه شایسته خود را در میان هنرمندان برجسته ژاپن به ارمغان آورده است. بسیاری از همسالان آنها و دیگر هنرمندان جوان تر هانگا نیز چاپ های فوق العاده ای تولید کردند. این که در اینجا نام آنها را نمی آوریم به معنای ارزیابی کم از کار آنها نیست.

هنرهای تزئینی، معماری و باغبخش های قبلی عمدتاً به نقاشی و مجسمه سازی می پردازد که در بیشتر کشورها انواع اصلی هنرهای زیبا محسوب می شوند. ممکن است بی انصافی باشد که در پایان مقاله هنرهای تزئینی و صنایع دستی عامیانه، هنر و معماری باغ را درج کنیم - اشکالی که بخش مهم و جدایی ناپذیر هنر ژاپن را تشکیل می دهند. با این حال، به استثنای معماری، آنها نیاز به توجه ویژه ای جدا از دوره بندی کلی هنر ژاپنی و تغییرات در سبک دارند.

سرامیک و چینی.مهمترین هنرها و صنایع دستی ژاپن شامل سرامیک و چینی است. هنر سرامیک به طور طبیعی به دو دسته تقسیم می شود. ظروف چینی پلی‌کروم ظریف ایماری، نابیشیما و کاکیمون نام خود را از مکان‌های تولید گرفته‌اند و نقاشی غنی آن بر روی سطح کرم یا سفید متمایل به آبی برای محافل اشراف و دربار در نظر گرفته شده است. فرآیند ساخت چینی واقعی در اواخر قرن شانزدهم یا اوایل قرن هفدهم در ژاپن شناخته شد. بشقاب ها و کاسه ها با لعاب صاف، با الگوی نامتقارن یا براده مانند، هم در خانه و هم در غرب ارزشمند هستند.

برخلاف ظروف چینی، در ظروف درشت ساخته شده از سفال یا توده سنگی با کیفیت پایین، مشخصه شینو، اوریبه و بیزن، توجه به مواد معطوف شده است، چیدمان به ظاهر بی دقت، اما متفکرانه عناصر تزئینی. این گونه ظروف تحت تأثیر مفاهیم ذن بودیسم در محافل روشنفکری بسیار محبوب بودند و به ویژه در مراسم چای خوری بسیار مورد استفاده قرار می گرفتند. بسیاری از فنجان ها، قوری ها و قوری ها، ویژگی های هنر مراسم چای، ماهیت ذن بودیسم را تجسم می بخشد: خود انضباطی سخت و سادگی دقیق. در دوران اوج هنر تزئینی ژاپنی، هنرمندان با استعداد کورین و کنزان به تزئین محصولات سرامیکی مشغول بودند. باید به خاطر داشت که شهرت کنزان بیشتر با استعداد او به عنوان یک سرامیست همراه است تا به عنوان یک نقاش. برخی از ساده ترین انواع و تکنیک های ظروف از سنت های صنایع دستی عامیانه می آیند. کارگاه های مدرن، در ادامه سنت های قدیمی، محصولات زیبایی تولید می کنند که با سادگی ظریف خود لذت می برند.

همچنین ببینیدسرامیک خاور دور; شیشه هنر.

محصولات لاکی.قبلاً در قرون 7-8th. لاک در ژاپن معروف بود. از این زمان، درب جعبه ها با تصاویری از افراد و نقوش هندسی با خطوط نازک طلایی تزئین شده است. ما قبلاً در مورد اهمیت تکنیک لاک خشک برای مجسمه سازی در قرن 8 و 9 صحبت کرده ایم. در همان زمان و بعدها اشیای تزئینی مانند جعبه حروف یا جعبه عود ساخته شد. در دوره ادو این محصولات به مقدار زیاد و با مجلل ترین تزئینات ساخته می شدند. جعبه های مجلل تزئین شده برای ناهار، کیک، بخور و دارو، به نام اینرو، نشان دهنده ثروت و عشق به تجمل ذاتی در این زمان است. سطح اشیاء را با نقوشی از پودر طلا و نقره، تکه‌های ورق طلا، جداگانه یا در ترکیب با منبت‌هایی با صدف، مروارید، آلیاژ قلع و سرب و غیره تزئین می‌کردند. این الگوها با سطوح لاکی قرمز، سیاه یا قهوه ای تضاد داشتند. گاهی اوقات نقاشی هایی برای لاک توسط هنرمندانی مانند کورین و کوتسو ساخته می شد، اما بعید است که آنها شخصا در این آثار شرکت کرده باشند.

همچنین ببینیدلاک های هنری.

شمشیرهاهمانطور که قبلاً گفته شد ژاپنی ها برای دوره قابل توجهی از تاریخ خود مردمی جنگجو بودند. اسلحه و زره برای بخش بزرگی از مردم ضروری محسوب می شد. شمشیر غرور مرد بود. هم خود تیغه و هم تمام قسمت‌های دیگر شمشیر، به‌ویژه دسته (تسوبا) با استفاده از تکنیک‌های مختلف تزئین شده‌اند. سوباهای ساخته شده از آهن یا برنز با منبت‌هایی از طلا و نقره تزئین می‌شدند، با کنده کاری پوشانده می‌شدند یا با هر دو تزئین می‌شدند. آنها مناظر یا پیکرهای انسانی، گل ها یا نشان های خانوادگی را به تصویر می کشیدند. همه اینها کار سازندگان شمشیر را تکمیل کرد.

پارچه هاابریشم‌های پر نقش و نگار و سایر پارچه‌های مورد علاقه دربار و روحانیون در زمان‌های فراوانی و فراوانی، و نیز پارچه‌های ساده با طرح‌های تقریباً ابتدایی مشخصه هنر عامیانه، نیز بیانگر استعداد ملی ژاپن است. پس از رسیدن به اوج خود در دوران مجلل جنروکو، هنر منسوجات دوباره در ژاپن مدرن شکوفا شد. ایده ها و الیاف مصنوعی غرب را با رنگ های سنتی و نقوش تزئینی با موفقیت ترکیب می کند.

باغ هادر دهه‌های اخیر، علاقه به باغ‌ها و معماری ژاپنی به دلیل افزایش مواجهه عموم غربی با این اشکال هنری افزایش یافته است. باغ ها در ژاپن جایگاه ویژه ای دارند. آنها بیان و نماد حقایق والای دینی و فلسفی هستند و این ظواهر مبهم و نمادین همراه با زیبایی آشکار باغ ها، توجه جهان غرب را به خود جلب می کند. نمی توان گفت که اندیشه های مذهبی یا فلسفی دلیل اصلی ایجاد باغ ها بوده است، اما هنرمند برنامه ریز در هنگام طراحی و ایجاد باغ، عناصری را در نظر می گرفت که تأمل در آنها بیننده را به تفکر در مورد حقایق مختلف فلسفی سوق می داد. در اینجا جنبه متفکرانه ذن بودیسم در گروهی از سنگ‌های غیرمعمول، امواج شن و ماسه چنگک‌دار ترکیب شده با چمن، یا گیاهانی که به گونه‌ای چیده شده‌اند که جریانی از پشت آنها ناپدید می‌شود و دوباره ظاهر می‌شود، تجسم می‌یابد که همه اینها بیننده را تشویق می‌کند تا به طور مستقل کار را تکمیل کند. اهداف تعیین شده در طول ساخت و ساز ایده های باغ. ترجیح اشارات مبهم بر تبیین روشن از ویژگی های فلسفه ذن است. ادامه این ایده ها درختان بونسای کوتوله و باغ های کوچک در گلدان ها هستند که اکنون در غرب محبوب هستند.

معماری.بناهای اصلی معماری ژاپن معابد، مجتمع های صومعه، قلعه ها و کاخ های فئودالی است. از زمان های قدیم تا به امروز، چوب مصالح اصلی ساختمان بوده و تا حد زیادی ویژگی های طراحی را تعیین می کند. قدیمی ترین بناهای مذهبی زیارتگاه های مذهب ملی ژاپن شینتو. با قضاوت بر اساس متون و نقاشی ها، آنها نسبتاً بودند ساختمان های سادهبا سقف کاهگلی، مانند خانه های قدیمی. ساختمان‌های معبدی که پس از گسترش بودیسم ساخته شده و با آن مرتبط شده‌اند، بر اساس نمونه‌های اولیه چینی در سبک و چیدمان بوده‌اند. معماری معبد بودایی در طول زمان متفاوت بود و تزئینات و چیدمان ساختمان ها در میان فرقه های مختلف متفاوت بود. ساختمان‌های ژاپنی با سالن‌های وسیع با سقف‌های بلند و سیستم‌های پیچیده کنسول‌ها متمایز می‌شوند و دکور آن‌ها نشان‌دهنده طعم زمان خود بود. معماری ساده و باشکوه مجموعه هوریوجی که در اوایل قرن هفتم در نزدیکی نارا ساخته شد، به همان اندازه که زیبایی و ظرافت تناسبات هودو، "تالار ققنوس" در اوجی، در دریاچه نیلوفر آبی منعکس شده است، از ویژگی های دوره آسوکا است. ، مربوط به دوره هیان است. ساختمان‌های استادانه‌تر دوره ادو تزئینات اضافی به‌شکل درهای کشویی و پرده‌هایی با رنگ‌آمیزی غنی به دست آوردند که توسط همان «دکوراتورهای بزرگ» ساخته شده بود که فضای داخلی قلعه‌های خندق‌دار و کاخ‌های فئودالی را تزئین می‌کردند.

معماری و باغ های ژاپن به قدری به هم پیوسته اند که می توان آنها را جزئی از یکدیگر دانست. این امر به ویژه در مورد ساختمان ها و خانه های باغ برای مراسم چای صادق است. صراحت، سادگی و ارتباط دقیق آنها با چشم انداز و چشم انداز تأثیر عمده ای بر معماری مدرن غربی دارد.

همچنین ببینیدمعماری چین و ژاپن.

تأثیر هنر ژاپنی در غربتنها در عرض یک قرن، هنر ژاپن در غرب شناخته شد و تأثیر قابل توجهی بر آن گذاشت. تماس‌های قبلی وجود داشت (به عنوان مثال، هلندی‌ها از طریق بندر ناکازاکی با ژاپن تجارت می‌کردند)، اما اشیایی که در قرن هفدهم به اروپا رسیدند، عمدتاً آثار هنری کاربردی بودند - ظروف چینی و لاکی. آنها مشتاقانه به عنوان کنجکاوی جمع آوری می شدند و به طرق مختلف کپی می شدند، اما این صادرات تزئینی ماهیت و کیفیت هنر ژاپنی را منعکس نمی کرد و حتی به ژاپنی ها ایده ای نامطلوب از سلیقه غربی داد.

اولین باری که نقاشی غربی مستقیماً تحت تأثیر هنر ژاپنی در اروپا قرار گرفت در سال 1862 در جریان نمایشگاه بین المللی عظیم لندن بود. هنگامی که پنج سال بعد در نمایشگاه پاریس ارائه شد، چاپ های چوبی ژاپنی دوباره علاقه زیادی را برانگیخت. چندین مجموعه خصوصی از حکاکی ها بلافاصله ظهور کردند. دگا، مانه، مونه، گوگن، ون گوگ و دیگران چاپ رنگی ژاپنی را به عنوان یک مکاشفه درک کردند. تأثیر اندک اما همیشه قابل تشخیص چاپ های ژاپنی بر امپرسیونیست ها اغلب مورد توجه قرار می گیرد. ویسلر و مری کاسات آمریکایی‌ها با محدودیت خط و نقاط رنگی روشن چاپ‌ها و نقاشی‌های ukiyo-e جذب شدند.

گشودن ژاپن به روی خارجی ها در سال 1868 یک شور و شوق برای همه چیزهای غربی ایجاد کرد و باعث شد ژاپنی ها از فرهنگ غنی و میراث هنری خود دور شوند. در این زمان، بسیاری از نقاشی ها و مجسمه های زیبا فروخته شد و در موزه ها و مجموعه های خصوصی غرب به پایان رسید. نمایشگاه های این اشیا غرب را با ژاپن آشنا کرد و علاقه به سفر به خاور دور را برانگیخت. البته اشغال ژاپن توسط نیروهای آمریکایی در پایان جنگ جهانی دوم فرصت های بیشتری را نسبت به قبل برای کاوش و کسب اطلاعات بیشتر در مورد معابد ژاپنی و گنجینه های آنها باز کرد. این علاقه در حضور در موزه های آمریکا منعکس شد. علاقه به شرق به طور کلی سازماندهی نمایشگاه هایی از آثار هنر ژاپن را برانگیخت که از مجموعه های عمومی و خصوصی ژاپن انتخاب شده و به آمریکا و اروپا آورده شده است.

تحقیقات علمی در دهه‌های اخیر برای رد این تصور که هنر ژاپنی صرفاً بازتابی از هنر چینی است، بسیار انجام داده است و نشریات ژاپنی متعدد به زبان انگلیسی غرب را با آرمان‌های شرق آشنا کرده‌اند.

پیدا کردن " هنر ژاپنی" بر

مدت ها به دنبال مطالبی بودم که با آن بتوانم داستانی درباره فرهنگ سرزمین طلوع خورشید شروع کنم. در اینترنت با یک سایت عالی برخوردم. www.cultline.ruبا مقالاتی که می خواهم سفری به تاریخ فرهنگی ژاپن باستان از آن ها شروع کنم.

تاریخ هنر ژاپن به چند دوره تقسیم می شود:

دوره باستان (دوران هیان)

قرون وسطی اولیه (دوران کاماکورا)

اواخر قرون وسطی (عصر توکوگاوا)

فرهنگ هنری ژاپن طی قرون متمادی توسعه یافته است. در این دوره طولانی آثار برجسته ای خلق شد که در صندوق طلایی هنر جهان گنجانده شد. مردم ژاپن دنیایی چندوجهی و غیرمعمول از تصاویر و فرم های هنری خلق کردند که تاریخ زندگی، شیوه زندگی، باورها و قضاوت های آنها در مورد زیبایی را تجسم می بخشید. یکی از بارزترین ویژگی های فرهنگ ژاپنی، تداعی گسترده ای بود که اساس نظام فیگوراتیو آن را تشکیل داد. تفکر شاعرانه ژاپنی ها در چند معنایی محتوای اشیاء هنری که آنها خلق می کردند، تجلی می یافت و ایده هایی را در مورد طبیعت و جهان منعکس می کرد.

مشخص است که سرنوشت تاریخی هر ملت تا حد زیادی با موقعیت جغرافیایی، شرایط طبیعی و اقلیمی آن تعیین می شود. موقعیت جزیره ای ژاپن منجر به انزوای نسبی گروه قومی ژاپنی و حفظ همگنی آن تا دوران مدرن شده است. تحسین از زیبایی طبیعت غیرمعمول غنی و متنوع ژاپن، توانایی لذت بردن از هر لحظه از آن، به یکی از ویژگی های شخصیت ملی تبدیل شده است و به طور مستقیم در تمام اشکال هنری بیان شده است. توجه خاص به زندگی طبیعت که با وابستگی به عناصر آن (طوفان، زلزله و غیره) همراه بود، بر نگرش نسبت به آن به عنوان زندگی و احساس تأثیر گذاشت. بنابراین، نه تنها درختان و علف ها، پرندگان و حیوانات، بلکه حتی رودخانه ها، کوه ها و سنگ ها به نظر ژاپنی ها تجسم ارواح، خدایان بودند - کامیکه در تمام مظاهر زندگی مردم را تحت تأثیر قرار می داد و بر این اساس توجه و نگرش خوب را می طلبید. به کامی ها هدایایی و سرودهای آیینی و رقص اختصاص داده شد. چنین احترامی از ارواح طبیعت، آیین های جادویی باستانی اساس دین ملی را تشکیل می دهد شینتو ("راه خدایان"). آیین اجداد نیز جزء مهمی بود شینتوئیسم. اعتقاد بر این بود که هر قبیله اجداد خود را دارد. به عنوان مثال، اجداد خانواده های اصیل و ثروتمند خدایان بهشتی در نظر گرفته می شدند، در حالی که خانواده های کمتر نجیب منشأ خود را به خدایان زمینی می رساندند. در اساطیر ژاپنی هیچ خالق واحدی وجود ندارد. در تکمیل فرآیند کیهانی، نقش اصلی متعلق به خدایان همسر بود ایزاناگیو ایزانمی. دختر بزرگشون آماتراسوبه خدای اصلی خورشید تبدیل شد و همانطور که اسطوره ها گواهی می دهند، از او است که خانواده امپراتوری ژاپن از او سرچشمه می گیرد. همه حاکمان ژاپن از نوادگان او محسوب می شوند.

در قرن های اول عصر ما، شینتوئیسم اساس زندگی معنوی جامعه ژاپن بود. در قرن ششم، بودیسم از چین و از طریق کره گسترش یافت و در سال 538 به طور رسمی در ژاپن تأسیس شد. بودیسم در ژاپن انعطاف زیادی در سازگاری با شرایط محلی و همزیستی با مذهب محلی شینتو نشان داده است. در ابتدا، خدایان بودایی با خدایان شینتو یکسان شدند؛ با گذشت زمان، آموزه های بودایی شروع به تأثیر فزاینده ای بر آگاهی عمومی و توسعه کل فرهنگ ژاپن کرد. بیشترین تأثیر در توسعه فرهنگ هنری ژاپن توسط بودایی ها بود فرقه ذن، که آموزه های آن از قرن 12 تا 13 رواج داشت. هنر ژاپنی در توسعه خود از دوران باستان تا قرن نوزدهم، تعدادی از مراحل مهم مرتبط با تکامل روابط اجتماعی را پشت سر گذاشت.

با فروپاشی نظام کمونی اولیه و تشکیل دولت اول، دوره طولانی فئودالیسم آغاز شد که معمولاً به چند مرحله تقسیم می شود. . زود قرون وسطیمشروط با دوران منطبق است کاماکورا(اواخر قرن 12 - اوایل قرن 14)، میانسالی بالغ مربوط به قرن 14 - اوایل قرن 17، به اصطلاح دوران موروماچی و مومویاما . و در نهایت اواخر قرون وسطی قرن هفدهم تا نوزدهم به عنوان دوران نامگذاری شده است ادویا توکوگاوا. در هر یک از این مراحل، انواع و ژانرهای مختلف خلاقیت شکوفا می شود. در دوران باستان نارا(قرن 7 - 8) اینها مجموعه های معماری و مجسمه سازی صومعه های بودایی بودند؛ در قرن 12 (دوران) هیان) - بناهای نقاشی مذهبی و سکولار، در قرن سیزدهم یک پرتره مجسمه ای و تصویری اصلی، در آثار معماری منظر قرن 14-16، باغ های معروف ژاپنی ، نقاشی روی پرده ها و دیوارهای کاخ ها و قلعه های قرن 16 - 18. مرحله پایانی هنر قرون وسطی در ژاپن با شکوفایی فرهنگ شهری مشخص شد که آثار باشکوهی از گرافیک و نمایش های تئاتری را به جهان بخشید. کابوکی، ترص شعر - هایکوو خیلی بیشتر.

دوره باستان (دوران هیان)

از زمان دوره باستان فرهنگ ژاپنی عمدتاً محصولات سرامیکی را حفظ می کرد. از روش ساخت، شکل ها و زیور آلات آنها، چیزهای زیادی در مورد مردم آن دوران دور می آموزیم. فعالیت هنری این دوران با جادوی بدوی و فرهنگ مادی پیوند ناگسستنی داشت. در طی کاوش‌های باستان‌شناسی، ظروف بسیاری با شکل‌های مختلف برای اهداف مختلف یافت شد. آنها با دست مجسمه سازی شدند و در یک گودال ساده شلیک شدند.
شکل آنها با قرار دادن یک رشته مارپیچ از خاک رس به دست آمد. در حین شلیک، کشتی با طناب چمن پیچیده شده بود، که پس از سوختن، یک اثر تزئینی باقی می ماند. این جایی است که نام این سرامیک و سپس خود دوران آمده است - جومون("ردی از طناب"). مجسمه های سفالی - دوگو که نیروهای طبیعت را مجسم می کرد و احتمالاً به عنوان طلسم عمل می کرد نیز به دوره جومون برمی گردد. معمولا اندازه آنها از 25 سانتی متر تجاوز نمی کرد.
300 قبل از میلاد ه. – 200 بعد از میلاد ه. در تاریخ نگاری ژاپنی با اصطلاح om yayoi نامگذاری شده اند. در این دوره، سرامیک هایی با اهمیت سودمند ظاهر شدند که روی چرخ سفال ساخته شده بودند.
مورخان ژاپنی دوره‌ای از قرن سوم تا آغاز قرن ششم را با کلمه « کوفون" ("تپه") ، زیرا ساخت مقبره های تپه ای نمایندگان اشراف در آن زمان اهمیت زیادی پیدا کرد. تپه ها با آیین اجداد مرتبط بودند و در اطراف آنها شروع به ساختن حصارها از استوانه های سفالی کردند - هانیوا. این حصار بلافاصله در پشت خندق قرار داشت و با هم دیواری دوگانه را در مسیر تدفین تشکیل می دادند.
نام " هانیوا"("چرخ خاک رس") از تکنیک ساخت آنها می آید. خاک رس مرطوب را به شکل استوانه ای درآورده و آن را تکه تکه کرده و وسط آن را بیرون می آورند. حلقه های به دست آمده روی هم چیده شدند و درزها را صاف کردند. چنین حصاری ساخته شده از ستون های سفالی فضایی جادویی را احاطه کرده است که در داخل آن مجسمه ای ساخته شده به روش مشابه قرار داده شده است. این مجسمه افراد را در فعالیت های مختلف، حیوانات، خانه ها و ظروف نشان می داد.
شاخص ترین بنای دوران باستان، مجموعه معماری شینتو است که پیدایش آن به قرن های اول دوران جدید بازمی گردد.
در یک منطقه جنگلی کوهستانی واقع شده است و از دو پناهگاه داخلی تشکیل شده است: نایکتقدیم به الهه آماتراسوو خارجی – گکوتقدیم به خدای غلات تویوکه. هرکدام از ساختمان‌های زیادی تشکیل شده‌اند که از چوب‌های بدون رنگ و با دقت ساخته شده‌اند. ساختمان ها بر روی ستون هایی از سطح زمین بلند شده اند و با چهار ردیف حصار احاطه شده اند. اشکال معماری آنها به انبارهای باستانی برمی گردد که در آن محصولات کشاورزی ذخیره می شد.
پذیرش بودیسم در قرن 6مهمترین رویداد تاریخ ژاپن بود. با بودیسم، این کشور به سنت های فرهنگی غنی و چند صد ساله آسیای مرکزی و جنوب شرقی پیوست و بدین ترتیب به مرحله جدیدی از توسعه رفت.
بودیسم که از چین از طریق کره به ژاپن آمد، حامل اشکال جدیدی از هنر شد. استادان چینی و کره ای اولین معابد و صومعه های بودایی را ساختند. مجموعه معبدی که در سالهای اول قرن هفتم ساخته شد و مطابق با قوانین چینی ساخته شد تا به امروز باقی مانده است. در مرکز این مجموعه وسیع حیاطی مستطیل شکل است که توسط گالری‌های سرپوشیده با دروازه‌هایی در ضلع جنوبی و تالار وعظ در شمال احاطه شده است. داخل حیاط قرار داده شده است اصلی تالار طلایی (کاندو) و یک بتکده پنج طبقه با ارتفاع 32 متر که با گلدسته ای با نه حلقه ختم می شود - نمادی از کرات آسمانی بودایی. ترکیب مجسمه محراب در داخل معبد زیارتگاه اصلی و مرکز آن بود. این بنا مانند یک صحنه ساخته شده بود: مجسمه ها به ترتیبی معین و مطابق با مکان خدایان در پانتئون بر روی دایس های محراب قرار می گرفتند. در مرکز تصویری از بودا بود، در دو طرف آن مجسمه های خدایان قرار داشت. نزدیک‌تر به لبه‌های محراب، مدافعان ایمان، گاهی در کسوت جنگجویان مهیب ایستاده بودند. در تالار طلایی هوریوجیمرکز محراب اشغال شده است سه گانه سیاکا(تثلیث بودا شاکیامونی) نمونه ای برجسته از مجسمه سازی اولیه بودایی در ژاپن است. در مجاورت محوطه دیواری اطراف تالار طلایی و بتکده قسمت دیگری از مجموعه قرار دارد که در مرکز آن ساختمانی هشت ضلعی قرار دارد. یومدونو(تالار رویاها). در اینجا یک سبک مشابه است سه گانه سیاکامجسمه Gyuze-Kannon
در کنار معماری و مجسمه سازی، انواع دیگر هنر نیز با بودیسم همراه بود - نقاشی، کنده کاری روی چوب و فلز، ریخته گری، منبت کاری، گلدوزی. فضای داخلی تالار طلایی هوریوجی دارای یک سایبان مجلل بر فراز سه گانه شاکا با مجسمه های کنده کاری شده از نوازندگان آسمانی، یک کشتی مینیاتوری به شکل معبد و به اصطلاح محراب است. تاماموشی، تزئین شده با نقاشی لاکی، و همچنین نقاشی های دیواری از اواخر قرن هفتم - اوایل قرن هشتم که بهشت ​​بودایی و چهره های خدایان را به تصویر می کشد.
دهه اول قرن هشتم با ساخت پایتخت جدیدی به نام شهر نارا که به مد چینی نامیده می شود مشخص شد. هیجو-کیو(ارگ جهان). طرح آن پایتخت چین چانگان را تکرار می کرد و مستطیلی بود که به نقاط اصلی و با یک بزرگراه مرکزی به دو قسمت راست و چپ تقسیم می شد. صومعه‌های باشکوه با میدان‌های باز تشریفاتی برای برگزاری مراسم دولتی، مکان بزرگی در شهر را اشغال کرده بودند. تمام حیثیت معماری آن دوران به طور کامل در مجموعه معبد بزرگ شرقی بیان شد تودایجیکه به زیارتگاه اصلی دولتی و سالن مجسمه عظیم برنزی بودا تبدیل شد وایروکانا- «نور روشنگر»، خدایان عالم. از این رو نام دوم معبد: دایبوتسودن- تالار بزرگ بودا پس از شکست های فراوان، مجسمه بلند است 16 متربازیگران شد. پهنای صورت بودا پنج متر و پهنای کف دستش تقریباً چهار متر بود. در طول قرن‌ها، هم خود معبد و هم مجسمه بارها و بارها تخریب شدند و اکنون فقط می‌توانیم از بازسازی‌های قرن هجدهم درباره آنها قضاوت کنیم. همانطور که در هوریوجی، در مجتمع تودایجینمونه های باشکوهی از مجسمه سازی از قرن هشتم - دوره رونق بالای این نوع هنر - وجود دارد.
علاوه بر این، معابد و صومعه های بیشتری در نارا وجود داشت که در آن بناهای برجسته مجسمه سازی بودایی نگهداری می شد. قرن هشتم. از جمله آنها گروه است یاکوشیجی، با بتکده معروف شرقی. شاهکار شناخته شده مجسمه برنزی – سه گانه یاکوشیاز معبد یاکوشیجیشامل شکل یک بودای شفا دهنده نشسته و خدایان است که در سمت چپ و راست او ایستاده اند. تالار طلایی گروه توشداجی- یکی از زیباترین معابد نارا، که در آن، علاوه بر مجسمه های خدایان بودایی، اولین نمونه در ژاپن از مجسمه پرتره بنیانگذار صومعه، یک راهب وجود دارد. گانزینا، کارشناس متون بودایی که از چین آمده است.
در سال 794، این شهر پایتخت ایالت ژاپن شد هیان-کیو(کیوتوی مدرن) - "پایتخت صلح و آرامش". با نام پایتخت، تمام دوران به عنوان یک دوره تعیین شده است هیان. این یکی از مهمترین دوره های تاریخ فرهنگ ژاپن بود که به درستی نامیده می شود کلاسیک. بر اساس بازنگری در مدل های چینی، اشکال ملی هنر به تدریج ظهور کردند: معماری سکولار، نقاشی و ادبیات. ظاهر کلیساها و صومعه ها به طور قابل توجهی تغییر کرده است. فضای باز مجموعه‌های باشکوه، وضوح و دقت برنامه‌ریزی، و ماندگاری فرم‌ها ناپدید شده‌اند. مجسمه سازی شروع به تعامل نزدیک با نقاشی کرد که نقش آن در فضای داخلی معبد به طرز چشمگیری افزایش یافت. توسعه سریع نقاشی بودایی یکی از ویژگی های اوایل دوره هیان بود. با انتزاع عرفانی و نمادگرایی در تفسیر تصویر خدایان مشخص می شود. این کامل ترین بیان خود را در نقاشی های نمادین دریافت کرد ماندالا، که نمودار گرافیکی پیچیده ای از ساختار جهان را نشان می دهد که در مرکز آن خدای اصلی قرار گرفته است. داینیچی-نیورای، و در اطراف او خدایان بسیار دیگری هستند. نوع دوم نقاشی بودایی، تصویر خدایان محافظت کننده از ایمان است که در قالب شیاطین ترسناک در پس زمینه ای از شعله های آتش ظاهر می شوند. یک شخصیت به خصوص محبوب کسی بود که علیرغم ظاهر مهیبش از قدرت خوبی برخوردار بود.
با افزایش نقش آمیدیسم،جایی که بخش مهمی از آموزش ایده طبیعت به عنوان تجسم جوهر بود آمیدا-نیورایکه شیفته زیبایی آن است، نوع جدیدی از معبد بودایی در معماری در حال ظهور است - آمیدا-دو(تالار آمیدا) که بیشتر شبیه قصری از نمایندگان طبقه اشراف بود. معنای چنین کاخ-معبدی بازتولید نمونه اولیه بهشت ​​آمیدا روی زمین بود. چنین معابدی نه تنها در نزدیکی پایتخت، بلکه در استان ها نیز ساخته شده است. یکی از باشکوه ترین معابد آمیدا در این صومعه قرار داشت بیودویندر نزدیکی کیوتو که به معبد نیز معروف است ققنوسبه خاطر تصاویر این پرنده خارق العاده روی پشت بام. فضای داخلی زیارتگاه اصلی معبد را در خود جای داده است - مجسمه آمیدا-نیورای ، روی تخت نیلوفر آبی زیر یک سایبان حکاکی شده سرسبز در پس زمینه هاله ای باشکوه نشسته است. این مجسمه به یک استاد قرن یازدهم نسبت داده می شود جوچو. در کارگاه او برای اولین بار تولید مجسمه با استفاده از تکنیک آغاز شد یوسگی، که در آن شکل در قسمت هایی مونتاژ می شد، برخلاف روش قبلی که مجسمه را از یک تکه چوب حکاکی می کردند.
مهمترین اکتشافات هنری آن دوره هیانکه تأثیر زیادی بر توسعه بیشتر فرهنگ ژاپنی داشت، در هنرهای سکولار - معماری، نقاشی، موسیقی و خوشنویسی ساخته شد. این امر تا حد زیادی با انزوای ژاپن از تأثیرات خارجی، که در پایان قرن نهم آغاز شد، تسهیل شد. در این عصر شگفت انگیز که فرهنگ آن با فعالیت خلاقانه حلقه باریکی از اشراف پایتخت همراه است، روند بازاندیشی سنت های قدیمی مرتبط با چین تکمیل می شود، شعر ملی به اوج صدای خود می رسد، نثر ژاپنی برمی خیزد و در زمان نسبتاً کوتاهی به ارتفاعات شگفت انگیزی می رسد که بالاترین دستاورد آن است "قصه جنجی" نویسندگان اواخر قرن دهم موراساکی شیکیبو. اصول به اصطلاح نقاشی در حال شکل گیری است یاماتو ای("نقاشی ژاپنی")، در موضوعات و موضوعات مرتبط با زندگی اشراف هیان. همراه با توسعه معماری ظاهر می شود شیندن-زوکوری، یعنی معماری مسکونی. ویژگی‌های طراحی آن پیش‌شرط‌هایی را برای ظهور نقاشی ایجاد کرد، زیرا یک فضای داخلی بزرگ تنها توسط صفحات تزئین شده با نقاشی و شعر تقسیم می‌شد. یکی از انواع اصلی یاماتو ای- طومارهای تصویری افقی که آثار ادبی را به تصویر می کشد و با بخش هایی از متن در هم آمیخته است. اثر برجسته ای از این دست - تصویرسازی برای 54 فصل از رمان موراساکی شیکیبو، که قدمت آن به اوایل قرن دوازدهم باز می گردد و به هنرمند فوجیوارا تاکایوشی نسبت داده می شود. در حال حاضر تنها 28 قسمت از متن و 20 قطعه تصویر باقی مانده است. طرح بیرونی داستان، ماجراهای عاشقانه شاهزاده خوش تیپ جنجی است. خواننده به دنبال فراز و نشیب های زندگی خود، مستقیماً درگیر سبک زندگی درباری می شود، در مراسم کاخ شرکت می کند و حرکات احساسی همراه با اعمال خاصی از شخصیت ها را مشاهده می کند. چنین طومارهایی (Genji-monogatari-emaki) روی یک میز پایین مشاهده می شد که به تدریج از یک طرف باز می شد و از طرف دیگر تا می شد که بر ساختار ترکیبی آنها تأثیر گذاشت.

قرون وسطی اولیه (دوران کاماکورا)

نیمه دوم قرن دوازدهم در تاریخ ژاپن با مبارزه برای قدرت دو قبیله بزرگ فئودال مشخص شد - تایرا و میناموتو . در نتیجه پیروزی، رهبر نظامی میناموتو یوریتومو خود را اعلام کرد شوگان- حاکم نظامی کشور. محل سکونت شوگان ها در کاماکورا، پایتخت جدید را اعلام کرد. این نام از اینجا آمده است دوره - کاماکورا . استقرار شوگونات ایجاد یک ساختار اجتماعی جدید بود: تسلط طبقه فئودال. بوشی (سامورایی).طبیعتاً فرهنگ کاماکورا زنانگی و کیش احساسات را کاملاً انکار می کرد فرهنگ اشرافی هیان . برای تثبیت آرمان های مردانگی و قدرت، تصاویر و سایر اشکال هنری مورد نیاز بود. ادبیات کاماکورا شامل عناصر قابل توجهی از هنر عامیانه بود که خود را در خلق حماسه های نظامی نشان داد - گونکی، تصاویری که برای آنها به مضامین زیبا تبدیل شد طومارهای emaki
فرهنگ کاماکور با علاقه به رویدادهای زندگی واقعی و شخصیت یک فرد مشخص می شود. این امر با شکوفایی بالای هنر پرتره در مجسمه سازی و نقاشی آن زمان همراه بود.
تأیید آرمان های اجتماعی جدید نیز مستلزم اشکال معماری متناظر بود. ظاهر آنها با توجه به بناهای تاریخی قرن هشتم تسهیل شد. حاکمان جدید کشور می خواستند به عنوان نگهبان سنت های معماری تاریخی گذشته به عنوان بیانگر قدرت دولت ظاهر شوند. بودجه هنگفتی در سراسر کشور برای بازسازی معابد نارا جمع آوری شد. زیر نظر آنها کارگاه های مجسمه سازی بزرگی به سرپرستی مجسمه سازان معروف آن زمان ایجاد شد. کوکی، اونکی و کایکی. آخرین شکوفایی مجسمه بودایی ژاپنی با کار و مکتب آنها مرتبط است. مجسمه های یادبود نگهبانان با قدرت، بیان ژست ها و حالات چهره، تجسم آرمان های جدید آن دوران بود. میل به اصالت و طبیعی بودن مشخصه بسیاری از آثار انکی است. تصاویری از ایلخانان افسانه ای هند تا به امروز باقی مانده است. سسیناو موتیاکو، در حدود سال 1208 تکمیل شد.
از شاهکارهای پرتره تصویری می توان به آثار منسوب به این هنرمند اشاره کرد فوجیوارا تاکانوبو پرتره یک رهبر نظامی میناموتو یوریتومو ، با لباس تشریفاتی به تصویر کشیده شده است. نقاشی روی طومارها نیز تغییر قابل توجهی یافت؛ ویژگی اصلی آن تأیید اصل روایی بود.
آثاری ظاهر شد که افسانه های پر از اپیزودهای دراماتیک را به تصویر می کشید و اقدامات فعالاز مردم. قهرمانان آنها مردم عادی، نمایندگان لایه های اجتماعی پایین جامعه هستند. همراه با با نقاشی پرتره چشمگیرترین پدیده کاماکورادوره - طومارهای روایی emakimono، که توطئه های آن با حماسه های قهرمانانه همراه است - گونکی. برجسته ترین بنای یادبود - تصاویر به «داستان جنگ سال های هیجی».
زندگی رزمندگان کاماکورا با زندگی اشراف هیان تفاوت چشمگیری داشت. مهم ترین اشیاء برای زندگی آنها بر این اساس تغییر کرده است. اکنون همه توجه به سلاح و زره معطوف شد. سلاح اصلی سامورایی ها علاوه بر تیر و کمان، شمشیر بود. اما این فقط یک سلاح نبود، بلکه نمادی از جنگجو، شجاعت و شجاعت او بود، بنابراین حتی فرآیند ساخت تیغه به عنوان یک مراسم رسمی قاب شد. تیغه از بسیاری از نوارهای آهنی که از طریق فرآیند ذوب و آهنگری به یکدیگر جوش داده شده اند، تشکیل شده است. روش سخت شدن تیغه، آسیاب کردن و تیز کردن آن بسیار دشوار بود. سپس تیغه سبک، قوی و تیز شمشیر به دست یک جواهرساز اسلحه ساز رفت که دسته و غلاف را با دقت تزئین کرد.

قرون وسطی بالغ (دوران موروماچی)

در سال 1333 یکی از نمایندگان خانه فئودالی آشیکاگااسیر کیوتوبر اساس نام یکی از نواحی کیوتو، جایی که اقامتگاه آشیکاگا در آن قرار داشت، دوره سلطنت این شوگونات شروع به نامگذاری شد. موروماچی. قرون 14-16 زمانی بود که دو جریان متضاد به تدریج در فرهنگ ژاپن متحد شدند - هیان و کاماکورا. همراه با افزایش تأثیرات چینی، این امر به شکل گیری فرهنگ جدیدی در قرون وسطی بالغ کمک کرد. فرقه قهرمانی، اخلاق خشن بوشیدوبه وجود خود ادامه داد، اما به شکلی انتزاعی تر، در کنار میل به تجمل تصفیه شده زندگی روزمره و آیین طبیعت، حتی توسعه یافته تر از قبل. حمایت دولتیاخذ شده آموزش ذن، خانقاه های این فرقه به مراکز فرهنگی بزرگ تبدیل شدند. تحت تأثیر ذن، مفهوم زیبایی شناختی جدیدی پدید آمد. به آنها آموخته شد که زیبایی را در ساده و معمولی، در تاریکی و محتاط ببینند. این ایده بر تغییراتی در اشکال معماری مذهبی و سکولار تأثیر گذاشت.
آثار معدودی از معماری معتبر از قرن 14 و 15 تا به امروز باقی مانده است. از جمله آنها Kinkakuji یا غرفه طلایی ، ساخت 1394 و گینکاکوجی یا غرفه نقره ای ، در سال 1489 به عنوان ویلای شوگون آشیکاگا یوشیماسا ساخته شد و بعداً به یک معبد بودایی تبدیل شد. معنای این گونه آثار، محتوای آنها، تنها در مقایسه با طبیعت آشکار می شود؛ معماری و طبیعت به اجزای معادل تصویر هنری تبدیل می شوند.
اما طبیعت طبیعی نمی‌توانست وارد این وحدت شود، باید با همان اصولی که معمار غرفه‌ها را هدایت می‌کرد، توسط استاد باغ دگرگون می‌شد. باغ لازم بود بخشی جدایی ناپذیراین معماری، از آنجایی که ایده اتصال، وحدت فضای بیرونی و داخلی در اینجا مهم بود. قرن 14 تا 16 زمان شکوفایی هنر باغ های ژاپنی بود که به یکی از اکتشافات مهم دوران قرون وسطی تبدیل شد.
در قرن شانزدهم هر یک از عناصر باغ از نظر معنای نمادین آن توسعه دقیقی صورت گرفت. ایده یک باغ نمادین از چین گرفته شد، اما بیان بسیار ویژه ای از استادان ژاپنی دریافت کرد. باغی که فقط از سنگ و ماسه ایجاد شده است به اصطلاح "چشم انداز خشک" (کاره سانسوی). هنر چیدمان سنگ ها مهمترین چیز به حساب می آمد که معنای باغ و تصویر آن به آن بستگی داشت. شاهکارهای این نوع باغ در کیوتو - باغ قرار دارد دایزن-ایندر صومعه دایتوکوجیو باغ ریوانجی.
تحت تأثیر آموزه های ذن، به اصطلاح کیش چای یا مراسم چای رواج یافت. باغ‌های ویژه تیانیوا نیز با مراسم چای مرتبط بودند، که بخشی ضروری از یک ساختار معماری ویژه برای آیین چای شد.
از نیمه دوم قرن سیزدهم در نقاشی روایی یاماتو اینقش منظر به عنوان محیط زندگی مردم به تدریج شروع به افزایش کرد. مفهوم هنری منظره که در قرن 11-12 در این قاره توسعه یافت و در اشکال نقاشی جوهر تک رنگ (به ژاپنی - sumi-eیا سوئیبوکوگا) ایده جدیدی را برای هنر ژاپنی مطرح کرد تا جهان طبیعی را در عظمت، یکپارچگی و عظمت کیهانی آن تجسم بخشد. این یک سیستم هنری اساسا متفاوت بود که اساس آن یک منظره مفهومی بود "کوه-آب" (به ژاپنی - san sui) . "کوه های آب" فقط تعیین نقوش طرح نیست، بلکه نشانه ای از اصول اصلی جهان، تجسم مادی آنها است: کوه تجسم یک اصل روشن و مثبت در نظر گرفته شد - یانگو آب - تاریک، منفی - ییناثر متقابل و قدرت خلاق این اصول چیزی بود که هنرمند باید در منظر خود بیان می کرد. از اواسط قرن چهاردهم، منظره تک رنگ به نوع غالب نقاشی تبدیل شد که عمدتاً در صومعه های فرقه ذن توسعه یافت. به تدریج، نقاشی ذن طیف خاص خود را از موضوعات توسعه داد: پرتره های خیالی از زاهدان مقدس گذشته، تصاویر الهه رحمت. کانون، مؤسس فرقه داروما، مردان خردمند کانزاناو جیتوکو، و همچنین انواع نقوش طبیعی - گل ها، پرندگان، حیوانات، مناظر. تأمل در چنین تصویری، طبق آموزه های ذن، مانند تأمل در طبیعت واقعی، راه را برای درک حقیقت وجود، به "روشنگری" باز کرد - ساتوری. چنین نقاشی هایی بر روی دیوار یا در یک طاقچه مخصوص آویزان شد - توکونومابرای مواقع خاص، بقیه زمان‌ها در کیس‌هایی جمع شده بودند. به این طومارهایی که با پارچه ابریشمی یا پارچه ابریشمی قاب شده اند می گویند کاکمونو (« چیز آویزان«).
بالاترین شکوفایی نقاشی با جوهر تک رنگ ژاپنی با نام استاد برجسته همراه است تویو اودا، بیشتر به عنوان شناخته شده است سشو. مانند باغ های فلسفی ذن، نقاشی منظره تک رنگ سشو نیز به فلسفه ای از طبیعت با ایده ای تعمیم یافته از جهان مشخصه آن زمان تبدیل شد.
علاوه بر مناظر به شکل کاکمونو، نقاشی های تک رنگ بر روی صفحه نمایش ها و پانل های دیواری ظاهر شد. یکی از مشهورترین هنرمندانی که سنت مرکب نگاری سومی را ادامه داد، بود هاسگاوا توهاکو.

گذار از دوران بلوغ به اواخر قرون وسطی (دوران مومویاما)

در نیمه دوم قرن شانزدهم و اوایل قرن هفدهم، قلعه‌های مستحکم و کاخ‌های باشکوه اشراف فئودال شروع به ساخت کردند. از این زمان در تاریخ نگاری ژاپنی به عنوان دوران یاد می شود مومویاما، یک مرحله انتقالی از قرون وسطی بالغ به اواخر و آخرین مرحله آن - دوره ادو (توکوگاوا). مدت زمان نسبتاً کوتاه مومویامازمانی که ژاپن توسط دیکتاتورهای نظامی Oda Nobunaga و Toyotomi Hideyoshi اداره می شد که قدرت را به دست گرفتند، پر از رویدادهای بسیاری در زندگی سیاسی و فرهنگی است. مهمترین چیز در تاریخ ژاپن اتحاد این کشور پس از چندین سال نزاع فئودالی بود که به رشد اقتصادی کمک کرد و ژاپن را به یکی از قوی ترین دولت ها در منطقه خاور دور تبدیل کرد، زمانی که شروع به حفظ روابط نه تنها کرد. با چین و کره، اما اولین ماموریت ها را نیز به اروپا فرستاد. با این همه رویداد و تغییرات تاریخی، فرهنگ ژاپن نمی توانست بدون تغییر بماند.
کارکردهای همه انواع هنر تغییر کرده است، ژانرهای جدیدی از خلاقیت پدیدار شده است. شعور دینی حاکم بر دوران قبل به تدریج جای خود را به سکولاریسم می دهد. یکی از جلوه های مهم این روند ساخت قلعه ها و کاخ ها بود. قلعه های مستحکم بزرگ که ساخت آنها به دلیل ظهور سلاح های گرم در ژاپن و تغییر متناظر در تاکتیک های جنگی و دفاعی ایجاد شده است، علاوه بر سودمندی، معنای نمادین برجسته ای از ابراز قدرت دیکتاتورهای نظامی دریافت کردند. فضای داخلی کاخ ها نیز مظهر قدرت و ثروت مالک بود. تزئینات تزئینی آنها به تدریج از سالن اول به محل اصلی پذیرایی های رسمی افزایش یافت که با نقاشی های دیواری در زمینه طلایی تزئین شده بود. وضعیت حاکم کشور توسط کل دکور سالن مورد تأکید قرار گرفت: شوگان در مقابل دست نشاندگان خود روی زمینی کم ارتفاع که روی زمینی پوشیده از حصیر قرار گرفته بود در پس زمینه درخت کاج غول پیکری که روی دیوار نقاشی شده بود نشست - نماد شناخته شده طول عمر، قدرت و قدرت است. افزایش نقش نقاشی های دیواری در کاخ های آن زمان با تمایل به تئاتر و سرگرمی توضیح داده می شود. هرگز نقاشی دیواری ژاپنی با چنین مقیاسی شناخته نشده بود. انگیزه اصلی آن، مانند گذشته، طبیعت بود، امااکنون اینها عمدتاً ترکیباتی بودند که درختان، گلها، حیوانات و پرندگان را به تصویر می کشیدند. تالارهای اصلی به اصطلاح به سبک تزئین شده بودند کیمپکی- رنگ های روشن در زمینه طلایی.
نقاشی تزئینی هم به صورت نقاشی روی پارتیشن های داخلی کشویی اتاق ها و هم روی صفحه نمایش وجود داشت. در تاریخ آن، سه مرحله اصلی به وضوح قابل تشخیص است که با فعالیت های سه هنرمند برجسته مرتبط است که هر یک از آنها سبک زمان خود را تعریف می کردند. در مرحله اول، شخصیت محوری در نقاشی بود کانو ایتوکو، در دوم - تاوارایا سوتاتسو، در سوم - اوگاتا کورین. پیشینیان مستقیم کانو ایتوکو بنیانگذاران به اصطلاح بودند مدرسه کانو ماسانوبو و موتونوبوکه تلاش کرد تا اصول نقاشی ملی را متحد کند یاماتو ایو نقاشی تک رنگ با جوهر چینی. امتناع از جزئیات، مقایسه لکه های رنگی بزرگ و ایجاد یک ترکیب تزئینی واحد از آنها روش کار شده است. کانو ایتوکو، کشف اصلی او در هنر نقاشی دیواری. ایده ها ایتوکوتوسط بسیاری از معاصران او ادامه یافته و توسعه یافته است، اگرچه در آثار آنها، با وجود شباهت قابل توجه تکنیک های آهنگسازی، دیگر خلق و خوی قدرتمند و نیروی قدرتمند احساس نمی شود. ایتوکو

اواخر قرون وسطی (دوران توکوگاوا)

قرن هفدهم، زمان استقرار قدرت شوگون ها توکوگاوا، برقراری آرامش درازمدت در کشور نیز تحولات چشمگیری در هنر نقاشی تزئینی ایجاد کرد. در اشکال و سبک خود، قبلاً مخاطبان متفاوتی را مورد خطاب قرار می داد و خواستار نگرش متفاوت بیننده نسبت به خود، بصیرت بیشتر در همه زمینه های فعالیت خلاقانه به ویژه در شعر بود، زیرا اکنون بسیاری از موضوعات و تصاویر نقاشی های دیواری با آثار شناخته شده ادبیات کلاسیک گذشته همراه بود.
بزرگترین استاد آن زمان بود تاوارایا سوتاتسو، یکی از بنیانگذاران مکتب موسوم به ریمپا. او عمدتاً صفحات نمایش را نقاشی می کرد که پس از ممنوعیت رسمی ساخت قلعه های فئودالی در ربع دوم قرن هفدهم، به شکل اصلی نقاشی تزئینی تبدیل شد. بنابراین، نقاشی تزئینی با از دست دادن کارکردهای اجتماعی خود، ویژگی های جدید و زبان جدیدی پیدا کرد. که در نقاشی های دیواری سوتاتسوهمه چیز بر اساس تداعی ها، اشاره ها، کنایه ها ساخته شده است، همه چیز خطاب به تخیل، حافظه و دانش بیننده است. هنرمند وظیفه خود را نه صرفاً بازتولید موقعیت طرح، بلکه انتقال معنای شاعرانه اپیزود، زیرمتن درونی آن را تعیین کرد. و برای قدردانی کامل از آثار سوتاتسو، باید تمام ظرافت های منبع ادبی را می دانست.
سنت سوتاتسو توسط هنرمند برجسته ای که کارش مشخص شد ادامه یافت مرحله جدیددر توسعه نقاشی تزئینی در ژاپن، اوگاتا کورین. بسیاری از نقوش آثار او نیز با ادبیات کلاسیک همراه است، اما او در دوره ای متفاوت زندگی می کرد، زمانی که آرمان ها و ارزیابی های گذشته تغییر می کرد، زمانی که تزئینات بیرونی اغلب جذاب تر از معنای درونی و زیرمتن اثر به نظر می رسید. یکی از ویژگی ها خلاقیت کورین - تمرکز بر چندین نقوش، تکرار مکرر آنها در انواع مختلف هنر، زیرا او نه تنها یک نقاش، بلکه یک سرامیست، کیمونوهای ابریشمی و جعبه های لاکی نقاشی می کرد. نقش زنبق به ویژه در آثار او رایج بود. ظاهر تصویر زنبق معانی بسیار خاصی دارد و قسمتی از داستان کلاسیک قرن نهم را به ذهن متبادر می کند. "ایسه مونوگاتری." این اشاره به لحظه ای است که از توقف شاعر مسافر می گوید آریورا ناریهیرا در نزدیکی رودخانه ای با زنبق، جایی که آنها شعری در این زمینه نوشتند.
سنت های نقاشی تزئینی توسط پیروان حفظ شد مدارس ریمپا، و یکی از برجسته ترین اساتید بود اوگاتا کنزان، همچنین به عنوان خوشنویس و سرامیست مشهور است.
غیرممکن است که آثار هنری را که به هر نحوی با اقامت اروپایی ها در ژاپن مرتبط هستند، مورد توجه قرار ندهند. آنها شروع به تعیین به عنوان " namban bijutsu«یا هنر بربرهای جنوبی، پرتغالی ها. آنها را می توان به دو گروه تقسیم کرد. اولاً اینها آثار نقاشی سنتی روی پرده ها هستند که موضوعات آنها به ظاهر اروپایی ها و فعالیت آنها در ژاپن مربوط می شود. ثانیاً، اینها آثاری با موضوعات مسیحی و غیرژاپنی سکولار هستند که به شیوه‌ای غیر متعارف و با مواد غیرعادی برای هنرمندان ژاپنی اجرا شده‌اند. تمام کارهای گروه دوم مربوط به مبلغان بود و تحت نظارت آنها و اغلب به دستور آنها انجام می شد.
در قرن 14 و 15، همزمان با نقاشی منظره با جوهر، و بعدها با نقاشی های دیواری تزئینی، وجود داشت. ژانر نقاشی – فوزوکوگا ("تصاویر اخلاق و آداب"). اغلب همین هنرمندان نقاشی هایی با نقوش گیاهی و صحنه هایی می کشیدند که افرادی را درگیر فعالیت های مختلف نشان می داد. به عنوان یک قاعده، این صحنه ها معنای مستقلی نداشتند، بلکه بخشی از تصویرسازی بودند آثار ادبی، شرح زندگینامه شاعران معروف یا واعظان معروف بودیسم. اوج واقعی آن در نیمه دوم قرن شانزدهم و اوایل قرن هفدهم رخ داد، دوران رشد سریع شهرها و شکل گیری فرهنگ مستقل شهری. برای اولین بار در تاریخ هنر ژاپن، ژانر نقاشی واقعیت را منعکس کرد. مشتریان اصلی نمایشگرهایی با موضوعات ژانر، مردم شهر ثروتمندی بودند که خود و زندگی خود را در این هنر می دیدند. اصلی ترین ها در کنار موضوعات دیگر بودند صفحه نمایش « نمایی از کیوتو و اطراف آن ". کیوتو در آن زمان فقط پایتخت نبود، بلکه مظهر کشور و تخطی از سنت های فرهنگی آن بود. تعطیلات، راهپیمایی های رسمی، سرگرمی مردم شهر، صحنه هایی از زندگی مناطق تفریحی، رقص پرچ ها- بنیانگذار تئاتر کابوکی، کشیش یک زیارتگاه شینتو.
دستاورد و کشف اصلی نقاشی ژانر - کاوش هنری واقعیت - مهمترین پیامدها را برای توسعه کل فرهنگ هنری ژاپن داشت.
اما مهمترین پدیده در اواخر قرون وسطی و گذار به دوران مدرن، البته هنر حکاکی . این یک نتیجه منحصر به فرد از توسعه قرن ها فرهنگ هنری ژاپن بود. در اینجا نگرش تغییر یافته به جهان و جایگاه انسان در آن که نسبت به گذشته تغییر کرده بود، به شکل کاملتری بیان شد که منجر به خلق اشکال جدیدی در هنر شد.
توسعه هنر حکاکی حدود دو قرن را در بر می گیرد. این به اصطلاح است دوره ادو- قرن انزوای سیاسی ژاپن از دنیای خارج، تنظیم دقیق روابط اجتماعی، اما در عین حال رشد اقتصادی بالا، رشد شهری و ورود نمایندگان تجار ثروتمند و صنعتگران شهری به عرصه تاریخی. آنها همراه با سامورایی های کوچک ورشکسته، بازیگران و رقصندگان، اساس جمعیت شهری را تشکیل دادند که به تدریج اشکال فرهنگ خود را ایجاد کردند. یکی از آنها حکاکی روی چوب یا حکاکی روی چوب.
تکنیک چاپ از تخته های چوبی از دیرباز در ژاپن شناخته شده بوده و برای انتشار متون بودایی از آن استفاده می شده است. اکنون به هنر سکولار خدمت کرد و نام آن را دریافت کرد. ukiyo-e"یعنی تصویر" دنیای پر جنب و جوش سریع جریان ". سه نفر در خلق این حکاکی شرکت کردند: هنرمند، حکاک و چاپگر. صنعتگران ژاپنی از تخته های برش طولی ساخته شده از شمشاد، گلابی یا گیلاس وحشی با بافتی خاص از الیاف استفاده می کردند که به صافی و زیبایی خطوط اعمال شده کمک می کرد.
اولین موفقیت ها در توسعه هنر حکاکی با نام استاد برجسته همراه است هیشیکاوا مورونوبو (1638-1714) که کار خود را با گرافیک کتاب آغاز کرد. کارهای اولیه او تک رنگ بودند، برخی از چاپ های مورونوبو توسط خود هنرمند یا مشتریان با دست رنگ شده بودند.
از همان ابتدا، حکاکی بر روی سه پایه در دو جهت اصلی توسعه یافت: تصاویری از زنان زیبا از محله های همجنس گرایان (bijinga) و صحنه هایی از زندگی و بازیگران آنها (yakusha-e) و مضامین مختلف تئاتر. با استفاده از نوآوری های فنی متعدد، حکاکی بسیار سریع توسعه یافت. در دهه 40 قرن 18، این هنرمند اوکومورا ماسانوبو (1686-1764) چاپ در دو رنگ - صورتی و سبز اختراع شد.
اولین حکاکی های چند رنگ در تقویم های لوکس منتشر شده برای سال جدید 1765 ظاهر شد. توسط این هنرمند اجرا شد سوزوکی هارونوبو (1725-1770) که مخترع چاپ چند رنگ محسوب می شود. آثار او را نیشیکی ("نقاشی های بروکات") می نامیدند. هنرمندان سلسله نقش ویژه ای در خلق گرافیک های تئاتر ایفا کردند. توری و کاتسوکاوا ، که کمتر از یک سال کار کرد، هنرمندی سرشناس و درخشان توشوسای شاراکوکه در مدت کوتاهی حدود یکصد و چهل حکاکی خلق کرد، سپس سلسله ای که در قرن نوزدهم به منصه ظهور رسید. اوتاگاوا.
استاد برجسته ژانر نوشتن روزمره بود کیتاگاوا اوتامارو (1753-1806) که آثارش به اوج حکاکی غنایی تبدیل شد. موضوع اصلی کار او زنان بود، خواه جلیقه‌زنان زیبا و یا شست‌وشو، اما همیشه به همان اندازه با نرمی نرم حرکات و ژست‌های برازنده‌شان جذاب بودند. کار اوتامارو مرحله کلاسیک را در تاریخ حکاکی روی چوب تکمیل کرد.
ویژگی های بارز حکاکی قرن 19 توسط کار بزرگترین و یکی از مشهورترین هنرمندان ژاپن، Katsushika Hokusai (1760-1849) مشخص شد. هنر او با پوشش کامل زندگی، بی سابقه در هنر ژاپن، و علاقه گسترده به تمام جلوه های آن مشخص می شود. کشف اصلی استاد مجموعه مناظر ژاپنی او بود. جوان معاصر او، نقاش منظره آندو هیروشیگه (1797-1858)، توانست شخصیتی صمیمی تر و غنایی تر از طبیعت را منتقل کند. او را در جلوه های خصوصی خود، عاری از ابهت و عظمت، اما با زیبایی صمیمی و نرمش به مرد جذب می کرد.
این هنرمند با سریال خود به شهرت رسید "53 ایستگاه توکایدو" ، جاده ای که پایتخت قدیمی کیوتو را به پایتخت جدید متصل می کرد - ادو.بسیاری از استادان سنت های زندگی روزمره و گرافیک منظره را ادامه دادند، اما اواسط قرن نوزدهم از قبل مرحله غروب خورشید ukiyo-e بود.
در نقاشی قرن 17 تا 19 چندین جهت یا مکتب وجود داشت که در محتوا و سبک متفاوت بودند. نزدیک به هنرمندان مدارس توساکه سنت ها را ادامه داد یاماتو ایقرون 9 تا 12، استادان مدرسه کار می کردند کانوو ریمپا، که بسیاری از آنها به نقاشی های تزئینی مشغول بودند. مهمترین ویژگی در پیشرفت نقاشی این دوره، توسل به واقعیت بود. حتی نمایندگان کانو و ریمپا به کار از زندگی علاقه نشان دادند که نوآوری برای روش هنری استادان ژاپنی بود. این هم تحت تأثیر ادبیات اتفاق افتاد که در توصیف موقعیت ها، برای صحت واقعیات تلاش می کرد و هم در ارتباط با ظاهر آثار هنری اروپایی در حوزه دید هنرمندان ژاپنی. برجسته ترین نماینده جنبش موسوم به «طبیعت گرایی» بود مارویاما اوکیو. نباید به دنبال تعمیمات فلسفی یا نمادهای سیاسی قدرت به او بود.
او شما را تشویق می کند که از دنیایی که در مقابل چشمان شما باز می شود، زیبایی آن و جذابیت لحظه های ناپدید شدن آن شاد باشید. استادان مدرسه نظرات کاملاً متضادی داشتند نانگایا بوندزینگا(«نقاشی روشنفکران»). درخشان ترین نمایندگان این روند بودند آیک نه تایگاو یوسا بوسون. بالاترین معنای خلاقیت آنها در جستجوی اشکالی از یک شی قابل مشاهده با چشم بود که معنای درونی و پنهان آن را منتقل کند، هماهنگی بزرگی که همه چیز را در اطراف متحرک می کرد.
نقاشی ژاپنی اواخر قرون وسطی نه تنها از نظر جهت گیری های مختلف متمایز شد، بلکه سرشار از افراد خلاق اصلی و استعدادهای اصیل بود که آثارشان به با ارزش ترین دارایی فرهنگ ملی ژاپن تبدیل شد.
ما نمی توانیم هنرهای تزئینی و کاربردی ژاپن را از قرن 17 تا 19 نادیده بگیریم. از این گذشته ، این نه تنها در مورد نیازهای مادی مردم و ویژگی های روزمره می گوید، بلکه ایده ای از ارزش های معنوی مردم نیز می دهد. تکرار مداوم نقوش طبیعی در دکور سرامیک و چینی، ظروف لاکی و لباس با ویژگی های جهان بینی ژاپنی توضیح داده می شود که طبیعت و قوانین آن را بیانگر نظم جهانی می دانست. فرهنگ تحسین طبیعت طبیعی و دست ساز انسان از جمله چیزها و لباس های زیبا به قبل برمی گردد هیانعصر. ذنمربیان - "استادان چای" توانایی تعمق در یک شی ، دیدن زیبایی را در ظروف سرامیکی معمولی ، روزمره - ساده ، یک گلدان بامبو آموزش دادند. استادان چای چنین زیبایی را در محصولات محتاطانه و کمی خشن کشف کرده اند که به اصطلاح " شش اجاق گاز قدیمی ". محصولات کوره به طور کامل این زیبایی شناسی فرقه چای را تجسم می بخشد. شیگاراکی، ایگا، کاراتسو و راکو.
پر جنب و جوش ترین و جالب ترین دوره در توسعه هنرهای تزئینی در پایان قرن هفدهم و آغاز قرن هجدهم است. دوران رشد فرهنگی بالایی بود. با نام نونومورا نینسی، که در نیمه دوم قرن هفدهم کار می کرد، با گلدهی سرامیک ها با استفاده از رنگ های مینا همراه است. و آغاز قرن هفدهم با یک رویداد مهم در تاریخ هنرهای تزئینی و کاربردی ژاپن مشخص شد - تولید ظروف چینی با نقاشی با لعاب بیش از حد .
قرن هفدهم تا هجدهم - زمان ظهور تولید نساجی. شکل لباس ملی ژاپن به تدریج توسعه یافت و با شرایط آب و هوایی و ویژگی های روزمره این کشور همراه بود. لباس سنتی ژاپنی کیمونو- این لباس استاندارد است که از قرن 17 توسط نمایندگان تقریباً همه طبقات پوشیده شده است. نام قدیمی این لباس است kosode (« آستین بلند"). مهمترین عنصر لباس، کمربند اوبی است که هم اهمیت کاربردی و هم تزئینی دارد. روی کیمونو، هم مردان و هم زنان می‌توانستند لباس‌های کوتاه‌تری با طرح مشابه بپوشند. – هائوری. همه لباس ها به جشن تقسیم شدند ( هارگی) و هر روز ( فودانگی) از نظر مواد متفاوت است.

NETSKE- جاکلیدی، اثری از مجسمه‌سازی مینیاتوری.

کیمونوی سنتی ژاپنی جیب نداشت. و اگر زنان هنوز هم می توانستند چیزی را در قسمت دوخته شده آستین کیسه ای قرار دهند ، مردان از این راحتی محروم می شدند - آنها لباس مردانهآستین ها صاف هستند بنابراین، ژاپنی ها رسم حمل چیزهای کوچک را بر روی کمربند خود از چین وام گرفتند. کالای مورد نیاز را به یک طناب بسته بودند و سر دیگر توری را در کمربند می‌کشیدند و برای جلوگیری از لیز خوردن آن، یک جاکلیدی نتسوکه به آن وصل می‌کردند.

نتسوکه اولین بار در دایره المعارف ژاپنی "Kimmo Zui" منتشر شده در سال 1690 ذکر شد. شکل این نتسوکه ها شبیه یک کیک گرد از کلوچه های برنج بود. به عنوان یک قاعده، آنها از چوب ساخته شده بودند. کمی بعد، همچنین در قرن هفدهم، نتسوکه ظاهر شد که به شکل جعبه های لاکی ساخته شده بود.

گسترش سیگار در ژاپن انگیزه قابل توجهی برای تولید نتسوکه ایجاد کرد. نیاز بود که به طور مداوم مجموعه ای کامل از لوازم جانبی سیگار را با خود حمل کنید: پیپ، کیسه تنباکو، سنگ چخماق و غیره.

پس از لغو ممنوعیت روابط با چین در قرن هجدهم. علاقه به هنر کنده کاری چینی، که تأثیر زیادی بر مواد و موضوع نتسوکه داشت، به وجود آمد. عاج شروع به استفاده گسترده کرد - یک ماده جدید برای صنعتگران ژاپنی و جاکلیدی ها شخصیت هنر پلاستیکی مینیاتوری را به دست آوردند.

تصاویری از موضوعات مذهبی - بودایی و تائوئیستی - و چهره های گروتسک تجار چینی و اروپایی محبوبیت زیادی داشت. اروپایی ها با کلاه های باورنکردنی و بینی های بزرگ به تصویر کشیده شدند.

اندازه نتسوکه با ملاحظات کاملاً عملی تعیین می شود. آنهایی که خیلی کوچک بودند در کمربند جا نمی‌شدند و بزرگ‌ها برای پوشیدن ناخوشایند بودند. بنابراین اندازه های 2.5 تا 15 سانتی متر توسط خود زندگی پیشنهاد شده است. همچنین برای سهولت در پوشیدن، فیگورهای سه بعدی دارای یک طرف صاف بودند. در پشت، جاکلیدی ها سوراخی برای بند ناف داشتند یا از قسمت هایی از خود فیگور برای نگه داشتن آن استفاده می شد.

در ابتدا، ساخت نتسوکه شاخه خاصی از صنایع دستی نبود. این کار توسط همان صنعتگرانی انجام شد که در حکاکی ماسک های نمایشی، جزئیات معماری و تولید جواهرات تخصص داشتند. در سال 1781، تاجر شمشیر اوزاکا، Inaba Tsuryu، فهرستی از استادان نتسوکه از اوزاکا، کیوتو، ادو و چندین شهر دیگر تهیه کرد. همه آنها حرفه ای نبودند. به عنوان مثال، نام صنعتگر آماتور یوشیمورا شوزان، که به دلیل نتسوکه منحصر به فردش از چوب نقاشی شده به طور گسترده شناخته شده است، با احترام فراوان ذکر شده است. چنین نتسوکه های نقاشی شده معمولاً بسیار کمیاب هستند، به جز اینکه شاید به شکل خاصی به شکل اسباب بازی های محلی استان نارا طراحی شده باشند.

از صنعتگران ذکر شده در این فهرست، تنها حدود یک سوم مهر شخصی روی محصولات خود می گذارند، بنابراین نتسوکه قرن هجدهم. اغلب ناشناس فقط در آغاز قرن نوزدهم علامت گذاری روی نتسوکه به یک رسم تبدیل شد، اما پس از آن افراط دیگری به وجود آمد: کارآموزان علامت استاد را روی آثار خود که گاهی کاملاً موفق نبودند، می گذاشتند، که چیزی شبیه یک علامت تجاری بود.

اوج واقعی نتسوکه را می توان آغاز قرن نوزدهم دانست. نتسوکه شروع به سفارشات فردی کرد. ترکیب مینی پلاستیک ها پیچیده تر و پیچیده تر شده است. علاوه بر موضوعات مذهبی و اسطوره ای، تصاویری بر اساس زندگی شهری ظاهر شد: چهره های صنعتگران، بازیگران سرگردان، زنان در حال انجام کارهای خانه.نتسوکه های کوچک با کنده کاری های پیچیده پوشیده شده بودند.، که روی آن نقشه ژاپن یا نام تمام 53 ایستگاه در جاده توکیو به کیوتو بریده شده است و همه اینها روی دیسکی به قطر 2.5-3 سانتی متر قرار می گیرد. صنعتگران در حال تسلط بر مواد جدید - فلز، سرامیک - هستند. و ساخت جاکلیدی دو منظوره: به شکل چاقوهای مینیاتوری، زیرسیگاری، لوازم مراسم چایخوری و حتی ساعت.بسیاری از نتسوکه ها به شکل ماسک های نمایشی ساخته می شوند. ماسک‌هایی از تئاترهای بوگاکو، گیگاکو و نو وجود دارد که آنها نیز کاملاً خارق‌العاده هستند و از تخیل خالقشان زاده شده‌اند.

هنگامی که ژاپن قرن ها انزوا را از جهان خارج پایان داد، محبوبیت نتسوکه در میان ژاپنی ها کاهش یافت و با علاقه شدید به زندگی غربی و فرهنگ غربی جایگزین شد. اما آنها در بین اروپایی ها محبوبیت باورنکردنی پیدا کردند. مد برای جمع آوری آنها به قدری عالی بود که در خود ژاپن تقریباً هیچ نتسوکی از استادان قدیمی باقی نمانده بود و بهترین مجموعه ها اکنون در موزه های اروپا ، آمریکا و در دست صاحبان خصوصی غربی است.

مقاله در مورد Netsuke از وب سایت www.tomsk.fio.ru گرفته شده و با عکس هایی از Yandex تکمیل شده است.

دفعه بعد در موردش حرف میزنیم

از زمان های قدیم، هنر ژاپنی با خلاقیت فعال مشخص شده است. هنرمندان ژاپنی علیرغم وابستگی خود به چین، جایی که روندهای هنری و زیبایی شناسی جدید به طور مداوم ظهور می کرد، همیشه ویژگی های جدیدی را معرفی می کردند و هنر معلمان خود را تغییر می دادند و ظاهری ژاپنی به آن می بخشیدند.

تاریخ ژاپن به عنوان چنین شکلی فقط در پایان قرن پنجم شروع به شکل گیری می کند. اشیای نسبتا کمی که قدمت آنها به قرون گذشته (دوره باستانی) می رسد، کشف شده است، اگرچه برخی از یافته های بدست آمده در حفاری ها یا در حین کار ساخت و ساز نشان دهنده استعداد هنری قابل توجهی است.

دوره باستانی.

قدیمی ترین آثار هنر ژاپنی ظروف سفالی از نوع جومون (امپرسیون بند ناف) است. این نام از تزئین سطح با نقش های مارپیچی از بند ناف پیچیده شده در اطراف چوب هایی است که صنعتگر برای ساختن ظرف استفاده می کرد. شاید در ابتدا صنعتگران به طور تصادفی چاپ های بافته شده را کشف کردند، اما سپس شروع به استفاده عمدی از آنها کردند. گاهی اوقات فرهای گلی بند ناف مانند روی سطح چسبانده می شد و جلوه تزئینی پیچیده تری ایجاد می کرد که تقریباً یک تسکین بود. اولین مجسمه ژاپنی در فرهنگ جومون بوجود آمد. دوگو (به معنای "تصویر گلی") از یک شخص یا حیوان احتمالاً دارای اهمیت مذهبی است. تصاویر مردم، عمدتاً زنان، بسیار شبیه به الهه های گلی سایر فرهنگ های بدوی است.

تاریخ گذاری رادیوکربن نشان می دهد که برخی از یافته های فرهنگ جومون ممکن است به 6-5 هزار سال قبل از میلاد برگردد، اما قدمت آنقدر زود به طور کلی پذیرفته نشده است. البته چنین ظروفی در مدت زمان طولانی ساخته می شدند و اگرچه هنوز نمی توان قدمت دقیقی را تعیین کرد، اما سه دوره قابل تشخیص است. قدیمی ترین نمونه ها دارای پایه نوک تیز و تقریباً بدون تزئین هستند، به جز آثاری از ابزار سفالگری. ظروف دوره‌ی میانی دارای تزیینات غنی‌تر بوده و گاه با عناصر قالب‌بندی شده، جلوه‌ای از حجم را ایجاد می‌کنند. شکل ظروف دوره سوم بسیار متنوع است، اما تزئینات دوباره صاف و مهار می شود.

در حدود قرن دوم. قبل از میلاد مسیح. سرامیک Jomon جای خود را به سرامیک Yayoi داد که با فرم های برازنده، سادگی طراحی و کیفیت فنی بالا مشخص می شود. تکه ظرف نازک تر شد و زیور کمتر تجملی شد. این نوع تا قرن سوم رواج داشت. آگهی

از نظر هنری، شاید بهترین آثار دوره اولیه حنیوا، استوانه های گلی مربوط به قرن سوم تا پنجم باشد. آگهی از آثار بارز این دوران می توان به تپه ها یا تپه های عظیم، سازه های دفن امپراتوران و اشراف قدرتمند اشاره کرد. آنها اغلب از نظر اندازه بسیار بزرگ هستند و گواه قدرت و ثروت خانواده امپراتوری و درباریان هستند. ساخت چنین سازه ای برای امپراتور نینتوکو تنو (حدود 395-427 پس از میلاد) 40 سال به طول انجامید. بارزترین ویژگی این تپه ها، استوانه های سفالی حنیوا بود که آنها را مانند حصاری احاطه کرده بود. معمولاً این استوانه‌ها کاملاً ساده بودند، اما گاهی اوقات با پیکره‌های انسان تزئین می‌شدند، کمتر با مجسمه‌های اسب، خانه یا خروس. هدف آنها دو چیز بود: جلوگیری از فرسایش توده های عظیم زمین و تامین مایحتاج متوفی که در زندگی زمینی از آنها استفاده می کرد. به طور طبیعی، سیلندرها به یکباره در مقادیر زیادی تولید می شدند. تنوع مضامین، حالات چهره و ژست های فیگورهایی که آنها را تزئین می کند تا حد زیادی نتیجه بداهه پردازی استاد است. علیرغم این واقعیت که آنها آثار صنعتگران هستند تا نقاشان و مجسمه سازان، اما به عنوان یک هنر ژاپنی از اهمیت بالایی برخوردار هستند. ساختمان‌ها، اسب‌های پوشیده شده، خانم‌های نخست‌وزیر و جنگجویان تصویر جالبی از زندگی نظامی ژاپن فئودال اولیه ارائه می‌دهند. ممکن است نمونه اولیه این استوانه ها در چین ظاهر شده باشد، جایی که اشیاء مختلف مستقیماً در دفن ها قرار داده شده است، اما نحوه اجرا و روش استفاده از هانیوا متعلق به سنت محلی است.

دوره باستانی اغلب به عنوان زمانی عاری از آثار با سطح هنری بالا، زمان تسلط بر چیزهایی که عمدتاً ارزش باستان شناسی و قوم شناسی دارند، دیده می شود. با این حال، باید به خاطر داشت که آثار این فرهنگ اولیه به عنوان یک کل از حیات و حیات زیادی برخوردار بودند، زیرا اشکال آنها به عنوان ویژگی های ملی خاص هنر ژاپن در دوره های بعدی باقی ماندند و به حیات خود ادامه دادند.

دوره آسوکا

(552-710 م). معرفی بودیسم در اواسط قرن ششم. تغییرات چشمگیری در شیوه زندگی و تفکر ژاپنی ها ایجاد کرد و انگیزه ای برای توسعه هنر این دوره و دوره های بعدی شد. ورود بودیسم از چین از طریق کره به طور سنتی به سال 552 پس از میلاد مسیح مربوط می شود، اما احتمالاً قبلاً شناخته شده بود. در سال‌های اولیه، بودیسم با مخالفت‌های سیاسی، با مخالفت مذهب ملی شینتو مواجه شد، اما تنها چند دهه بعد این آیین جدید تأیید رسمی دریافت کرد و سرانجام تأسیس شد. بودیسم در سالهای اولیه ورودش به ژاپن یک دین نسبتاً ساده با تعداد کمی از خدایان بود که به تصاویر نیاز داشت، اما پس از حدود صد سال قدرت یافت و پانتئون به شدت رشد کرد.
در این دوره معابدی تأسیس شد که نه تنها در خدمت تبلیغ ایمان بودند، بلکه مراکز هنری و آموزشی بودند. صومعه-معبد در Horyuji یکی از مهم ترین برای مطالعه هنر اولیه بودایی است. در میان گنجینه های دیگر، مجسمه سه گانه بزرگ سیاکا نرای (623 پس از میلاد) وجود دارد. این اثر توری بوسی، اولین مجسمه‌ساز بزرگ ژاپنی که برای ما شناخته شده است، یک تصویر برنزی تلطیف‌شده شبیه به گروه‌های مشابه در معابد غار بزرگ چین است. ژست شاکی نشسته (رونویسی ژاپنی کلمه «شاکیامونی»، بودای تاریخی) و دو چهره ای که در دو طرف او ایستاده اند، کاملاً جلویی است. فرم‌های پیکره انسان با چین‌های متقارن سنگین لباس‌هایی که به صورت طرح‌واره طراحی شده‌اند پنهان شده‌اند و در چهره‌های کشیده صاف می‌توان خود جذبی و تفکر رویایی را احساس کرد. مجسمه این اولین دوره بودایی بر اساس سبک و نمونه های اولیه پنجاه سال قبل از سرزمین اصلی است. وفادارانه از سنت چینی پیروی می کند که از طریق کره به ژاپن آمده است.

برخی از مهم ترین مجسمه های این زمان از برنز ساخته می شدند، اما از چوب نیز استفاده می شد. دو مجسمه چوبی معروف ترین مجسمه های الهه Kannon هستند: Yumedono Kannon و Kudara Kannon، هر دو در Horyuji. آنها با لبخندهای باستانی و عبارات رویایی خود شیء پرستشی جذاب تری نسبت به سه گانه شاکی هستند. اگرچه فیگورهای کانن دارای چینش شماتیک و متقارن چین های لباس هستند، اما سبک تر و پر حرکت هستند. چهره های بلند و باریک بر معنویت چهره ها، مهربانی انتزاعی آن ها، دور از همه دغدغه های دنیوی، اما حساس به دعای دردمندان تأکید می کنند. مجسمه ساز تا حدودی به خطوط شکل کودارا کانن که توسط چین های لباس پنهان شده بود، توجه کرد و بر خلاف شبح دندانه دار یومدونو، حرکت هم شکل و هم پارچه به عمق هدایت می شود. در نمایه، Kudara Kannon یک طرح کلی S شکل برازنده دارد.

تنها نمونه بازمانده از نقاشی که ایده‌ای از سبک اوایل قرن هفتم به دست می‌دهد، نقاشی تاماموشی زوشی، "زیارتگاه بالدار" است. این زیارتگاه مینیاتوری نام خود را از بال‌های سوسک رنگین کمانی که در یک قاب فلزی سوراخ‌دار قرار گرفته‌اند، گرفته است. بعدها با ترکیبات مذهبی و فیگورهای شخصیت های فردی که با لاک رنگی ساخته شده بودند تزئین شد. مانند مجسمه های این دوره، برخی از تصاویر آزادی طراحی زیادی را نشان می دهند.

دوره نارا

(710-784). در سال 710 پایتخت به نارا منتقل شد، شهر جدیدی که از چانگان پایتخت چین الگوبرداری شده بود. خیابان های وسیع، کاخ های بزرگ و معابد بودایی متعدد وجود داشت. نه تنها بودیسم در تمام جنبه های آن، بلکه کل زندگی فرهنگی و سیاسی چین به عنوان الگویی برای پیروی تلقی می شد. شاید هیچ کشور دیگری در فرهنگ خود بیش از این احساس ناکافی نداشته باشد و یا تا این حد مستعد تأثیرات خارجی نباشد. علما و زائران آزادانه بین ژاپن و سرزمین اصلی رفت و آمد می‌کردند و زندگی دولتی و کاخ‌ها از سلسله تانگ چین الگوبرداری شد. با این حال، باید به یاد داشته باشیم که ژاپنی ها با وجود تقلید از نمونه های تانگ چین، به ویژه در هنر، با درک تأثیر و سبک آن، تقریباً همیشه فرم های خارجی را با فرم های خود تطبیق می دادند.

در مجسمه سازی، جلوه و تقارن دقیق دوره قبلی آسوکا جای خود را به فرم های آزادتر داد. توسعه ایده ها در مورد خدایان، افزایش مهارت فنی و آزادی استفاده از مواد به هنرمندان این امکان را می دهد که تصاویر مذهبی صمیمی و قابل دسترس تری خلق کنند. تأسیس فرقه های بودایی جدید پانتئون را گسترش داد و حتی قدیسان و بنیانگذاران بودیسم را نیز در بر گرفت. علاوه بر مجسمه های برنزی، تعداد زیادی آثار ساخته شده از چوب، خشت و لاک شناخته شده است. سنگ کمیاب بود و تقریباً هرگز برای مجسمه سازی استفاده نمی شد. لاک خشک مخصوصاً محبوب بود، شاید به این دلیل که علیرغم پیچیدگی فرآیند تهیه ترکیب، آثار ساخته شده از آن نسبت به لاک های چوبی چشمگیرتر به نظر می رسید و از محصولات سفالی که ساخت آن آسان تر بود، قوی تر بود. شکل‌های لاکی بر روی پایه‌های چوبی یا سفالی شکل می‌گرفتند که سپس برداشته می‌شد، یا روی تقویت‌کننده‌های چوبی یا سیمی. سبک و بادوام بودند علیرغم این واقعیت که این تکنیک مقداری استحکام در ژست ها را دیکته می کرد، آزادی زیادی در به تصویر کشیدن چهره ها مجاز بود، که تا حدی به توسعه چیزی که می توان آن را مجسمه پرتره نامید کمک کرد. به تصویر کشیدن چهره خدا مطابق با الزامات شدید قوانین بودایی انجام می شد، اما محبوبیت و حتی خدایی شدن برخی از بنیانگذاران و مبلغان ایمان فرصت های بسیار خوبی را برای انتقال شباهت پرتره فراهم کرد. این شباهت را می توان در مجسمه ساخته شده از لاک خشک پدرسالار چینی Genjin، مورد احترام در ژاپن، واقع در معبد Toshodaiji مشاهده کرد. جنجین هنگامی که در سال 753 به ژاپن رسید نابینا بود و چشمان بی‌بینا و حالت روشن فکری درونی او به زیبایی توسط مجسمه‌ساز ناشناس تسخیر شده است. این گرایش واقع گرایانه به وضوح در مجسمه چوبی واعظ کویا که توسط مجسمه ساز کوشو در قرن های 13 و 14 خلق شده بود، بیان شد. واعظ لباس گدای سرگردان با عصا، گونگ و پتک پوشیده است و از دهان نیمه بازش پیکرهای کوچک بودا بیرون می آید. مجسمه ساز که از تصویر راهب آوازخوان راضی نبود، تلاش کرد تا معنای درونی کلمات خود را بیان کند.
تصاویر بودا از دوره نارا نیز با رئالیسم بزرگ متمایز می شود. این معابد که برای تعداد روزافزونی از معابد ساخته شده‌اند، به‌اندازه پیشینیان خود سرد و محفوظ نیستند، زیبایی و نجابت بیشتری دارند و با عنایت بیشتری نسبت به مردمی که آنها را می‌پرستند مورد خطاب قرار می‌گیرند.

نقاشی های بسیار کمی از این زمان باقی مانده است. طرح چند رنگ روی کاغذ زندگی گذشته و حال بودا را به تصویر می کشد. این یکی از معدود نمونه های باستانی emakimono یا نقاشی طوماری است. طومارها به آرامی از راست به چپ باز می‌شدند و بیننده فقط می‌توانست از آن قسمتی از تصویر لذت ببرد که بین دستانی که طومار را باز می‌کردند، لذت برد. برخلاف طومارهای بعدی که بخشی از متن با یک تصویر توضیحی متناوب می شد، تصاویر مستقیماً بالای متن قرار گرفتند. در این قدیمی‌ترین نمونه‌های باقی‌مانده از نقاشی طومار، چهره‌های طرح‌ریزی شده در برابر منظره‌ای به سختی مشخص شده‌اند، با شخصیت مرکزی، در این مورد شاکا، در صحنه‌های مختلف ظاهر می‌شود.

هیان اولیه

(784-897). در سال 784 پایتخت به طور موقت به ناگائوکا منتقل شد، تا حدی برای جلوگیری از تسلط روحانیون بودایی نارا. در سال 794 برای مدت طولانی تری به هیان (کیوتو کنونی) نقل مکان کرد. اواخر قرن هشتم و نهم دوره ای بود که ژاپن با انطباق با ویژگی های خود، بسیاری از نوآوری های خارجی را با موفقیت جذب کرد. دین بودایی نیز با آداب و رسوم و آداب توسعه یافته خود، دوران تغییر، ظهور فرقه های جدید بودیسم باطنی را تجربه کرد. از این میان، تأثیرگذارترین فرقه‌های Tendai و Shingon بودند که از هند سرچشمه گرفتند، به چین رسیدند و از آنجا توسط دو دانشمند که پس از شاگردی طولانی به کشور خود بازگشتند، به ژاپن آورده شدند. فرقه شینگون ("کلمات واقعی") به ویژه در دربار محبوب بود و به سرعت موقعیت غالب را به دست آورد. صومعه های اصلی آن در کوه کویا در نزدیکی کیوتو قرار داشت. مانند دیگر مراکز مهم بودایی، آنها به مخزن مجموعه های عظیم هنری تبدیل شدند.

مجسمه قرن نهم بیشتر چوبی بود تصاویر خدایان با شدت و عظمت غیر قابل دسترس متمایز می شدند که با وقار ظاهر و انبوه آنها تأکید می شد. پارچه‌ها به طرز ماهرانه‌ای بر اساس الگوهای استاندارد بریده می‌شدند و روسری‌ها به صورت موجی قرار می‌گرفتند. شکل ایستاده شاکی از معبد موروجی نمونه ای از این سبک است. برای این و تصاویر مشابه قرن نهم. با کنده کاری های سفت و سخت با چین های عمیق تر، واضح تر و جزئیات دیگر مشخص می شود.

افزایش تعداد خدایان مشکلات بزرگی را برای هنرمندان ایجاد کرد. در ماندالاهای پیچیده و نقشه مانند (نقوش هندسی با معانی جادویی)، خدایان در یک سلسله مراتب در اطراف بودای مرکزی قرار گرفتند که خود تنها یکی از مظاهر امر مطلق بود. در این زمان، شیوه جدیدی از به تصویر کشیدن چهره های خدایان نگهبان احاطه شده توسط شعله های آتش، ظاهری وحشتناک، اما از نظر طبیعت مفید، ظاهر شد. این خدایان به طور نامتقارن قرار داشتند و در حالت های متحرک، با ویژگی های چهره مهیب، به شدت از ایمان در برابر خطرات احتمالی دفاع می کردند.

هیان میانی و پسین یا دوره فوجیوارا

(898-1185). انتقال پایتخت به هیان که با هدف طفره رفتن از خواسته های دشوار روحانیت صورت گرفت، باعث تغییراتی در نظام سیاسی نیز شد. اشراف یک نیروی مسلط بودند و نماینده ترین نمایندگان آن خانواده فوجیوارا بودند. دوره 10-12 قرن. اغلب با این نام همراه است. دوره ای از قدرت ویژه زمانی آغاز شد که به امپراتورهای واقعی "توصیه اکید" شد که امور ایالتی را برای انجام کارهای دلپذیرتر شعر و نقاشی کنار بگذارند. امپراتور تا زمانی که به سن بلوغ رسید، توسط یک نایب السلطنه سخت گیر - معمولاً از خانواده فوجیوارا - رهبری می شد. عصر تجمل و دستاوردهای چشمگیر در ادبیات، خوشنویسی و هنر بود. کسالت و احساسی در سراسر وجود داشت که به ندرت به عمق می رسید، اما در کل جذاب بود. پیچیدگی ظریف و گریز در هنر این زمان منعکس شد. حتی پیروان آیین بودا به دنبال راه های آسان تری بودند و پرستش بودای آسمانی، آمیدا، محبوبیت خاصی پیدا کرد. ایده هایی در مورد شفقت و فیض نجات آمیدا بودا عمیقاً در نقاشی و مجسمه سازی این دوره منعکس شد. انبوه و محدودیت مجسمه های قرن نهم. در قرن 10-11th. جای خود را به سعادت و جذابیت داد. خدایان به صورت رویایی، متفکرانه آرام به تصویر کشیده می شوند، کنده کاری عمیق تر می شود، سطح رنگارنگ تر می شود، با بافتی بسیار توسعه یافته. مهمترین آثار این دوره متعلق به جوچو مجسمه ساز است.
آثار هنرمندان همچنین ویژگی‌های نرم‌تری پیدا کردند، شبیه نقاشی‌های روی پارچه، و حتی خدایان وحشتناک - مدافعان ایمان - کمتر ترسناک شدند. سوتراها (متون بودایی) با طلا و نقره بر روی کاغذ آبی تیره نوشته شده بودند، خط زیبای متن اغلب با تصویر کوچکی همراه بود. محبوب‌ترین رشته‌های بودیسم و ​​خدایان مرتبط با آن، منعکس‌کننده ترجیحات اشراف و دور شدن تدریجی از آرمان‌های سخت‌گیرانه بودیسم اولیه است.

فضای این زمان و آثار او تا حدی با قطع روابط رسمی با چین در سال 894 مرتبط است. بودیسم در چین در این زمان تحت تعقیب قرار گرفت و دادگاه فاسد تانگ در وضعیت انحطاط قرار داشت. وجود جزیره ای منزوی که به دنبال این جدایی بود، ژاپنی ها را تشویق کرد که به فرهنگ خود روی آورند و سبک ژاپنی جدید و ناب تر را توسعه دهند. در واقع، نقاشی سکولار قرن 10-12. تقریباً کاملاً ژاپنی بود - هم از نظر تکنیک و هم در ترکیب و موضوعات. ویژگی متمایز این طومارهای ژاپنی که یاماتو-e نامیده می شود، غالب بودن موضوعات انجی (منشا، تاریخ) بود. در حالی که طومارهای چینی اغلب طبیعت وسیع و شگفت‌انگیزی، چشم‌اندازهای کوه‌ها، نهرها، صخره‌ها و درختان و مردم را به تصویر می‌کشیدند، اما در طومارهای روایی ژاپنی، نکته اصلی در نقاشی و متن شخص بود. منظره فقط نقش پس‌زمینه‌ای را ایفا می‌کرد که تابع شخصیت یا افراد اصلی بود. بسیاری از طومارها وقایع نگاری دستی از زندگی واعظان معروف بودایی یا شخصیت های تاریخی، سفرها و لشکرکشی های آنها بود. برخی دیگر از قسمت های عاشقانه از زندگی اشراف و درباریان گفتند.

سبک ظاهراً متمایز کتیبه‌های اولیه از طرح‌های جوهری ساده بر روی صفحات دفترچه‌های بودایی آمده است. اینها نقاشی‌های ماهرانه‌ای هستند که رفتار انسان را از طریق تصاویر حیوانات به تصویر می‌کشند: میمونی با لباس رهبانی که قورباغه‌ای باد کرده را می‌پرستد، رقابت بین خرگوش‌ها، میمون‌ها و قورباغه‌ها. این طومارها و دیگر طومارهای متاخر هیان به‌عنوان پایه‌ای برای طومارهای روایی پیچیده‌تر به سبک توسعه‌یافته قرن سیزدهم و چهاردهم عمل کردند.

دوره کاماکورا

(1185-1392). اواخر قرن دوازدهم تغییرات اساسی در زندگی سیاسی و مذهبی ژاپن و البته هنر آن ایجاد کرد. ظرافت و زیبایی شناسی دربار کیوتو جایگزین شد یا به سنت حکومت "ویژه" در قالب یک قانون جدید، خشن و شجاعانه - شوگونات کاماکورا - "اضافه شد". اگرچه پایتخت اسماً کیوتو باقی ماند، شوگون میناموتو نو یوریتومو (1199-1147) مقر خود را در شهر کاماکورا تأسیس کرد و تنها در 25 سال یک سیستم سفت و سخت از دیکتاتوری نظامی و فئودالیسم ایجاد کرد. آیین بودا، که چنان پیچیده و تشریفاتی شده بود که برای مردم عادی چندان قابل درک نبود، نیز دستخوش تغییرات عمده ای شد که نوید حمایت از هنر را نمی داد. فرقه یودو (سرزمین پاک)، شکلی از احترام به آمیدا بودا، تحت رهبری هونن شونین (1133-1212)، سلسله مراتب بوداها و خدایان را اصلاح کرد و به همه کسانی که به سادگی به آمیدا ایمان داشتند، امید نجات داد. این آموزه در مورد بهشتی که به راحتی قابل دستیابی است، بعداً توسط راهبی دیگر به نام شینران (1173-1262)، بنیانگذار فرقه شین، ساده شد، که تشخیص داد که اغماض آمیدا آنقدر زیاد است که نیازی به انجام اعمال مذهبی نیست، و صرفاً این افسون را تکرار می کند. نامو آمیدا بوتسو» (کلمه اول به معنای «اطاعت کردن» است؛ دو کلمه دوم «بودا آمیدا» هستند). این روش ساده برای نجات روح بسیار جذاب بود و اکنون میلیون ها نفر از آن استفاده می کنند. یک نسل بعد، واعظ مبارز نیچیرن (1222-1282)، که این فرقه به نام او نامگذاری شده است، این شکل ساده شده دین را کنار گذاشت. پیروان او به لوتوس سوترا احترام می گذاشتند که نوید نجات فوری و بی قید و شرط را نمی داد. موعظه های او اغلب موضوعات سیاسی را مورد توجه قرار می داد، و اعتقادات و اصلاحات پیشنهادی او در کلیسا و دولت برای طبقه جدید نظامی در کاماکورا جذاب بود. سرانجام، فلسفه ذن که در اوایل قرن هشتم ظهور کرد، در این دوره نقش مهمی را در اندیشه بودایی بازی کرد. ذن بر اهمیت مراقبه و تحقیر هر تصویری که ممکن است مانع از تلاش انسان برای اتحاد با خدا شود، تأکید کرد.

بنابراین، این زمانی بود که اندیشه مذهبی تعداد آثار نقاشی و مجسمه سازی را که قبلاً برای فرقه ضروری بود محدود می کرد. با این وجود، برخی از بهترین آثار هنر ژاپنی در دوره کاماکورا خلق شدند. انگیزه، عشق ذاتی ژاپنی ها به هنر بود، اما کلید راه حل در نگرش مردم به عقاید جدید نهفته است، نه در تعصبات به این شکل. در واقع، خود آثار دلیل خلق آنها را نشان می دهند، زیرا بسیاری از این مجسمه ها و نقاشی های سرشار از زندگی و انرژی پرتره هستند. اگرچه فلسفه ذن ممکن است اشیاء مذهبی معمولی را مانعی در راه روشنگری بداند، سنت تکریم معلمان کاملاً قابل قبول بود. یک پرتره به خودی خود نمی تواند مورد عبادت باشد. این نگرش نسبت به پرتره نه تنها ویژگی بودیسم ذن بود: بسیاری از وزرای فرقه سرزمین پاک تقریباً مانند خدایان بودایی مورد احترام بودند. به لطف پرتره، یک فرم معماری جدید حتی ظاهر شد - mieido یا کلیسای پرتره. توسعه سریع رئالیسم کاملاً مطابق با روح زمان بود.
اگرچه پرتره‌های زیبای کشیش‌ها در واقع تصاویری از افراد خاص بود، اما اغلب نقاشی‌هایی بود که بنیان‌گذاران چینی بودیسم را به تصویر می‌کشیدند. آنها در حال موعظه، دهان باز، دستانشان در حال اشاره به تصویر کشیده شدند. گاهی اوقات راهبان دلسوز به تصویر کشیده می شدند که سفری دشوار برای شکوه ایمان داشتند.

یکی از محبوب ترین موضوعات رایگو (ورود مورد نظر) بود که بودا آمیدا را با همراهانش در حال فرود آمدن بر روی ابر برای نجات روح یک مؤمن در بستر مرگ و انتقال آن به بهشت ​​نشان می داد. رنگ‌های چنین تصاویری اغلب با استفاده از طلا تقویت می‌شد و خطوط مواج، شنل‌های روان و ابرهای در حال چرخش حس حرکت را به نزول بودا می‌داد.

Unkei که در نیمه دوم قرن 12 و اوایل قرن 13 فعال بود، نویسنده نوآوری بود که کنده کاری روی چوب را تسهیل کرد، که ماده مورد علاقه مجسمه سازان در دوره کاماکورا باقی ماند. قبلاً استاد با اندازه و شکل کنده یا چوبی که شکل از آن بریده شده بود محدود می شد. بازوها و عناصر لباس به طور جداگانه اعمال می شدند، اما قطعه تمام شده اغلب شبیه شکل استوانه ای اصلی بود. در روش جدید، ده‌ها قطعه کوچک با دقت در کنار هم قرار می‌گرفتند تا یک هرم توخالی را تشکیل دهند، که سپس کارآموزان می‌توانستند تقریباً شکلی از آن بتراشند. مجسمه ساز مواد انعطاف پذیرتر و توانایی ایجاد فرم های پیچیده تر را در اختیار داشت. نگهبانان عضلانی معبد و خدایان در شنل‌ها و لباس‌های روان زنده‌تر به نظر می‌رسیدند، همچنین به این دلیل که کریستال یا شیشه در حدقه چشم آنها فرو می‌رفت. مجسمه ها شروع به تزئین با برنز طلایی کردند. با خشک شدن چوب، سبک‌تر می‌شوند و کمتر ترک می‌خورند. مجسمه چوبی فوق الذکر کویا شونین، توسط کوشو، پسر انکی، بالاترین دستاورد رئالیسم دوران کاماکورا را در مجسمه سازی پرتره نشان می دهد. در واقع، مجسمه سازی در این زمان به اوج پیشرفت خود رسید و متعاقباً دیگر چنین جایگاه برجسته ای در هنر نداشت.

نقاشی سکولار نیز روح زمان را منعکس می کرد. طومارهای روایی اواخر دوره هیان، با رنگ‌های محدود و خطوط برازنده، درباره گریزهای عاشقانه شاهزاده جنجی یا سرگرمی‌های زنان گوشه‌نشین دربار حکایت می‌کرد. اکنون، هنرمندان عصر کاماکورا، با رنگ‌های روشن و ضربه‌های قلم‌موی پرانرژی، نبردهای قبیله‌های متخاصم، کاخ‌هایی که در شعله‌های آتش فرو رفته بودند و مردم وحشت‌زده در حال فرار از نیروهای مهاجم را به تصویر می‌کشند. حتی زمانی که تاریخ دینی بر روی طومار آشکار می شد، این تصویر به اندازه ای نماد نبود، بلکه ثبت تاریخی سفرهای مردان مقدس و معجزاتی بود که انجام می دادند. در طراحی این صحنه ها می توان عشق فزاینده به طبیعت و تحسین مناظر بومی را تشخیص داد.

دوره موروماچی یا آشیکاگا

(1392-1568). در سال 1392، پس از بیش از 50 سال نزاع، سومین شوگان خانواده آشیکاگا، یوشیمیتسو (1358-1408) کشور را دوباره متحد کرد. مقر حکومت دوباره به پایتخت اسمی کیوتو تبدیل شد، جایی که شوگان آشیکاگا قصرهای خود را در محله موروماچی ساختند. (این دوره گاهی موروماچی یا آشیکاگا نامیده می شود.) زمان جنگ به بسیاری از معابد - مخازن هنر ژاپنی که همراه با گنجینه های واقع در آنجا سوزانده شده بودند - دریغ نکرد. کشور به طرز وحشیانه ای ویران شد و حتی صلح نیز تسکین چندانی را به همراه نداشت ، زیرا قبیله های متخاصم با دستیابی به موفقیت ، به میل خود لطف کردند. به نظر می رسد که وضعیت برای توسعه هنر بسیار نامطلوب بود، اما در واقع شوگان های آشیکاگا از آن حمایت کردند، به ویژه در قرن های 15 و 16، زمانی که نقاشی شکوفا شد.

مهم‌ترین پدیده هنری این زمان، نقاشی‌های تک رنگ با جوهر شاعرانه بود که توسط ذن بودیسم تشویق می‌شد و تحت تأثیر نمونه‌های چینی سلسله‌های سونگ و یوان بود. در طول سلسله مینگ (1368-1644)، تماس ها با چین تجدید شد و یوشیمیتسو، مجموعه دار و حامی هنرها، جمع آوری و مطالعه نقاشی های چینی را تشویق کرد. الگو و نقطه شروعی برای هنرمندان با استعدادی شد که مناظر، پرندگان، گلها، تصاویر روحانیون و حکیمان را با قلم موهای سبک و روان نقاشی می کردند. نقاشی ژاپنی این زمان با صرفه جویی در خط مشخص می شود. به نظر می رسد هنرمند ماهیت طرح تصویر شده را استخراج می کند و به بیننده اجازه می دهد آن را با جزئیات پر کند. انتقال جوهر خاکستری و سیاه براق در این نقاشی ها بسیار نزدیک به فلسفه ذن است که مطمئناً الهام بخش نویسندگان آنها بوده است. اگرچه این عقیده تحت حکومت نظامی کاماکورا به نفوذ قابل توجهی دست یافت، اما در قرن 15 و 16، زمانی که صومعه‌های ذن متعدد به وجود آمد، به سرعت گسترش یافت. که عمدتاً ایده «رستگاری خود» را موعظه می کرد، نجات را به بودا ربط نمی داد، بلکه برای دستیابی به یک «روشنگری» شهودی ناگهانی که او را با امر مطلق متحد می کند، بیشتر بر انضباط نفس شدید فرد تکیه داشت. استفاده مقرون به صرفه اما جسورانه از جوهر و ترکیب نامتقارن، که در آن بخش‌های بدون رنگ کاغذ نقش مهمی در تصویرسازی مناظر ایده‌آل، حکیمان و دانشمندان ایفا می‌کرد، با این فلسفه سازگار بود.

یکی از مشهورترین شارحان سومی ای، سبکی از نقاشی با جوهر تک رنگ، سشو (1420-1506)، کشیش ذن بود که زندگی طولانی و پربارش باعث احترام طولانی مدت او شد. در پایان عمر، او شروع به استفاده از سبک هابوکو (جوهر سریع) کرد، که بر خلاف سبک بالغ، که نیاز به ضربه‌های روشن و اقتصادی داشت، سنت نقاشی تک رنگ را تقریباً به انتزاع رساند.
همین دوره نشان دهنده فعالیت خانواده هنرمندان کانو و توسعه سبک آنهاست. از نظر انتخاب موضوعات و استفاده از جوهر به زبان چینی نزدیک بود اما از لحاظ بیانی ژاپنی باقی ماند. کانو، با حمایت شوگونات، به مدرسه "رسمی" یا سبک هنری نقاشی تبدیل شد و تا قرن نوزدهم شکوفا شد.

سنت ساده لوحانه یاماتو در آثار مکتب توسا، دومین جنبش مهم نقاشی ژاپنی، ادامه یافت. در واقع، در این زمان هر دو مدرسه، کانو و توسا، از نزدیک به هم مرتبط بودند، آنها با علاقه به زندگی مدرن متحد شدند. موتونوبو کانو (1476-1559)، یکی از هنرمندان برجسته این دوره، نه تنها دخترش را به عقد هنرمند معروف توسا درآورد، بلکه به شیوه او نقاشی می‌کرد.

در قرن 15-16. فقط چند اثر مجسمه سازی قابل توجه ظاهر شد. با این حال، باید توجه داشت که توسعه درام نو، با انواع حالات و احساسات آن، زمینه جدیدی از فعالیت را برای مجسمه سازان باز کرد - آنها ماسک هایی را برای بازیگران حک کردند. در درام کلاسیک ژاپنی که توسط اشراف و برای اشراف اجرا می شد، بازیگران (یک یا چند نفر) ماسک می زدند. آنها طیف وسیعی از احساسات را از ترس، اضطراب و سردرگمی تا شادی محدود را منتقل کردند. برخی از نقاب ها به قدری زیبا حکاکی شده بودند که کوچکترین چرخش سر بازیگر باعث تغییرات ظریف در بیان احساسات می شد. نمونه‌های قابل توجهی از این ماسک‌ها سال‌ها در خانواده‌هایی که برای اعضای آن ساخته می‌شد نگهداری می‌شد.

دوره مومویاما

(1568-1615). در سال 1593، دیکتاتور نظامی بزرگ هیدیوشی، قلعه خود را بر روی مومویاما، «تپه هلو» بنا کرد و به این نام، دوره 47 ساله از سقوط شوگونات آشیکاگا تا تأسیس توکوگاوا یا ادو در سال 1615 به طور کلی بود. این زمان تسلط یک طبقه نظامی کاملاً جدید بود که ثروت فراوان آن به شکوفایی هنر کمک کرد. قلعه‌های چشمگیر با سالن‌های وسیع تماشاگران و راهروهای طولانی در اواخر قرن شانزدهم مد شدند. و خواستار تزیینات متناسب با عظمت آنها شد. زمان مردمان سختگیر و شجاع بود و حامیان جدید، بر خلاف اشراف قبلی، علاقه خاصی به فعالیت های فکری یا ظرافت های صنعتگری نداشتند. خوشبختانه نسل جدید هنرمندان کاملاً با حامیان خود سازگار بودند. در این دوره، صفحه های فوق العاده و پانل های متحرک در رنگ های زرشکی روشن، زمردی، سبز، بنفش و آبی ظاهر شد. چنین رنگ‌ها و اشکال تزیینی، غالباً روی زمینه طلایی یا نقره‌ای، برای صد سال بسیار محبوب بودند و سازندگان آنها به درستی «دکوراتورهای بزرگ» نامیده می‌شدند. به لطف ذائقه ظریف ژاپنی، سبک مجلل به ابتذال تبدیل نشد و حتی زمانی که خویشتن داری و دست کم گرفتن جای خود را به زیاده روی تجملات و تزئینی داد، ژاپنی ها موفق شدند ظرافت را حفظ کنند.

ایتوکو کانو (1543-1590)، یکی از اولین هنرمندان بزرگ این دوره، به سبک کانو و توسا کار کرد و ایده های ترسیم اولی را گسترش داد و آنها را با غنای رنگ های دومی ترکیب کرد. اگرچه تنها چند اثر باقی مانده است که با اطمینان می توان آنها را به ایتوکو نسبت داد، اما او را یکی از بنیانگذاران سبک مومویاما می دانند و بیشتر هنرمندان این دوره از شاگردان او بوده و یا تحت تأثیر او بوده اند.

دوره ادو یا توکوگاوا

(1615-1867). دوره طولانی صلحی که به دنبال ژاپن تازه متحد شده بود، یا زمان توکوگاوا، پس از نام خانوادگی حاکم، یا ادو (توکیوی امروزی) نامیده می شود، زیرا در سال 1603 این شهر به مرکز جدید قدرت تبدیل شد. دو ژنرال معروف دوره کوتاه مومویاما، اودا نوبوناگا (1534-1582) و تویوتومی هیده یوشی (1536-1598)، با اقدام نظامی و دیپلماسی، سرانجام توانستند قبایل قدرتمند و روحانیون مبارز را با هم آشتی دهند. با مرگ هیده یوشی در سال 1598، قدرت به ایه یاسو توکوگاوا (1542-1616) رسید که فعالیت های مشترک آغاز شده را تکمیل کرد. نبرد سرنوشت ساز سکیگاهارا در سال 1600 موقعیت ایه یاسو را تقویت کرد؛ سقوط قلعه اوسکا در سال 1615 با فروپاشی نهایی خانه هیده یوشی و استقرار حکومت تقسیم ناپذیر شوگونات توکوگاوا همراه بود.

سلطنت صلح آمیز توکوگاوا 15 نسل به طول انجامید و تنها در قرن 19 پایان یافت. این دوره عمدتاً یک دوره سیاست "درهای بسته" بود. فرمان 1640 خارجی ها را از ورود به ژاپن منع کرد و ژاپنی ها نمی توانستند به خارج از کشور سفر کنند. تنها ارتباط تجاری و فرهنگی با هلندی ها و چینی ها از طریق بندر ناکازاکی بود. مانند سایر دوره‌های انزوا، در پایان قرن هفدهم، احساسات ملی افزایش یافت و ظهور کرد. به اصطلاح مکتب ژانر نقاشی و حکاکی.
پایتخت به سرعت در حال رشد ادو نه تنها به مرکز زندگی سیاسی و تجاری امپراتوری جزیره، بلکه به مرکز هنر و صنایع دستی تبدیل شد. الزام به حضور دایمیوها، اربابان فئودال استانی، برای قسمت معینی از هر سال در پایتخت، نیاز به ساختمان‌های جدید از جمله کاخ‌ها و در نتیجه هنرمندانی برای تزئین آنها را ایجاد می‌کرد. در همان زمان، طبقه نوظهور بازرگانان ثروتمند اما غیر اشرافی، حمایت های جدید و اغلب غیرحرفه ای را برای هنرمندان فراهم کردند.

هنر اوایل دوره ادو تا حدودی به سبک مومویاما ادامه داده و توسعه می دهد و تمایلات آن را به سمت تجمل و شکوه تقویت می کند. غنای تصاویر عجیب و غریب و چند رنگی که از دوره قبل به ارث رسیده است همچنان در حال توسعه است. این سبک تزئینی در ربع آخر قرن هفدهم به اوج خود رسید. در به اصطلاح دوران جنروکو دوره توکوگاوا (1688-1703). در هنر تزیینی ژاپنی، هیچ شباهتی در اسراف و غنای رنگ و نقوش تزئینی در نقاشی، پارچه، لاک و جزئیات هنری - ویژگی های سبک زندگی مجلل - ندارد.

از آنجایی که ما در مورد یک دوره نسبتاً متأخر تاریخ صحبت می کنیم، جای تعجب نیست که نام بسیاری از هنرمندان و آثار آنها حفظ شده است. در اینجا می توان تنها چند مورد از برجسته ترین آنها را نام برد. از نمایندگان مکتب تزئینی که در دوره های مومویاما و ادو کار و زندگی می کردند می توان به هونامی کوتسو (1558-1637) و نونومورا سوتاتسو (متوفی 1643) اشاره کرد. کار آنها حس قابل توجهی از طراحی، ترکیب و رنگ را نشان می دهد. کوتسو، سرامیک دان با استعداد و هنرمند لاکی، به خاطر زیبایی خط خود شهرت داشت. آنها به همراه سوتاتسو اشعاری را روی طومارها خلق کردند که در آن زمان مد بود. در این ترکیب از ادبیات، خوشنویسی و نقاشی، تصاویر تصاویر ساده ای نبودند: آنها حالتی را مطابق با درک متن ایجاد یا پیشنهاد می کردند. اوگاتا کورین (1658-1716) یکی از وارثان سبک تزئینی بود و به همراه برادر کوچکترش اوگاتا کنزان (1663-1743) تکنیک آن را به کمال رساند. کنزان که بیشتر به عنوان یک سرامیست شناخته می شود تا یک هنرمند، ظروفی را با طرح های برادر بزرگتر معروف خود شلیک می کند. احیای این مدرسه در آغاز قرن نوزدهم. شاعر و هنرمند Sakai Hoitsu (1761-1828) آخرین موج سبک تزئینی بود. طومارها و صفحه‌های زیبای هوریتسو حس طراحی کورین را با علاقه به طبیعت ذاتی در طبیعت‌گرایی مکتب مارویاما، که در غنای رنگ‌ها و نقوش تزئینی مشخصه دوره پیشین، که با شکوه و ظرافت قلم‌زنی تعدیل شده بود، تلفیق کرد.

در کنار سبک تزئینی چند کروم، نقاشی مرکب سنتی مکتب کانو همچنان محبوب بود. در سال 1622، کانو تانیو (1602-1674) نقاش درباری به سمت شوگان منصوب شد و به ادو احضار شد. با انتصاب او به این سمت و تأسیس مکتب نقاشی کانو در ادو، در کوبیکیتو، یک دوره نیم قرنی رهبری هنری این سنت آغاز شد که خانواده کانو را به جایگاه برجسته ای بازگرداند و آثار دوره ادو مهم ترین دوره در نقاشی کانو است. با وجود محبوبیت پرده های رنگ آمیزی شده با طلا و رنگ های روشن ایجاد شده توسط "دکوراتورهای بزرگ" و رقبا، تانیو، به لطف استعداد و موقعیت رسمی خود، توانست نقاشی مدرسه احیا شده کانو را در میان اشراف محبوب کند. به ویژگی های سنتی مکتب کانو، تانیو قدرت و سادگی را بر اساس یک خط شکسته سفت و سخت و چیدمان متفکرانه عناصر ترکیبی روی یک سطح آزاد بزرگ اضافه کرد.

یک جهت جدید، که ویژگی اصلی آن علاقه به طبیعت بود، در پایان قرن 18 شروع به غلبه کرد. مارویاما اوکیو (1733-1795)، رئیس مدرسه جدید، دهقان بود، سپس روحانی و سرانجام هنرمند شد. دو مطالعه اول نه شادی و نه موفقیت را برای او به ارمغان آورد، اما به عنوان یک هنرمند به ارتفاعات زیادی رسید و بنیانگذار مکتب واقع گرایانه مارویاما به حساب می آید. او نزد استاد مدرسه کانو، ایشیدا یوتی (متوفی حدود 1785) تحصیل کرد. او بر اساس حکاکی های وارداتی هلندی، تکنیک غربی تصویرسازی پرسپکتیو را آموخت و گاهی اوقات به سادگی از این حکاکی ها کپی می کرد. او همچنین سبک های چینی را از سلسله های سونگ و یوان، از جمله سبک ظریف و واقع گرایانه چن ژوان (1235-1290) و شن نانپینگ مطالعه کرد. دومی در آغاز قرن 18 در ناکازاکی زندگی می کرد. اوکیو آثار زیادی از زندگی ساخت و مشاهدات علمی او مبنایی برای درک طبیعتی بود که مکتب مارویاما بر آن بنا شده بود.

علاوه بر علاقه به طبیعت گرایی در قرن هجدهم. تأثیر سنت هنری چینی تجدید شد. نمایندگان این گرایش به سمت مکتب تصویری هنرمندان-دانشمندان دوران مینگ (1368-1644) و چینگ (1644-1912) گرایش پیدا کردند، اگرچه احتمالاً ایده های آنها در مورد وضعیت مدرن هنر در چین محدود بود. هنر این مکتب ژاپنی بوجینگا (هنر افراد تحصیل کرده) نام داشت. یکی از تأثیرگذارترین اساتیدی که در سبک بوجینگا کار می کرد، ایکنو تایگا (1723-1776) هنرمند و خوشنویس مشهور بود. سبک بالغ او با خطوط ضخیم کانتور پر از سکته‌های سبک پر از رنگ‌های روشن و جوهر مشخص می‌شود. او همچنین با خطوط پهن و آزاد جوهر سیاه نقاشی می‌کرد و تنه‌های بامبو را که در باد و باران خم شده بودند، به تصویر می‌کشید. او با خطوط کوتاه و منحنی، به جلوه ای حکاکی مانند در به تصویر کشیدن کوه های مه آلود بر فراز دریاچه ای احاطه شده توسط جنگل دست یافت.
قرن 17 یکی دیگر از جنبش های هنری قابل توجه دوره ادو متولد شد. اینها به اصطلاح ukiyo-e (تصاویر یک جهان در حال تغییر) هستند - صحنه های ژانری که توسط و برای مردم عادی ایجاد شده اند. اوکیوهای اولیه در پایتخت قدیمی کیوتو ظاهر شدند و عمدتاً زیبا بودند. اما مرکز تولید آنها به زودی به ادو منتقل شد و توجه صنعتگران به حکاکی روی چوب معطوف شد. ارتباط نزدیک چاپ های چوبی با ukiyo-e منجر به این تصور غلط شده است که چاپ های چوبی کشف این دوره بوده است. در واقع در قرن یازدهم به وجود آمد. چنین تصاویر اولیه ماهیت نذری داشتند و بنیان‌گذاران بودیسم و ​​خدایان را به تصویر می‌کشیدند و در دوره کاماکورا، برخی از طومارهای روایی از بلوک‌های حکاکی شده بازتولید می‌شدند. با این حال، هنر حکاکی در دوره از اواسط قرن 17 تا 19 محبوبیت خاصی پیدا کرد.

موضوعات پرینت های ukiyo-e زنان زیبای محله های شاد، بازیگران مورد علاقه و صحنه هایی از درام بودند. اوایل، به اصطلاح حکاکی های ابتدایی به رنگ سیاه و با خطوط مواج ریتمیک قوی اجرا می شدند و با طرح های ساده مشخص می شدند. گاهی اوقات آنها را با رنگ قرمز نارنجی به نام tan-e (نقاشی قرمز روشن) با نشانه هایی از زرد خردلی و سبز رنگ می کردند. برخی از هنرمندان «ابتدایی» از نقاشی دستی به نام urushu-e (نقاشی لاکی) استفاده می کردند که در آن نواحی تیره با افزودن چسب افزایش یافته و روشن می شد. چاپ چند رنگ اولیه که در سال 1741 یا 1742 ظاهر شد، benizuri-e (چاپ تمشکی) نامیده می شد و معمولاً از سه رنگ - رز قرمز، سبز و گاهی اوقات زرد استفاده می کرد. چاپ های واقعاً چند رنگ، با استفاده از کل پالت و به نام nishiki-e (تصاویر بروکات)، در سال 1765 ظاهر شدند.

علاوه بر خلق آثار چاپی، بسیاری از حکاکی‌ها کتاب‌ها را به تصویر می‌کشیدند و با تولید تصاویر وابسته به عشق شهوانی در کتاب‌ها و طومارها، درآمد کسب کردند. باید در نظر داشت که حکاکی ukiyo-e از سه نوع فعالیت تشکیل می شد: این کار نقشه کش بود که نامش چاپ بود، منبت کار و چاپگر.

هیشیکاوا مورونوبو (حدود 1625-1694) بنیانگذار سنت خلق چاپ های ukiyo-e در نظر گرفته می شود. دیگر هنرمندان «ابتدایی» این جنبش کیوماسو (1694-1716) و گروه کایگتسودو (جامعه عجیبی از هنرمندان که وجودشان نامشخص است) و همچنین اوکومورا ماسانوبو (1686-1764) هستند.

هنرمندان انتقالی که چاپ بنزوری را خلق کردند عبارتند از: Ishikawa Toyonobu (1711-1785)، Torii Kiyohiro (حدود 1751-1760 فعال)، و Torii Kiyomitsu (1735-1785).

آثار سوزوکی هارونوبو (1725-1770) عصر حکاکی چند کروم را آغاز کرد. پر از رنگ‌های ملایم و تقریباً خنثی، پر از خانم‌های برازنده و عاشقان شجاع، پرینت‌های هارونوبو موفقیت بزرگی بود. کاتسوکاوا شونشو (1726-1792)، توری کیناگا (1752-1815) و کیتاگاوا اوتامارو (1753-1806) تقریباً در همان زمان با او کار کردند. هر یک از آنها در توسعه این ژانر سهیم بودند. استادان حکاکی هایی را که زیبایی های برازنده و بازیگران مشهور را به تصویر می کشیدند به کمال رساندند. در طی چند ماه در سال‌های 1794-1795، توسوسای ساراکو مرموز پرتره‌های بسیار قدرتمند و بی‌رحمانه‌ای از بازیگران آن روز خلق کرد.

در دهه های اول قرن نوزدهم. این ژانر به بلوغ رسیده بود و رو به افول بود. کاتسوشیکا هوکوسای (1760-1849) و آندو هیروشیگه (1797-1858) بزرگترین استادان این دوره هستند که آثارشان افول هنر حکاکی در قرن نوزدهم را به هم مرتبط می کند. و احیای جدید آن در آغاز قرن بیستم. هر دو عمدتاً نقاشان منظره بودند که وقایع زندگی مدرن را در حکاکی های خود ثبت می کردند. تسلط درخشان بر تکنیک‌های منبت‌کاران و چاپخانه‌ها این امکان را فراهم می‌آورد که در حکاکی خطوط عجیب و غریب و کوچک‌ترین سایه‌های غروب خورشید یا مه طلوع در سپیده‌دم منتقل شود.

مرمت میجی و دوره مدرن.

اغلب اتفاق می افتد که هنر باستانی یک قوم خاص از نظر نام، تاریخ و آثار باقی مانده ضعیف است، بنابراین هر گونه قضاوتی فقط با احتیاط و مشروط بسیار انجام می شود. با این حال، قضاوت در مورد هنر معاصر کمتر دشوار نیست، زیرا ما از دیدگاه تاریخی برای ارزیابی درست مقیاس هر جنبش یا هنرمند و آثار او محروم هستیم. مطالعه هنر ژاپن نیز از این قاعده مستثنی نیست و بیشترین کاری که می توان انجام داد ارائه نمایی از هنر معاصر و نتیجه گیری اولیه آزمایشی است.

در نیمه دوم قرن نوزدهم. بنادر ژاپن برای تجارت بازگشایی شدند و تغییرات عمده ای در صحنه سیاسی رخ داد. در سال 1868، شوگونات لغو شد و حکومت امپراتور میجی احیا شد. پایتخت رسمی و اقامتگاه امپراتور به ادو منتقل شد و خود شهر به توکیو (پایتخت شرقی) معروف شد.

همانطور که در گذشته اتفاق افتاده بود، پایان انزوای ملی علاقه زیادی به دستاوردهای سایر ملل ایجاد کرد. در این زمان ژاپنی ها جهشی عظیم در زمینه علم و فناوری انجام دادند. از نظر هنری، آغاز دوران میجی (1868-1912) نشان دهنده پذیرش همه چیز غربی از جمله فناوری است. با این حال، این غیرت زیاد دوام نیاورد و دوره‌ای از همگون‌سازی را به دنبال داشت، ظهور اشکال جدیدی که بازگشت به سنت‌های خود و روندهای جدید غربی را ترکیب می‌کرد.

هنرمندان برجسته عبارتند از کانو هوگای (1828-1888)، شیمومورا کانزان (1873-1916)، تاکوچی سیهو (1864-1924) و تومیکا تسایی (1836-1942). سه نفر اول به سبک سنتی و موضوع ژاپنی پایبند بودند، اگرچه سعی کردند از نظر خلق و خو و تکنیک اصلی باشند. برای مثال سیهو در فضای آرام و محافظه کار کیوتو کار می کرد. آثار اولیه او به سبک ناتورالیستی مارویاما خلق شدند، اما بعداً او سفرهای زیادی به چین کرد و عمیقاً تحت تأثیر نقاشی با جوهر چینی قرار گرفت. سفرهای او به موزه ها و مراکز هنری برجسته در اروپا نیز اثری بر آثار او بر جای گذاشت. از تمام هنرمندان برجسته این زمان، تنها یک Tomioka Tessai به توسعه یک سبک جدید نزدیک شد. آثار پرانرژی و قدرتمند او خطوط خشن، پیچ خورده، ناهموار و لکه هایی از جوهر سیاه را با نواحی ظریف رنگی ترکیب می کند. در سال‌های بعد، برخی از نقاشان جوان در جایی موفق شدند که پدربزرگ‌هایشان شکست خورده بودند. اولین تلاش‌ها برای کار با این ماده غیرمعمول یادآور بوم‌های پاریسی بود و با ارزش ویژه یا ویژگی‌های خاص ژاپنی متمایز نشدند. با این حال، اکنون آثاری با جذابیت استثنایی ساخته می‌شوند که در آن‌ها حس رنگ و متانت ژاپنی از طریق مضامین انتزاعی می‌درخشد. هنرمندان دیگر با کار با جوهر طبیعی و سنتی تر و گاه با استفاده از خوشنویسی به عنوان موتیف اولیه، آثار انتزاعی پرانرژی را در مشکی درخشان با سایه های خاکستری خلق می کنند.

مانند دوره ادو، در قرن 19 و 20. مجسمه محبوب نبود. اما حتی در این زمینه، نمایندگان نسل مدرن که در آمریکا و اروپا تحصیل کردند، بسیار موفق عمل کردند. مجسمه‌های کوچک برنزی، به شکل انتزاعی و با نام‌های عجیب، حس خط و رنگ ژاپنی را نشان می‌دهند که در استفاده از پتینه‌های سبز ملایم یا قهوه‌ای گرم مشهود است. کنده کاری چوب نشان دهنده عشق ژاپنی ها به بافت مواد است.

Sosaku hanga، "چاپ خلاقانه" ژاپنی، تنها در دهه اول قرن بیستم ظاهر شد، اما به عنوان یک جنبش هنری خاص، تمام حوزه های دیگر هنر مدرن را تحت الشعاع قرار داد. این چاپ بلوک چوبی مدرن، به طور دقیق، جانشین چاپ بلوک چوبی قدیمی ukiyo-e نیست. آنها در سبک، موضوعات و روش های خلقت متفاوت هستند. هنرمندانی که بسیاری از آنها به شدت تحت تأثیر نقاشی غربی بودند، به اهمیت میراث هنری خود پی بردند و در چوب ماده ای مناسب برای بیان ایده آل های خلاقانه خود یافتند. استادان هانگا نه تنها نقاشی می کنند، بلکه تصاویر را روی بلوک های چوبی حک می کنند و خودشان چاپ می کنند. اگرچه بالاترین دستاوردها در این فرم هنری مربوط به کارهای چوبی است، اما از تمام تکنیک های مدرن حکاکی غربی استفاده می شود. آزمایش با برگ ها، رشته ها و "اشیاء یافت شده" گاهی اوقات می تواند جلوه های بافت سطحی منحصر به فردی ایجاد کند. در ابتدا، استادان این جنبش مجبور شدند به دنبال شناسایی باشند: از این گذشته، حتی بهترین دستاوردهای مکتب ukiyo-e توسط هنرمندان روشنفکر با جمعیت بی سواد مرتبط بود و هنر پلبی در نظر گرفته می شد. هنرمندانی مانند اونچی کوشیرو، هیراتسوکا یونیچی و مائکاوا سنپان برای بازگرداندن احترام به چاپ و تثبیت آن به عنوان شاخه ای شایسته از هنرهای زیبا تلاش زیادی کردند. آنها هنرمندان جوان بسیاری را به گروه خود جذب کردند و اکنون تعداد آنها به صدها رسیده است. از جمله استادان این نسل که در ژاپن و غرب به رسمیت رسیدند می توان به آزچی اومتارو، موناکاتا شیکو، یاماگوچی ژن و سایتو کیوشی اشاره کرد. اینها استادانی هستند که نوآوری و استعداد غیرقابل انکار آنها جایگاه شایسته خود را در میان هنرمندان برجسته ژاپن به ارمغان آورده است. بسیاری از همسالان آنها و دیگر هنرمندان جوان تر هانگا نیز چاپ های فوق العاده ای تولید کردند. این که در اینجا نام آنها را نمی آوریم به معنای ارزیابی کم از کار آنها نیست.

هنرهای تزئینی، معماری و باغ

بخش های قبلی عمدتاً به نقاشی و مجسمه سازی می پردازد که در بیشتر کشورها انواع اصلی هنرهای زیبا محسوب می شوند. ممکن است بی انصافی باشد که در پایان مقاله هنرهای تزئینی و صنایع دستی عامیانه، هنر و معماری باغ را درج کنیم - اشکالی که بخش مهم و جدایی ناپذیر هنر ژاپن را تشکیل می دهند. با این حال، به استثنای معماری، آنها نیاز به توجه ویژه ای جدا از دوره بندی کلی هنر ژاپنی و تغییرات در سبک دارند.

سرامیک و چینی.

مهمترین هنرها و صنایع دستی ژاپن شامل سرامیک و چینی است. هنر سرامیک به طور طبیعی به دو دسته تقسیم می شود. ظروف چینی پلی‌کروم ظریف ایماری، نابیشیما و کاکیمون نام خود را از مکان‌های تولید گرفته‌اند و نقاشی غنی آن بر روی سطح کرم یا سفید متمایل به آبی برای محافل اشراف و دربار در نظر گرفته شده است. فرآیند ساخت چینی واقعی در اواخر قرن شانزدهم یا اوایل قرن هفدهم در ژاپن شناخته شد. بشقاب ها و کاسه ها با لعاب صاف، با الگوی نامتقارن یا براده مانند، هم در خانه و هم در غرب ارزشمند هستند.

برخلاف ظروف چینی، در ظروف درشت ساخته شده از سفال یا توده سنگی با کیفیت پایین، مشخصه شینو، اوریبه و بیزن، توجه به مواد معطوف شده است، چیدمان به ظاهر بی دقت، اما متفکرانه عناصر تزئینی. این گونه ظروف تحت تأثیر مفاهیم ذن بودیسم در محافل روشنفکری بسیار محبوب بودند و به ویژه در مراسم چای خوری بسیار مورد استفاده قرار می گرفتند. بسیاری از فنجان ها، قوری ها و قوری ها، ویژگی های هنر مراسم چای، ماهیت ذن بودیسم را تجسم می بخشد: خود انضباطی سخت و سادگی دقیق. در دوران اوج هنر تزئینی ژاپنی، هنرمندان با استعداد کورین و کنزان به تزئین محصولات سرامیکی مشغول بودند. باید به خاطر داشت که شهرت کنزان بیشتر با استعداد او به عنوان یک سرامیست همراه است تا به عنوان یک نقاش. برخی از ساده ترین انواع و تکنیک های ظروف از سنت های صنایع دستی عامیانه می آیند. کارگاه های مدرن، در ادامه سنت های قدیمی، محصولات زیبایی تولید می کنند که با سادگی ظریف خود لذت می برند.

محصولات لاکی.

قبلاً در قرون 7-8th. لاک در ژاپن معروف بود. از این زمان، درب جعبه ها با تصاویری از افراد و نقوش هندسی با خطوط نازک طلایی تزئین شده است. ما قبلاً در مورد اهمیت تکنیک لاک خشک برای مجسمه سازی در قرن 8 و 9 صحبت کرده ایم. در همان زمان و بعدها اشیای تزئینی مانند جعبه حروف یا جعبه عود ساخته شد. در دوره ادو این محصولات به مقدار زیاد و با مجلل ترین تزئینات ساخته می شدند. جعبه های مجلل تزئین شده برای ناهار، کیک، بخور و دارو، به نام اینرو، نشان دهنده ثروت و عشق به تجمل ذاتی در این زمان است. سطح اشیاء را با نقوشی از پودر طلا و نقره، تکه‌های ورق طلا، جداگانه یا در ترکیب با منبت‌هایی با صدف، مروارید، آلیاژ قلع و سرب و غیره تزئین می‌کردند. این الگوها با سطوح لاکی قرمز، سیاه یا قهوه ای تضاد داشتند. گاهی اوقات نقاشی هایی برای لاک توسط هنرمندانی مانند کورین و کوتسو ساخته می شد، اما بعید است که آنها شخصا در این آثار شرکت کرده باشند.

شمشیرها

همانطور که قبلاً گفته شد ژاپنی ها برای دوره قابل توجهی از تاریخ خود مردمی جنگجو بودند. اسلحه و زره برای بخش بزرگی از مردم ضروری محسوب می شد. شمشیر غرور مرد بود. هم خود تیغه و هم تمام قسمت‌های دیگر شمشیر، به‌ویژه دسته (تسوبا) با استفاده از تکنیک‌های مختلف تزئین شده‌اند. سوباهای ساخته شده از آهن یا برنز با منبت‌هایی از طلا و نقره تزئین می‌شدند، با کنده کاری پوشانده می‌شدند یا با هر دو تزئین می‌شدند. آنها مناظر یا پیکرهای انسانی، گل ها یا نشان های خانوادگی را به تصویر می کشیدند. همه اینها کار سازندگان شمشیر را تکمیل کرد.

پارچه ها

ابریشم‌های پر نقش و نگار و سایر پارچه‌های مورد علاقه دربار و روحانیون در زمان‌های فراوانی و فراوانی، و نیز پارچه‌های ساده با طرح‌های تقریباً ابتدایی مشخصه هنر عامیانه، نیز بیانگر استعداد ملی ژاپن است. پس از رسیدن به اوج خود در دوران مجلل جنروکو، هنر منسوجات دوباره در ژاپن مدرن شکوفا شد. ایده ها و الیاف مصنوعی غرب را با رنگ های سنتی و نقوش تزئینی با موفقیت ترکیب می کند.

باغ ها

در دهه‌های اخیر، علاقه به باغ‌ها و معماری ژاپنی به دلیل افزایش مواجهه عموم غربی با این اشکال هنری افزایش یافته است. باغ ها در ژاپن جایگاه ویژه ای دارند. آنها بیان و نماد حقایق والای دینی و فلسفی هستند و این ظواهر مبهم و نمادین همراه با زیبایی آشکار باغ ها، توجه جهان غرب را به خود جلب می کند. نمی توان گفت که اندیشه های مذهبی یا فلسفی دلیل اصلی ایجاد باغ ها بوده است، اما هنرمند برنامه ریز در هنگام طراحی و ایجاد باغ، عناصری را در نظر می گرفت که تأمل در آنها بیننده را به تفکر در مورد حقایق مختلف فلسفی سوق می داد. در اینجا جنبه متفکرانه ذن بودیسم در گروهی از سنگ‌های غیرمعمول، امواج شن و ماسه چنگک‌دار ترکیب شده با چمن، یا گیاهانی که جوری در پشت آنها ناپدید می‌شوند و دوباره ظاهر می‌شوند تجسم می‌یابد - همه اینها بیننده را تشویق می‌کند تا نقشه‌های ساخت و ساز را تکمیل کند. ایده های باغ ترجیح اشارات مبهم بر تبیین روشن از ویژگی های فلسفه ذن است. ادامه این ایده ها درختان بونسای کوتوله و باغ های کوچک در گلدان ها هستند که اکنون در غرب محبوب هستند.

معماری.

بناهای اصلی معماری ژاپن معابد، مجتمع های صومعه، قلعه ها و کاخ های فئودالی است. از زمان های قدیم تا به امروز، چوب مصالح اصلی ساختمان بوده و تا حد زیادی ویژگی های طراحی را تعیین می کند. قدیمی ترین بناهای مذهبی، زیارتگاه های مذهب ملی ژاپنی شینتو هستند. با قضاوت بر اساس متون و نقشه ها، آنها سازه های نسبتا ساده ای با سقف کاهگلی مانند خانه های باستانی بودند. ساختمان‌های معبدی که پس از گسترش بودیسم ساخته شده و با آن مرتبط شده‌اند، بر اساس نمونه‌های اولیه چینی در سبک و چیدمان بوده‌اند. معماری معبد بودایی در طول زمان متفاوت بود و تزئینات و چیدمان ساختمان ها در میان فرقه های مختلف متفاوت بود. ساختمان‌های ژاپنی با سالن‌های وسیع با سقف‌های بلند و سیستم‌های پیچیده کنسول‌ها متمایز می‌شوند و دکور آن‌ها نشان‌دهنده طعم زمان خود بود. معماری ساده و باشکوه مجموعه هوریوجی که در اوایل قرن هفتم در نزدیکی نارا ساخته شد، به همان اندازه که زیبایی و ظرافت تناسبات هودو، "تالار ققنوس" در اوجی، در دریاچه نیلوفر آبی منعکس شده است، از ویژگی های دوره آسوکا است. ، مربوط به دوره هیان است. ساختمان‌های استادانه‌تر دوره ادو تزئینات اضافی به‌شکل درهای کشویی و پرده‌هایی با رنگ‌آمیزی غنی به دست آوردند که توسط همان «دکوراتورهای بزرگ» ساخته شده بود که فضای داخلی قلعه‌های خندق‌دار و کاخ‌های فئودالی را تزئین می‌کردند.

معماری و باغ های ژاپن به قدری به هم پیوسته اند که می توان آنها را جزئی از یکدیگر دانست. این امر به ویژه در مورد ساختمان ها و خانه های باغ برای مراسم چای صادق است. صراحت، سادگی و ارتباط دقیق آنها با چشم انداز و چشم انداز تأثیر عمده ای بر معماری مدرن غربی دارد.

تأثیر هنر ژاپنی در غرب

تنها در عرض یک قرن، هنر ژاپن در غرب شناخته شد و تأثیر قابل توجهی بر آن گذاشت. تماس‌های قبلی وجود داشت (به عنوان مثال، هلندی‌ها از طریق بندر ناکازاکی با ژاپن تجارت می‌کردند)، اما اشیایی که در قرن هفدهم به اروپا رسیدند، عمدتاً آثار هنری کاربردی بودند - ظروف چینی و لاکی. آنها مشتاقانه به عنوان کنجکاوی جمع آوری می شدند و به طرق مختلف کپی می شدند، اما این صادرات تزئینی ماهیت و کیفیت هنر ژاپنی را منعکس نمی کرد و حتی به ژاپنی ها ایده ای نامطلوب از سلیقه غربی داد.

اولین باری که نقاشی غربی مستقیماً تحت تأثیر هنر ژاپنی در اروپا قرار گرفت در سال 1862 در جریان نمایشگاه بین المللی عظیم لندن بود. هنگامی که پنج سال بعد در نمایشگاه پاریس ارائه شد، چاپ های چوبی ژاپنی دوباره علاقه زیادی را برانگیخت. چندین مجموعه خصوصی از حکاکی ها بلافاصله ظهور کردند. دگا، مانه، مونه، گوگن، ون گوگ و دیگران چاپ رنگی ژاپنی را به عنوان یک مکاشفه درک کردند. تأثیر اندک اما همیشه قابل تشخیص چاپ های ژاپنی بر امپرسیونیست ها اغلب مورد توجه قرار می گیرد. ویسلر و مری کاسات آمریکایی‌ها با محدودیت خط و نقاط رنگی روشن چاپ‌ها و نقاشی‌های ukiyo-e جذب شدند.

گشودن ژاپن به روی خارجی ها در سال 1868 یک شور و شوق برای همه چیزهای غربی ایجاد کرد و باعث شد ژاپنی ها از فرهنگ غنی و میراث هنری خود دور شوند. در این زمان، بسیاری از نقاشی ها و مجسمه های زیبا فروخته شد و در موزه ها و مجموعه های خصوصی غرب به پایان رسید. نمایشگاه های این اشیا غرب را با ژاپن آشنا کرد و علاقه به سفر به خاور دور را برانگیخت. البته اشغال ژاپن توسط نیروهای آمریکایی در پایان جنگ جهانی دوم فرصت های بیشتری را نسبت به قبل برای کاوش و کسب اطلاعات بیشتر در مورد معابد ژاپنی و گنجینه های آنها باز کرد. این علاقه در حضور در موزه های آمریکا منعکس شد. علاقه به شرق به طور کلی سازماندهی نمایشگاه هایی از آثار هنر ژاپن را برانگیخت که از مجموعه های عمومی و خصوصی ژاپن انتخاب شده و به آمریکا و اروپا آورده شده است.

تحقیقات علمی در دهه‌های اخیر برای رد این تصور که هنر ژاپنی صرفاً بازتابی از هنر چینی است، بسیار انجام داده است و نشریات ژاپنی متعدد به زبان انگلیسی غرب را با آرمان‌های شرق آشنا کرده‌اند.

این منطقه عظیم که به طور معمول خاور دور نامیده می شود، شامل چین، ژاپن، کره، مغولستان و تبت است - کشورهایی که دارای تعدادی ویژگی مشابه هستند، اما در عین حال تفاوت های قابل توجهی در فرهنگ دارند.

همه کشورهای خاور دور تأثیر تمدن های باستانی چین و هند را تجربه کردند، جایی که در هزاره اول قبل از میلاد، آموزه های فلسفی و مذهبی ظهور کردند که پایه و اساس ایده طبیعت به عنوان یک کیهان جامع - یک زندگی را پایه گذاری کردند. و ارگانیسم معنوی شده که طبق قوانین خود زندگی می کند. طبیعت در طول دوره قرون وسطی در مرکز جستجوهای فلسفی و هنری قرار گرفت و قوانین آن جهانی در نظر گرفته شد و زندگی و روابط مردم را تعیین کرد. دنیای درونی انسان با مظاهر گوناگون طبیعت مقایسه شد. این امر بر توسعه روش نمادین در هنرهای تجسمی تأثیر گذاشت و زبان شعر تمثیلی آن را تعریف کرد. در چین، ژاپن و کره، تحت تأثیر چنین نگرشی نسبت به طبیعت، انواع و ژانرهای هنری شکل گرفت، مجموعه های معماری ساخته شد، ارتباط نزدیکی با چشم انداز اطراف داشت، هنر باغبانی متولد شد و در نهایت، نقاشی منظره طلوع کرد. تحت تأثیر تمدن هند باستان، بودیسم شروع به گسترش کرد و هندوئیسم در مغولستان و تبت نیز گسترش یافت. این نظام های مذهبی نه تنها اندیشه های جدیدی را به کشورهای خاور دور آوردند، بلکه تأثیر مستقیمی بر توسعه هنر نیز داشتند. به لطف بودیسم ، یک زبان هنری جدید قبلاً ناشناخته مجسمه سازی و نقاشی در همه کشورهای منطقه ظاهر شد ، مجموعه هایی ایجاد شد که ویژگی بارز آنها تعامل معماری و هنرهای زیبا بود.

ویژگی‌های تصویر خدایان بودایی در مجسمه‌سازی و نقاشی در طول قرن‌های متمادی به‌عنوان زبان خاصی از نمادها که بیانگر ایده‌هایی درباره جهان، قوانین اخلاقی و سرنوشت انسان است، توسعه یافت. به این ترتیب تجربه فرهنگی و سنت های معنوی بسیاری از مردمان تثبیت و حفظ شد. تصاویر هنر بودایی تجسم ایده های تقابل بین خیر و شر، رحمت، عشق و امید بود. همه این ویژگی ها اصالت و اهمیت جهانی خلاقیت های برجسته فرهنگ هنری خاور دور را تعیین کردند.

ژاپن در جزایر اقیانوس آرام واقع شده و در امتداد ساحل شرقی قاره آسیا از شمال به جنوب کشیده شده است. جزایر ژاپن در منطقه ای واقع شده اند که در معرض زلزله و طوفان های مکرر است. ساکنان جزایر عادت دارند که دائماً در حال نگهبانی باشند، به یک زندگی ساده راضی باشند و پس از بلایای طبیعی به سرعت خانه ها و خانه های خود را بازسازی کنند. با وجود بلایای طبیعی که دائماً رفاه مردم را تهدید می کند، فرهنگ ژاپنی تمایل به هماهنگی با دنیای اطراف، توانایی دیدن زیبایی طبیعت در چیزهای بزرگ و کوچک را منعکس می کند.

در اساطیر ژاپنی، همسران الهی، ایزاناگی و ایزانامی، اجداد همه چیز در جهان به حساب می آمدند. از آنها سه خدایان بزرگ بیرون آمدند: آماتراسو - الهه خورشید، تسوکیومی - الهه ماه و سوسانو - خدای طوفان و باد. بر اساس ایده های ژاپنی های باستان، خدایان ظاهر قابل مشاهده ای نداشتند، بلکه در خود طبیعت تجسم یافتند - نه تنها در خورشید و ماه، بلکه در کوه ها و صخره ها، رودخانه ها و آبشارها، درختان و گیاهان که مورد احترام بودند. به عنوان روح کامی (در کلمات ترجمه شده به معنای باد الهی در ژاپنی است). این خدایی شدن طبیعت در سراسر قرون وسطی ادامه یافت و شینتو نامیده شد - راه خدایان و تبدیل به دین ملی ژاپن شد. اروپایی ها به آن شینتوئیسم می گویند. ریشه فرهنگ ژاپن به دوران باستان باز می گردد. قدمت اولیه ترین آثار هنری به هزاره چهارم ... دوم قبل از میلاد باز می گردد. طولانی ترین و پربارترین دوره هنر ژاپنی قرون وسطی (قرن ششم و نوزدهم) بود.

طراحی یک خانه سنتی ژاپنی که در قرن 17 و 18 توسعه یافت. قاب چوبی با سه دیوار متحرک و یکی ثابت است. دیوارها به عنوان تکیه گاه عمل نمی کنند، بنابراین می توان آنها را از هم جدا کرد یا حتی آنها را جدا کرد و همزمان به عنوان پنجره نیز عمل کرد. در فصل گرم، دیوارها یک ساختار مشبک بود که با کاغذ نیمه شفاف پوشانده می شد که نور را وارد می کرد و در مواقع سرد و بارانی روی آن ها را می پوشاندند یا با صفحات چوبی جایگزین می کردند. در رطوبت بالای آب و هوای ژاپن، خانه باید از پایین تهویه شود. بنابراین 60 سانتی متر از سطح زمین بلند می شود و برای محافظت از پوسیدگی ستون های تکیه گاه روی پایه های سنگی نصب می شود.

قاب چوبی سبک وزن از انعطاف لازم برخوردار بود که باعث کاهش نیروی تخریبی ضربه در هنگام زلزله های مکرر در کشور می شد. سقف، کاشی یا نی، دارای برآمدگی های بزرگی بود که دیوارهای کاغذی خانه را از باران و آفتاب سوزان تابستان محافظت می کرد، اما در زمستان، اوایل بهار و اواخر پاییز جلوی تابش کم نور خورشید را نمی گرفت. زیر سایبان سقف یک ایوان بود.

کف اتاق های نشیمن با حصیرهای تاتامی پوشانده شده بود که مردم بیشتر روی آن می نشستند نه اینکه بایستند. بنابراین، تمام تناسبات خانه به سمت یک فرد نشسته معطوف شد. از آنجایی که اثاثیه دائمی در خانه وجود نداشت، روی زمین، روی تشک های ضخیم مخصوصی که در طول روز در کمدها گذاشته می شد، می خوابیدند. آنها روی میزهای کم ارتفاع روی حصیر می خوردند و برای فعالیت های مختلف نیز خدمت می کردند. پارتیشن‌های داخلی کشویی که با کاغذ یا ابریشم پوشانده شده‌اند، می‌توانند فضاهای داخلی را بسته به نیاز تقسیم کنند که استفاده متنوع‌تر از آن را امکان‌پذیر می‌سازد، اما برای هر یک از ساکنان آن غیرممکن بود که در داخل خانه حریم خصوصی کامل داشته باشند، که بر روابط درون خانواده تأثیر گذاشت. در خانواده ژاپنی، و به معنای کلی تر - در مورد ویژگی های شخصیت ملی ژاپنی ها. یکی از جزئیات مهم خانه طاقچه ای بود که در نزدیکی یک دیوار ثابت - توکوناما قرار داشت، جایی که یک نقاشی یا ترکیبی از گل ها - ایکبانا می توانست آویزان شود. مرکز معنوی خانه بود. دکوراسیون طاقچه ویژگی های فردی ساکنان خانه، سلیقه و تمایلات هنری آنها را آشکار می کرد.

توسعه خانه سنتی ژاپنی باغ بود. به عنوان حصار عمل می کرد و در عین حال خانه را به آن متصل می کرد محیط. وقتی دیوارهای بیرونی خانه از هم جدا شدند، مرز بین فضای داخلی خانه و باغ از بین رفت و احساس نزدیکی به طبیعت و ارتباط مستقیم با آن ایجاد شد. این یک ویژگی مهم در نگاه ملی بود. با این حال، شهرهای ژاپن رشد کردند، وسعت باغ کاهش یافت و اغلب با ترکیب نمادین کوچکی از گل‌ها و گیاهان جایگزین می‌شد، که همان نقش تماس خانه با دنیای طبیعی را ایفا می‌کرد. خانه اساطیر ژاپنی ایکبانا نتسوکه

هنر چیدن گل در گلدان ها - ikebbna (زندگی گل ها) - به رسم باستانی گل گذاشتن در محراب یک خدا برمی گردد که با بودیسم در قرن ششم به ژاپن گسترش یافت. اغلب، ترکیب به سبک آن زمان - ریککا (گل های قرار داده شده) - شامل شاخه ای از کاج یا سرو و نیلوفر آبی، گل رز، نرگس، نصب شده در ظروف برنز باستانی بود.

با توسعه فرهنگ سکولار در قرن 10 ... 12، ترکیبات گل در کاخ ها و محله های مسکونی نمایندگان طبقه اشراف نصب شد. مسابقات ویژه برای چیدمان دسته گل در دربار شاهنشاهی رایج شد. در نیمه دوم قرن پانزدهم، جهت جدیدی در هنر ikebana ظاهر شد که بنیانگذار آن استاد Ikenobo Senei بود. آثار مکتب ایکنوبو به دلیل زیبایی و ظرافت خاص خود متمایز می شد و در محراب خانه نصب می شد و به عنوان هدیه ارائه می شد. در قرن شانزدهم با گسترش مراسم چای، نوع خاصی از ایکبانا برای تزیین طاقچه توکونوم در غرفه چای شکل گرفت. نیاز به سادگی، هماهنگی، محدود محدوده رنگ، به تمام اشیاء فرقه چای اعمال می شود، همچنین به طرح گل ها - چابانا (ایکبانا برای مراسم چای) گسترش یافته است. استاد معروف چای Senno Rikyu سبک جدید و آزادتر را ایجاد کرد - nageire (گلهایی که بدون دقت قرار داده شده اند) ، اگرچه پیچیدگی و زیبایی خاص تصاویر این سبک در اختلال ظاهری بود. یکی از انواع ناجیر به اصطلاح تسوریبانا بود که گیاهان را در یک ظرف آویزان به شکل قایق قرار می دادند. چنین ترکیباتی به شخصی که وارد یک موقعیت می شود یا تحصیلات خود را به پایان می رساند ارائه می شود، زیرا آنها نماد "خروج به دریای آزاد زندگی" هستند. در قرن هفدهم و نوزدهم، هنر ایکبانا رواج یافت و رسم آموزش اجباری دختران در هنر دسته‌بندی به وجود آمد. با این حال، به دلیل محبوبیت ikebana، ترکیب بندی ها ساده شد و قوانین سختگیرانه stilirikka باید به نفع nageire کنار گذاشته می شد، که از آن سبک جدید دیگری پدید آمد، سیکا یا شوکا (گل های تازه). در پایان قرن نوزدهم، استاد Ohara Ushin سبک موریبان را ایجاد کرد که نوآوری اصلی آن این بود که گل ها را در ظروف پهن قرار می دادند.

در یک ترکیب ikebana، به عنوان یک قاعده، سه عنصر واجب وجود دارد که نشان دهنده سه اصل است: بهشت، زمین و انسان. آنها را می توان به عنوان یک گل، یک شاخه و علف تجسم کرد. ارتباط آنها با یکدیگر و عناصر اضافی، آثاری را خلق می کند که از نظر سبک و محتوا متفاوت هستند. وظیفه هنرمند نه تنها ایجاد یک ترکیب زیبا، بلکه انتقال کامل افکار خود در مورد زندگی انسان و جایگاه او در جهان است. آثار اساتید برجسته ایکبانا می تواند بیانگر امید و غم، هماهنگی روحی و اندوه باشد.

طبق سنت، در ikebana، فصل همیشه بازتولید می شود و ترکیب گیاهان آرزوهای نمادین شناخته شده در ژاپن را تشکیل می دهد: کاج و گل رز - طول عمر. گل صد تومانی و بامبو - رفاه و صلح؛ گل داودی و ارکیده - شادی؛ مگنولیا - خلوص معنوی و غیره.

مجسمه سازی مینیاتوری - نتسوکه - در قرن 18 ... 19 به عنوان یکی از انواع هنرهای تزئینی و کاربردی رواج یافت. ظاهر آن به این دلیل است که لباس ملی ژاپن - کیمونو - جیب ندارد و تمام اقلام کوچک ضروری (لوله، کیسه، جعبه دارو و غیره) با استفاده از جاکلیدی - وزنه به کمربند متصل می شود. بنابراین نتسوکه لزوماً سوراخی برای بند ناف دارد که با کمک آن جسم مورد نظر به آن متصل می شود. جاکلیدی به شکل چوب و دکمه قبلاً مورد استفاده قرار می گرفت، اما از اواخر قرن هجدهم، استادان مشهور قبلاً روی ایجاد نتسوکه کار می کردند و امضای خود را روی آثار می گذاشتند.

نتسوکه هنر طبقه شهری، توده ای و دموکراتیک است. بر اساس موضوعات نتسوکه، می توان در مورد نیازهای معنوی، علایق روزمره، اخلاق و آداب و رسوم مردم شهر قضاوت کرد. آنها به ارواح و شیاطین اعتقاد داشتند که اغلب در مجسمه های مینیاتوری به تصویر کشیده می شدند. آنها مجسمه های "هفت خدای شادی" را دوست داشتند، که در میان آنها محبوب ترین خدای ثروت دایکوکو و خدای شادی فوکوروکو بود. موضوعات ثابت نتسوکه به شرح زیر بود: یک بادمجان ترک خورده با دانه های زیادی در داخل - آرزوی فرزندان نر بزرگ، دو اردک - نمادی از خوشبختی خانوادگی. تعداد زیادی نتسوکه به موضوعات روزمره و زندگی روزمره شهر اختصاص داده شده است. اینها بازیگران و جادوگران دوره گرد، فروشندگان خیابانی، زنانی هستند که به فعالیت های مختلف مشغول هستند، راهبان سرگردان، کشتی گیران، حتی هلندی ها در لباس های عجیب و غریب خود، از دیدگاه ژاپنی ها - کلاه های لبه دار، جلیقه و شلوار. نتسوکه با توجه به تنوع موضوعی خود، عملکرد اصلی خود را به عنوان یک جاکلیدی حفظ کرد و این هدف شکلی فشرده و بدون قطعات برآمده شکننده، گرد و خوشایند را به صنعتگران دیکته کرد. این نیز به انتخاب مواد مربوط می شود: نه خیلی سنگین، بادوام، متشکل از یک قطعه. متداول ترین مصالح، انواع چوب، عاج، سرامیک، لاک و فلز بود.

نقاشی ژاپنی نه تنها از نظر محتوا، بلکه از نظر شکل نیز بسیار متنوع است: اینها نقاشی های دیواری، نقاشی های روی صفحه، طومارهای عمودی و افقی اجرا شده بر روی ابریشم و کاغذ، ورق های آلبوم و فن ها هستند.

نقاشی باستانی را فقط می توان با ارجاعات در اسناد مکتوب قضاوت کرد. اولین آثار برجسته باقی مانده به دوره هیان (794...1185) برمی گردد. اینها تصاویری از "داستان شاهزاده جنجی" توسط نویسنده موراساکی شیکیبو هستند. تصاویر بر روی چندین طومار افقی ساخته شده و با متن تکمیل شده است. آنها را به قلم موهای هنرمند فوجیوارا تاکایوشی (نیمه اول قرن دوازدهم) نسبت می دهند.

ویژگی بارز فرهنگ آن عصر که توسط دایره نسبتاً باریک طبقه اشراف ایجاد شده بود، کیش زیبایی بود، میل به یافتن جذابیت ذاتی آنها در همه مظاهر زندگی مادی و معنوی، گاهی اوقات گریزان و گریزان. نقاشی آن زمان، که بعداً نام Yamato-e (به معنای واقعی کلمه به عنوان نقاشی ژاپنی ترجمه شد) دریافت کرد، نه یک عمل، بلکه یک حالت ذهنی را منتقل می کرد. هنگامی که نمایندگان سختگیر و شجاع طبقه نظامی به قدرت رسیدند، افول فرهنگ عصر هیان آغاز شد. یک عنصر روایی در نقاشی طومار ایجاد شد: اینها افسانه هایی از معجزات پر از قسمت های دراماتیک، زندگی نامه واعظان ایمان بودایی و صحنه هایی از نبردهای جنگجویان هستند. در قرن 14 ... 15 تحت تأثیر آموزه های فرقه ذن با توجه خاص آن به طبیعت، نقاشی منظره (در ابتدا تحت تأثیر الگوهای چینی) شروع به توسعه کرد.

در طول یک قرن و نیم، هنرمندان ژاپنی بر سیستم هنری چین تسلط یافتند و نقاشی منظره تک رنگ را به ویژگی هنر ملی تبدیل کردند. بالاترین گلدهی آن با نام استاد برجسته Toyo Oda (1420...1506) مرتبط است که با نام مستعار Sesshu شناخته می شود. او در مناظر خود، تنها با استفاده از بهترین سایه های جوهر سیاه، توانست تمام دنیای رنگارنگ طبیعت و حالات بی شمار آن را منعکس کند: فضای اشباع از رطوبت اوایل بهار، باد نامرئی اما محسوس و باران سرد پاییزی، یخ زدگی بی حرکت. از زمستان

قرن شانزدهم دوران به اصطلاح اواخر قرون وسطی را باز می کند که سه قرن و نیم به طول انجامید. در این زمان نقاشی های دیواری رواج یافت و کاخ های حاکمان و فئودال های بزرگ کشور را تزئین می کرد. یکی از بنیانگذاران جهت جدید در نقاشی، استاد معروف کانو ایتوکو بود که در نیمه دوم قرن شانزدهم زندگی می کرد. حکاکی روی چوب (چوب کاری) که در قرن 18 و 19 شکوفا شد، به نوع دیگری از هنرهای زیبای قرون وسطی تبدیل شد. حکاکی، مانند نقاشی ژانر، ukiyo-e (تصاویر دنیای روزمره) نامیده می شد. علاوه بر هنرمندی که نقاشی را خلق کرده و نام خود را بر روی ورق تمام شده نوشته است، یک منبت کار و یک چاپگر در خلق این حکاکی شرکت کرده اند. در ابتدا، این حکاکی تک رنگ بود و توسط خود هنرمند یا خریدار رنگ می شد. سپس چاپ دو رنگ اختراع شد و در سال 1765 هنرمند سوزوکی هارونوبو (1725...1770) اولین کسی بود که از چاپ چند رنگ استفاده کرد. برای انجام این کار، کارور کاغذ ردیابی با الگو را روی یک تخته برش طولی مخصوص تهیه شده (از گلابی، گیلاس یا شمشاد ژاپنی) قرار می دهد و بسته به طرح رنگ حکاکی تعداد مورد نیاز تخته چاپ شده را برش می دهد. گاهی بیش از 30 نفر بودند. پس از این، چاپگر با انتخاب سایه های مورد نظر، بر روی کاغذ مخصوص چاپ می کند. مهارت او در دستیابی به تطابق دقیق خطوط هر رنگ به دست آمده از تخته های چوبی مختلف بود. تمام حکاکی‌ها به دو گروه تقسیم می‌شوند: تئاتری که بازیگران تئاتر کلاسیک ژاپنی کابوکی را در نقش‌های مختلف به تصویر می‌کشد و روزمره که زیبایی‌ها و صحنه‌هایی از زندگی آنها را به تصویر می‌کشد. مشهورترین استاد حکاکی تئاتر توشوشای شاراکو بود که چهره بازیگران را در نمای نزدیک به تصویر می‌کشید و بر ویژگی‌های نقشی که بازی می‌کردند، ویژگی‌های فردی که به عنوان شخصیت در نمایش تناسخ پیدا می‌کرد، تأکید می‌کرد: خشم، ترس، ظلم. ، خیانت

هنرمندان برجسته ای مانند سوزوکی هارونوبو و کیتاگاوا اوتامارو در حکاکی زندگی روزمره مشهور شدند. اوتامارو خالق تصاویر زنانه بود که آرمان ملی زیبایی را تجسم می بخشید. به نظر می رسد قهرمانان او برای لحظه ای یخ زده اند و اکنون به حرکت نرم و برازنده خود ادامه می دهند. اما این مکث گویاترین لحظه ای است که کج شدن سر، ژست دست، شبح شکل احساساتی را که با آن زندگی می کنند منتقل می کند.

مشهورترین استاد قلم زنی هنرمند برجسته کاتسوشیکا هوکوسای (1776...1849) بود. آثار هوکوسای بر اساس فرهنگ تصویری چند صد ساله ژاپن است. هوکوسای بیش از 30000 طراحی و حدود 500 کتاب را به تصویر کشیده است. هوکوسای که قبلاً یک مرد هفتاد ساله بود ، یکی از مهم ترین آثار - مجموعه "36 دیدگاه فوجی" را ایجاد کرد که به او امکان می دهد در یک ردیف با برجسته ترین هنرمندان هنر جهان قرار گیرد. هوکوسای با نشان دادن کوه فوجی - نماد ملی ژاپن - از نقاط مختلف، برای اولین بار تصویر وطن و تصویر مردم را در وحدت آنها آشکار می کند. این هنرمند زندگی را به عنوان یک فرآیند واحد در همه تنوع جلوه های آن می دید که از احساسات ساده یک فرد شروع می شود، فعالیت های روزمره او و ختم به طبیعت اطراف با عناصر و زیبایی آن. کار هوکوسای که تجربه قرن‌ها هنر مردمانش را جذب کرد، آخرین قله در فرهنگ هنری ژاپن قرون وسطی است که نتیجه قابل توجه آن است.

ژاپن یک ایالت بسیار جالب است که به خاطر سنت ها و آداب و رسوم بسیار متنوعی شناخته شده است. موقعیت جغرافیایی سرزمین طلوع خورشید آن را تا حدودی از سایر ایالت ها جدا کرده است و به همین دلیل بدون توجه به کشورهای اروپایی توسعه یافته است. فرهنگ ژاپن بسیار غنی و متنوع است. سنت های منحصر به فرد ژاپنی تحت تأثیر رویدادهای مهم تاریخی شکل گرفت. ژاپن به تدریج به یک کشور قدرتمند و متحد با ویژگی های مشخصه و ذهنیت خاصی از جمعیت تبدیل شد.

جنبه های اساسی فرهنگ ژاپنی

فرهنگ کشور در بسیاری از حوزه های اجتماعی متجلی است. در ژاپن جنبه های آن عبارتند از؛

برای ژاپنی ها، فرآیند نوشیدن چای یک ارضای ساده نیازهای فیزیولوژیکی بدن نیست، بلکه یک فرقه واقعی است. مراسم چای در ژاپن با ویژگی های خاصی همراه است و سنت های زیادی را در خود جای داده است. به نظر می رسد چنین نگرش محترمانه ای نسبت به روند روزمره رشد خود را از مراقبه راهبان بودایی گرفته است. آنها کسانی هستند که اهمیت زیادی به فرآیند نوشیدن چای دادند.

برای اروپایی ها، مفهوم "کیمونو" لباس ملی ژاپن را مشخص می کند. با این حال، در خود سرزمین خورشید طلوع دو معنی از این کلمه وجود دارد - به معنای باریک و گسترده. کلمه "کیمونو" در ژاپن نه تنها به لباس ملی، بلکه به طور کلی به تمام لباس ها اشاره دارد. در زیر کیمونو، به عنوان یک قاعده، یک لباس مخصوص و هفت کمربند پوشیده می شود. کیمونویی که در تابستان استفاده می شود یوکاتا نام دارد. بسته به سن زن، مدل لباس ممکن است متفاوت باشد.

در ژاپن، دو جنبش مذهبی به طور همزمان با موفقیت تبلیغ می شوند - شینتوئیسم و ​​بودیسم. شینتوئیسم در ژاپن باستان ظاهر شد؛ این آیین مبتنی بر پرستش موجودات مختلف است. بودیسم به نوبه خود به انواع مختلفی تقسیم می شود. در ژاپن مدارس بسیاری وجود دارد که این یا آن جنبش بودیسم را ترویج می کنند.

باغ های صخره ای برای فرهنگ ژاپنی اهمیت ویژه ای دارند. آنها نه تنها یک خلاقیت معماری هستند که توجه گردشگران را به خود جلب می کنند، بلکه مکانی برای رشد معنوی هستند. در اینجا ژاپنی ها از اندیشیدن به سازه های سنگی که به ترتیب خاصی چیده شده اند، روشنگری می یابند. باغ‌های صخره‌ای شامل طرح خاصی هستند که فقط یک فرد روشن‌فکر می‌تواند آن را باز کند.

Tango no sekku جشن پسران است. این نه تنها به همه نمایندگان کوچک مرد، بلکه به مردانگی و قدرت کل مردم ژاپن اختصاص داده شده است. مرسوم است که تعطیلات را در بهار جشن می گیرند، زمانی که طبیعت از خواب بیدار می شود و از زیبایی خود لذت می برد. در روز Tango no Sekku، پسران توسط والدین خود مراقبت می شوند. یک پدر باید در مورد تمام جنگجویان ژاپنی و موفقیت های آنها به پسرش بگوید. و مادرش با غذاهای لذیذ برایش سفره می چیند.

شکوفه های گیلاس را زیباترین پدیده طبیعی می دانند. بسیاری از گردشگران دقیقاً به اینجا می آیند تا از تفکر یک گیاه گلدار لذت ببرند. در فصل بهار جمعیت زیادی از مردم در پارک های ژاپن دیده می شوند. بسیاری از خانواده ها به پیک نیک می روند و زیبایی درختان گیلاس ژاپنی را تماشا می کنند.

یکی از سنت های منحصر به فرد این کشور تعظیم است. آنها قواعد خوش اخلاقی را به تصویر می کشند. مرسوم نیست که ژاپنی ها خداحافظی کنند، در عوض به همان اندازه که طرف مقابل تعظیم کرد، تعظیم می کنند.

سامورایی ها نشان دهنده طبقه خاصی از جامعه هستند که تحت تأثیر سنت ها و آداب و رسوم شکل گرفته اند. ارتباط مستقیمی با فرهنگ کشور دارد. سامورایی ها رزمندگانی هستند که خدمات خاصی را انجام می دهند که می تواند نظامی، امنیتی یا خانگی باشد. در هر یک از این موارد، سامورایی ها شجاعت، مردانگی و اشراف مردم ژاپن را نشان می دهند.

روند شکل گیری فرهنگ ژاپن باستان

فرهنگ ژاپن باستان با تولد زبان و نوشتار ژاپنی شروع به توسعه کرد. سرزمین طلوع خورشید اساس این کار را از چین به عاریت گرفته است. نوشته ژاپنی همچنین حاوی هیروگلیف هایی است که یک شهروند خارجی قادر به درک آنها نیست. بعد از مدتی در ژاپنیکلمات، صداها و عبارات جدید شروع به اضافه شدن کردند. بنابراین کاملاً دگرگون شد، اما ویژگی‌های مشترک با چین هنوز قابل ردیابی است.

دینداری این کشور نیز به دوران باستان بازمی گردد. شینتوئیسم نتیجه توسعه اسطوره های مختلف بود. در حال حاضر این آموزش باعث ترویج فرقه رهبران و افراد مرده می شود. بودیسم چنان ریشه های عمیقی دارد که نظرات دانشمندان و مورخان در مورد پیدایش این نوع دین بسیار متفاوت است.

هنر ژاپنی

تقریباً تمام انواع هنری که در ژاپن انجام می شود یک ایده اصلی دارد - آرامش و آرامش. دقیقاً هماهنگی یک فرد با خودش است که فارغ از روش ارائه اطلاعات حاوی هنر است. بسیاری از انواع هنر شناخته شده در سراسر جهان توسعه خود را در ژاپن آغاز کردند. در میان آنها می توان اوریگامی را برجسته کرد - توانایی تا کردن اشکال مختلف از کاغذ.

یکی دیگر از بخش های محبوب هنر ژاپنی ikebana است. این مهارت تشکیل دسته گل با استفاده از تکنولوژی خاص است. از اینجا یک فعالیت به همان اندازه محبوب به نام بونسای شروع شد. این ایجاد ترکیبات مختلف از درختان کوتوله است. در اومیا، نه چندان دور از توکیو، یک پارک کامل بونسای وجود دارد. هر درخت کوتوله ای که در اینجا ارائه می شود به روش خود منحصر به فرد و زیبا است.

نقاشی ژاپنی سزاوار اهمیت ویژه ای است، زیرا هر نقاشی معنایی پنهان دارد. به عنوان یک قاعده، رنگ های روشن، انتقال متضاد و خطوط واضح به عنوان طراحی استفاده می شود. ژاپن همچنین دارای هنر خوشنویسی است. این مهارت نوشتن زیبای هیروگلیف است. هنرهای کاربردی در ژاپن نیز رواج دارد. یک موزه کامل در توکیو به این هنر اختصاص داده شده است. در اینجا می توانید محصولات ساخته شده از کاغذ، شیشه یا فلز را مشاهده کنید. و این لیست کاملی از مواد مورد استفاده برای این منظور نیست.

سبک ژاپنی طراحی داخلی نیز شایسته توجه ویژه است. این شامل کارایی و سادگی، همراه با اصالت اجرا است. علاوه بر این، طراحی داخلی، مانند هر شکل دیگری از هنر ژاپنی، دارای فلسفه مذهبی است.

معماری ژاپن

سازه های معماری در ژاپن، به نوعی با دین مرتبط هستند. در ابتدا، ساختمان های معبد اغلب فاقد هر گونه گل بودند. این به دلیل استفاده از چوب بدون رنگ در ساخت و ساز بود. بعداً آنها شروع به استفاده از سایه های قرمز و آبی کردند.

چوب به عنوان ماده اصلی ساختمان های معماری در ژاپن در نظر گرفته می شود. این به این دلیل است که ذخیره این منبع در کشور بسیار زیاد است. چوب علاوه بر این که گرما را به خوبی هدایت می کند و رطوبت را جذب می کند، در مواقع زلزله که اغلب در ژاپن اتفاق می افتد نیز کاربردی است. اگر بازسازی خانه سنگی پس از تخریب بسیار دشوار است، خانه چوبی بسیار آسان تر است.

ویژگی اصلی معماری ژاپنی وجود اشکال هندسی صاف است. اغلب، اینها مثلث و مستطیل هستند. یافتن خطوط صاف و گرد در هر سازه ای تقریبا غیرممکن است. اصل اصلی که ژاپنی ها خانه های خود را بر اساس آن چیدمان می کنند وجود جدایی ناپذیر داخل و خارج خانه است. این در مورد باغ های ژاپنی صدق می کند. آنها باید دقیقاً به همان سبک خود خانه تزئین شوند. در غیر این صورت بد شکل و بد مزه کامل محسوب می شود. ژاپنی ها توجه ویژه ای به باغ های خود دارند.

موسیقی ژاپنی

از نظر توسعه موسیقی، ژاپن به کشورهای دیگر با استفاده از نوعی آلات موسیقی نگاه کرد. اما بعداً تحت تأثیر سلیقه ها و سنت های محلی آنها را مدرن کرد. اولین کسی که بر شکل گیری موسیقی کلاسیک در ژاپن تأثیر گذاشت، فولکلور محلی دنگاکو بود که با تأثیرات خارجی آمیخته شد و موسیقی را به وجود آورد که در حال حاضر برای ژاپن آشنا است.

جنبه مذهبی موضوع نیز سهم خود را در ریشه های موسیقی ایفا کرد. به لطف مسیحیت، نواختن ارگ رواج یافت. و بودیسم نواختن فلوت را ترویج کرد.

در حال حاضر، موسیقی کلاسیک در ژاپن محبوبیت پیدا کرده است. بسیاری از نمایندگان این سلول خلاق به خارج از کشور ژاپن سفر می کنند. اینها عبارتند از گوتو میدوری، اوزاوا سیجی و اوچیدا میتسوکو. اخیراً سالن‌هایی که برای گوش دادن راحت به موسیقی کلاسیک طراحی شده‌اند در ژاپن افتتاح شدند. از جمله آنها می توان به سالن کیو، سالن سمفونی اوزاکا، باغ و غیره اشاره کرد.

سنت های خانگی ژاپن

ژاپنی ها مردمی خوش اخلاق هستند که سنت ها و آداب و رسوم خود را رعایت می کنند. در ژاپن رفتار محترمانه با خود و دیگران یک امر عادی محسوب می شود. از دوران کودکی به کودکان رفتارهای خوب آموزش داده می شود، ارزش های اساسی مردم ژاپن برای آنها توضیح داده می شود و به هر طریق ممکن آموزش می بینند. و همه اینها به نفع جامعه است. هر توریستی که از کشوری دیگر به سرزمین طلوع خورشید بیاید، از رفتار دوستانه، دوستانه و خوش اخلاق ژاپنی ها متعجب می شود.

برخلاف کشورهای اروپایی، ژاپن مدت‌هاست استعمال دخانیات در اماکن عمومی را ممنوع کرده است. این در مورد مالکیت خصوصی نیز صدق می کند. سیگار کشیدن در نزدیکی افراد دیگر تنها در صورتی مجاز است که آنها رضایت خود را داده باشند.

از جمله، ژاپنی ها تمام قوانین بهداشتی را که جامعه به آنها دیکته می کند، به شدت رعایت می کنند. به عنوان مثال، در هر اتاق، از جمله ساختمان های مذهبی، حصیرهای حصیری مخصوص وجود دارد. شما نمی توانید با کفش روی آنها راه بروید؛ آنها نه تنها یک دکوراسیون داخلی، بلکه یک توهین واقعی نیز محسوب می شوند. همچنین ژاپنی ها تصمیم گرفتند از خود در برابر باکتری های احتمالی که از توالت روی پاهایشان می آید محافظت کنند. در هر مکان عمومی و در آپارتمان ها دمپایی های مخصوص توالت وجود دارد که اجازه نمی دهد میکروب های مضر به اتاق های دیگر منتقل شوند.

برای ژاپنی ها، غذا خوردن یک فرآیند زندگی محسوب نمی شود، بلکه یک فرقه واقعی است. ژاپنی ها همیشه قبل از غذا خوردن دست های خود را با حوله مخصوص مرطوب شده با آب پاک می کنند که به آن اوشیبوری می گویند. تنظیم جدول به هیچ ترتیب تصادفی انجام نمی شود، بلکه طبق یک الگوی خاص است. حتی هر دستگاهی جای خود را دارد. ژاپنی ها آنها را به نر و ماده تقسیم می کنند و این برای آنها بسیار مهم است. در ژاپن از قاشق فقط برای خوردن سوپ اوزونی استفاده می‌شود که برای سال نو تهیه می‌شود؛ ژاپنی‌ها ترجیح می‌دهند بقیه غذاهای اولیه را منحصراً از کاسه‌های مخصوص بنوشند. علاوه بر این، زدن لب‌هایتان در طول وعده غذایی، رفتار بدی محسوب نمی‌شود. اعتقاد بر این است که به این ترتیب طعم غذا بهتر آشکار می شود.

ارتباط رفتارهای خوب در ژاپن با قوانین زیر ثابت می شود:

• لازم است از قبل در مورد مکان و زمان جلسه صحبت شود. در ژاپن، دیرکردن، وقاحتی فراتر از مرزهای نجابت محسوب می شود.
• شما نمی توانید صحبت های طرف مقابل خود را قطع کنید، باید صبورانه منتظر بمانید تا شخص صحبت کند، سپس شروع به بیان نظر خود کنید.
• اگر با شماره اشتباه تماس گرفتید، باید عذرخواهی کنید.
• اگر کسی به کمک شما آمد، قطعاً باید از او تشکر کنید.
• برخی از مهمانان ژاپنی ممکن است افتخاری در نظر گرفته شوند. حتی یک مکان ویژه در میز به آنها اختصاص داده می شود که معمولاً در دورترین فاصله از ورودی اتاق قرار دارد.
• وقتی به ژاپنی‌ها هدیه می‌دهید، باید به خاطر متواضع بودن، علیرغم چیزی که نشان می‌دهد، عذرخواهی کنید. اینها قوانین است، آنها را نباید شکست.
• مردان هنگام نشستن پشت میز شام می توانند پاهای خود را روی هم بگذارند، اما زنان به شدت از این کار منع می شوند. پاها باید جمع شوند و در یک جهت باشند.

همچنین یکی از سنت های زندگی روزمره در ژاپن، احترام به افراد مسن است. مهم نیست که حرفه، درآمد، ظاهر یا ویژگی های شخصیتی یک فرد چیست، اگر سنش بالاتر است، باید با احترام با او رفتار کرد. پیری در ژاپن باعث احترام و غرور می شود. این بدان معنی است که فرد راه طولانی را طی کرده است و اکنون شایسته افتخار است.

کمک به سایت: دکمه ها را فشار دهید